身為藝穗節資深觀眾，發現此屆居然出現京劇節目，還是兩位雖年輕、但已是演出經驗豐富的演員主演，二話不說立刻選這檔。其實已經好一段時間沒有看京劇演出了，過去經驗也多是在大劇場，看大型編製京劇。這一回早知道是個經典段子，也能想像到就劇的本身是不太可能更動老祖宗的程式，但是在觀看過程卻讓我想說：謝謝這個節目，今晚讓我再次感受到京劇的美好。

這是第一次這麼近距離看京劇演出，相較於過去總遠遠看著舞台上的小小身影，這個演出就發生在身邊，近到演員表情看得一清二楚，連肢體動作所產生的聲音也都依稀可聽見。然後，我開始無法想像怎麼在遠距離觀看《三岔口》了，因為那鐵定會錯過演員無聲之下的豐富表情啊！由於不是在傳統舞台演出，導演必須決定演員進出場及走位、如何和觀眾互動（導演請不要再自言自語說觀眾會沒發現導演在哪裡），怎麼利用這個場地營造出屬於這個場地的《三岔口》。

於是觀眾也成了入住這黑心客棧的客人，只是我們沒成為黑心店主人有興趣下手的對象，反而在客棧裡目睹那個倒楣鬼投宿，像是夜半如廁之際卻意外發現店主人不軌意圖，就順便躲在一旁看好戲的閒雜人等。這種演員環繞著觀眾演戲，觀眾必須隨著演員移動身體才能觀看的經驗，大概上回就是《如夢之夢》吧；當然這個作品的移動幅度沒那麼大，主戲還是集中在特定方向。走廊變成客棧入口，窗邊大紅燈籠高高掛，以及貼在牆上的客棧菜單及緝凶公告，都為場地營造客棧氛圍。

看著看著突然有一個感覺：傳統的一桌二椅（何況這回還只用了一椅）非常適合到各種場地演出，它的精彩不需仰賴繁複舞台佈景及道具，重點在於演員、文武場的功力，如果選擇較易讓現代人產生共鳴的段子，再由導演加入現代劇場元素，它一點也不嫌老套。

唯一我也想不出怎麼解決較好的問題是座位受限制，使得除了在演員前面的第一排觀眾，其他座位都多少會有視線遮蔽問題，尤其是看不到演員蹲低時的精采動作。

演出場地：華山1914文創園區 果酒禮堂

虛擬情境：大學新生迎新「活動」。以下為參加活動的大一新生心得。

我覺得學長姐好用心、好讚喔，安排這麼有趣的搭遊艇活動。在登艇前，同學可以先點歌，待會有機會被抽中上台K歌耶！還有還有，有傷心小卡片，可以填上自己的傷心心情故事，然後等會兒在船上，就會有一位小天使抽中我的卡片，寫上安慰鼓勵的文字，在活動結束時我就可以拿回卡片，得到陌生人的打氣加油喔。上了遊艇後，學長姐開場表演了三小段後，主持人宣佈開始了K歌活動，輪到上台的同學啊，還可以摸出一顆彩球，隨著不同彩球，就會有不同組合的學長姐在你K歌時伴唱、伴舞，或演個情境短劇來陪你。啊！是有的同學唱得不怎麼好啦，不過，呵呵…沒關係嘛，就迎新活動嘛，大家開心就好了。學長姐還用心準備了蛋糕幫大家一起慶祝「重生」，因為結束這趟航程，我就不再傷心，可以過新的人生了。然後，我還拿到一朵好美的玫瑰花，我們一起將花抛到淡水河裡，讓傷心的事就此沈入水底。最後，學長姐也送了我們幾首歌，嘻嘻…也是有一整首歌key都不準的情況啦，但是沒關係，這個活動實在好有趣喔。謝謝學長姐。

真實情境：台北藝穗節「演出節目」。請將前段的「同學」替換為「觀眾」，「學長姐」替換為「演出人員」。

身為觀眾，我覺得策劃這樣的「演出節目」，團隊的確很用心構思，這中間有許多細節，需要事先全盤規劃，花的時間必然不少。但回到這是個「演出節目」來說，既然是演出，對於演出品質的要求就不是如同迎新活動或救國團團康活動，唱歌音不準也沒關係。讓觀眾上台K歌的確是能增加互動，但團隊並無法掌控上台者的歌唱是否會令其他觀眾覺得滿意。這種無法控制的部份也就算了，當演出人員自己表演時，依舊有出現《流浪到淡水》從頭到尾音沒有準過的狀況，這就是回到既然要上台，就要對自己及觀眾負責。（還是說，這是我無法領略到的一種年輕朋友的特意安排笑點？）

受限於場地空間，女舞者呈現動作無法施展的情況，整個感覺會像是K歌伴唱帶裡走來走去的女模，很可惜啊，相信你們實力不只如此，但在這個場地，或許更需要構思受限場地的適合表演型式。情境短劇的表演，建議可以多排練幾款劇情，即使觀眾抽中同一組人馬，也可以演出不同劇情，儘量避免只是在觀眾面前晃來晃去的動作。雖說情歌無論唱哪首，都可以用編排好的制式劇情或舞蹈來搭，但如果能更符合歌曲情境會更棒。有感受到節目/活動細節策畫的用心，但演出部份的品質可以再精進。

演出場地：大稻埕遊艇

結構完整的劇本在藝穗節節目中已是少有，當採用的是東尼奬最佳劇本奬的劇本，這起碼已先拿到兩顆心心了吧。但也不是說拿了好劇本就一定不會搞砸，語言轉譯、導演及演員功力還是要有一定水準才能扛得起這個劇本。這回導演及演員組合又幫這齣戲再加上兩顆心心。

很有趣的是，即使同一個劇本，不同演員特質就會使角色呈現不同質感，劇場及電影的差異也使得在觀看過程有不同的感覺。印象中在看電影時，當兩對夫婦不再假惺惺，開始出現一些所謂脫序行為時，心裡感覺是「這些大人們真是很可笑」，但並沒有想笑出來；但在看這個劇場版本時，或許是因為台詞的用字及演員的表演方式，某些地方會令觀眾真的笑出聲來，但這就變成感覺是「那個行為很好笑」。這兩者應該是有差異的，但沒看過原著劇本，不知道原本設定是哪一種，又或這是導演的選擇。

思劇場場地的選擇也為這齣劇加分，頂到天花板的書牆成了客廳佈景，且納入了台詞作為諷刺。唯一受限是浴室空間內另一對夫婦對話就無法呈現，只能想像他們也是在裡頭破口大罵外面那一對吧。然後，劇場帶來一個電影無法做到的部份：氣味。花被撕扯砸爛後，隔了幾秒鐘，坐在最後一排的我聞到了花莖的草味，是一種很意外的驚喜感。所以，又加了半顆心心。

最後，談一下為何我沒給最後半顆心心的原因。因為曾看過電影版本，當看到節目介紹文字時，就猜應該是這個本子，引起我興趣的是，將其中一對異性戀夫妻更動為男同志伴侶這個設定。因此，我很期待著因著這個設定，在改編時會加入因性別傾向而產生的一些衝突或角色互動。於是看戲過程我有在等著何時會出現和同志角色相關的話題，大約是演出五十分鐘時，才出現一句：「你們同志都比較敏感是吧？」當然「多元成家」這個詞也在吵架時被使用了，但就感覺停在這個表面層次了。或許這是因就著原始劇本來進行可能的加料，而未打算更大膽地進行改編。

劇組整體實力相當好，不過這是可以容許有瘋狂創意的藝穗節啊，下回如果能再多一些創新，多融入與現實社會有關的議題（不是只停留在加了牛舌餅之類的台灣元素），肯定會心心爆表了吧。

演出場地：小藝埕思劇場

先說說當初會選這齣戲的理由吧。如果只是搬演《傾城之戀》，我可能不會選。但劇名多了「的生存之道」這幾個字，再加上看到節目介紹文字有「當島國崩壞之際，他們又該如何尋找自己的立足之地？」，以及「試圖尋找屬於這個世代的傾城之戀。」這倒引起我好奇了，「島國」及「這個世代」讓我期待會看到一齣將原著改編，時空拉到當下的台灣社會，呈現在島國紛亂、即將傾城之際的男女求愛求生存之道。

但是，在戲開始不久，我就發現我錯了，這一切都是文宣太美以致於讓我有太多想像與期待。這齣戲，它就是在演原著故事，依舊是上海、香港的故事（香港不稱為島國喔！沒得凹），除了演員服裝現代化，以及有兩段情節分別以「來電五十」般的交友節目與男女籃球鬥牛的現代情節來呈現之外，它就是范柳原及白流蘇的故事。於是它一點兒都無法讓期待看到新詮釋的我得到共鳴。

撇開因錯誤預期而帶來的失落，回到搬演這個經典文學來說吧。的確上述的兩段現代化情節有些新意，讓白流蘇在佈滿線的迷宮中糾纏或是緩步點燈、滅燈也具有新意，但總覺得一切沒有入味。自我檢討後，我認為這是個人偏好問題啦，因為我超級不喜歡一齣戲有很大比例是以張愛玲小說文字讀劇的方式呈現，主角很少是以第一人稱對話，群戲時採取唸一堆旁白說明，主角也有很多時間在唸該角色內心話OS（難道大家已經習慣有線電視八點檔的OS演法嗎？）。我的標準是如果閉上眼睛用聽的，也沒有錯失什麼精采的演員表情動作及走位，那不是就變成廣播劇了。

當眾演員在開頭及結尾齊聲唸出：「我們都是白流蘇，白流蘇都是我們，我們都是范柳原，范柳原都是我們」，這句對白還真的是意指演員們們會輪流扮演這兩個角色，或在場上齊聲唸相同對白，但無法讓我透過情節感受到被指著鼻子說：「你也是白流蘇，你也是范柳原，你們大家都一樣」。好的，完全又是我想太多，竟期待看到如同林奕華的戲能直指每個人心中隱藏的包法利夫人或紅娘般，能看到這個演出詮釋為何我們人人都是在島國傾城之際的范先生或白小姐。

結論是：觀眾會依文宣及自我看戲經驗來預期可以看到什麼，跟預期落差太大時，心心就會神隱了。這倒底是誰的問題啊啊啊？？？

演出場地：華山1914文創園區 果酒禮堂

在香港佔中行動的隔天看到這個作品，聽到演出台詞：「你們年輕人都不讀書、不看報」，心裡想的是無論港台，未來倚靠的可是這批有行動力、有革命精神的年輕人啊！
節目名稱「都市漫遊」，加上節目介紹中提到的作品元素影像、音樂、詩歌…，可能會令人一時誤以為又是個小確幸作品。但怎麼可能呢？創作／演出者可是有資深前輩莫昭如啊！因應在台北演出，加入了與台北有關的段落（雖然作品中也有提到巴黎及福島的段落，但比重上仍以港台為重），但許多關於香港的段落所談及的議題，放諸港台皆然，甚至全球任何城市皆然。取材自不同城市裡關於有形／無形文化保存、自然保育、生活環境受商業大量介入、核能議題、勞工權益、過度消費、人民被制約而信以為真、統治者對人民聲音及文化的漠視等議題，這個作品裡有好多好多話想說。
很久沒有看演出時跟著表演移動的經驗，這個作品運用了演出空間非傳統劇場的特質，甚至連門外小巷都成了演出舞台。看著巷子裡川流不息的機車，或無視眼前正發生不尋常之事、直接呼嘯而過，或很有禮貌地停下、猶豫是否該騎過去，這種每場都不同的真實即興，正是趣味所在啊。

演出場地：關渡山行巷弄劇場