音樂的歌聲帶領著我們穿透了臺北昏暗的陰天，上到白雲之上，藍天之下。原住民的澄澈歌聲與遼闊的世界觀，讓演出團體在都市叢林中的族群歸屬感裡，多了一份同伴的慰藉與家庭的溫暖。不論是不是原住民，我們都在今晚的演出裡，得到了一份共乘歸屬的車票，一路開往遠離臺北的特快車，回到後山之際，回到山巒之巔。男女主唱的歌聲有著撫慰人心的力量，雖然在人潮擁擠的小小室內空間，卻在音符裡讓我們看見山谷與溪河。影片裡阿嬤的身影濃縮著大時代吞下委屈的苦楚，藉由阿嬤的深邃輪廓，帶我們看見對於自由與嚮往的期待。

原住民總是習慣性地先將自己處於弱勢，再嘵嘵不休地抗爭為什麼社會政府對不起你也對不起我，但在這個音樂團體裡我們柔性地讀到溫暖的力量，歌詞樂曲創作的引吭高歌，讓受盡欺壓的原住民在回頭檢視歷史與自我認同的同時，以愛為名，給予更多包容與原諒，最後輕輕地以感謝上天的語調告訴我們，沒有人被欺壓，只要我們看得起自己。

最令人激賞的是現場樂團的獨立演奏，小提琴SOLO時的光芒完全綻放在這一次音樂會的主題上，力量小而強，內斂但堅韌。感謝，真心感謝，比起去年的《自由大道》，今年我看到更多牽引光明的力量與期待。

演出場地：A House

喜劇啊，吃的是演員的節奏與掌控，對台詞的力道拿捏與身體的高度穩定，有了這樣的前提與條件之後，我們才能夠繼續往下發展那些可供表演者大鳴大放的哏，一哏再一哏，哏哏相連到天邊。這齣劇花了相當大的篇幅在白描同居生活裡的室友情景，從食衣住行育樂各方面著手，編導在每一環節都用心地經營這些那些會讓人發噱與這些那些會讓人捧腹大笑的生活小妙趣，小至眼神投射，大至動作設計，在在都為了「好笑」而鋪陳刻劃著。藉由演員的共同發想與延伸，再在導演的統整之下，集大成為這個家有囍事般的TOOGAYTHER。

四個演員都具備著「拋哏」的功力，並且各自有著不同喜劇元素的千秋。飾演GG的女演員節奏拿捏之快、狠、準儼然呈現一種驚世駭俗的走火入魔境界！飾演Limice的女演員一秒鐘變換不同角色的鬼斧神工完全進入一種觀世音菩薩普渡眾生的模式！飾演Sam的男演員詮釋憨傻笨拙其實相當伶俐的直男小滴滴，恰如其分！飾演Randol的男演員渾然天成的姐妹氣息，即使有點癟腳，卻也癟得有聲有色。兩位女演員巾幗不讓鬚眉，帶領著兩位男演員勇闖各大篇幅，這裡也火花連連，那裡也煙花四射。

不過啊，各篇幅之間忙著設計搞笑的哏有一點太多了啦，整體敘事上還是要捨得刪與修，如此不僅演員本身的節奏緊，導演對於整齣戲的詮釋輪廓也才會更完整～

演出場地：Elsewhere 那裏

『因為喜愛Hello Kitty並且對Hello Kitty相當好奇，於是決定以「創作音樂劇」的方式來向40歲卻仍保有青春的Hello Kitty致敬，創作核心以「粉紅」與「蝴蝶結」為主，企圖以此征服世界。』以上是節目簡介裡所寫的，而它也相當飽滿地充斥在整部作品的每一環節裡，就創作力道上來說，實在誠意十足。

導演設計了一道「演藝圈裡女角們勾心鬥角有夠激烈」的程式套用在Hello Kitty的身份上，相當有趣，也別出心裁，讓這些可愛的卡通人物在情節與性格上啟動了人性化的共鳴，（而且程式裡，男角們一定都不會加入戰局）但整齣劇的下半場卻在詮釋的手法上走偏了焦，造成「人性化過了頭」的尷尬。

因為這齣劇的前半段都是建立在這些充滿卡通符號的基底上，所以舞台上的角色們幾乎都是使用著「浮誇的卡通人物經典式情緒」來呈現（例如趾高氣昂的白凱蒂就一定要趾高氣昂到底，一心想要奪回寶位的郝美樂就要一心奪回到底，蠢蠢小跟班就要蠢蠢小跟班到底，呆呆寶就要呆呆寶到底，主持人嗨key就一定要嗨up到底…etc.），以這齣劇的創作風格來論，當然完全合理也漂亮。

所以當劇情發展到最後，兩位女主角突然，突然，突然啟動了完全寫實的人生劇展表演法的時候，我心裡就大喊不妙了，「啊啊啊，不能真哭，不能真哭，絕對不能哭啊…」的時候，兩位女主角就淚崩了，淚崩的逼真與直指人心簡直來到了侯孝賢的片場，眼淚撲簌簌地還被安排在觀眾席的左右正前方實在是太太太刻意了，完全就是將演員逼到一個「觀眾請看我們可是來真的唷！」的影像鏡頭裡，兩位女主角的臉如同大螢幕貼在我的眼前，眼淚掉下來的那一刻，我幾乎都聽到了所有工作人員的歡呼，但，這個戲不能以人生劇展的方式來企圖創造觀眾的共鳴與感動啊，畢竟前面的勾心鬥角是這麼的卡通程式化呀…

服裝是整部作品的亮點，幾乎撐起了每一顆星星的得分內容，搭配恰如其分的粉色系，既延續Hello Kitty的人物風格，又合理地輔助了整齣劇中的虛擬情節。但也許是空間狹小的關係（吧），演員們的歌唱穩定度不高，情緒一百了，但演唱時明顯還在音準或是「好不好聽」上摧油門。以及以及，「夢境」那段安排了眾人將女主角「捧搬挪挺舉、移扛抱揹抬」好～～～長一段時間，實在是尷尬到白凱蒂都要醒過來了，尤其又將一切的一切安排在下舞臺發生，觀眾就在鼻頭前眼睜睜看著主持人扛不起來的軟腳，以及軟腳後肩頭上女主角露出的小白內褲花色，這這這，這不太得體啦…

演出場地：國立臺北教育大學南海藝廊

取一個「檢視欲望，透視人性」的帽子，一頂又一頂戴在不同的場次上，場上四位演員加上場外的一名導演，大家都豁出去了，齒一叩，咬緊牙企圖擺脫綁在身上已久的制式窠臼，不論是演員的表演習慣，或是導演的敘事態度，甚至是集體的生命樣貌。於是，整場解構後的拼貼劇本，從荒謬過渡寫實，從寫實滲透象徵，一場又一場的隨機順序穿插，令觀眾皺著眉也要咬緊牙看懂看透，「既然你們都豁出去了，那我們當然也不能辜負你」，結果你也辛苦，觀眾也辛苦。

四位演員角色變換的幅度相當巨大，上一場還是老態龍鍾，這一場就要風情萬種，但演員的掌控能力不夠穩定，有的時候走在線上金光閃閃，有的時候走在地上步履蹣跚，但因為科班出身的背景給了觀眾更多的期待，所以「角色扮演」的遊戲規則就不能只是「我下一場是要演的是…」，而是「我下一個上身的靈魂是…」。因為導演選擇的橋段風格大相徑庭，導致非寫實角色的張牙舞爪之後，寫實角色的基本分數就是一定要絲絲入扣才會得分，這個象徵不同時空背景的人性／慾望拉扯才會成立，但目前的整體狀況仍然停留在「好的好的，我會努力認真詮釋的！（握拳）」，而不是理想中的「呵呵呵，我早就已經完全變身另一個人了～（掩嘴）」。尤其大量出現的性愛場面，導演的設定明明是「寫實逼真、歷歷在目」的，但演員在提醒自己「一定要豁出去喔！」之餘卻又小心翼翼、東掩西蓋，啊啊啊，如此的尷尬，就像走在平面構圖的3D立體懸崖，假裝很害怕，但其實根本沒有危險哪～

有那麼一時半刻，我像是窩在T205的BOARD臺邊，踡著雙膝看著導演課的期末呈現，場上熱忱與誠懇遍佈，但火侯還可以更旺，各種元素（含括表演）的整合還可以更成熟。當然這個作品值得嘉許的是創作者的熱情與衝勁相當明顯，期許生命歷練的跌宕起伏之後，創作的厚度可以更具體清晰而有所脈絡可循。

演出場地：寶藏巖國際藝術村 山城劇場

劇本，劇本，劇本太完美了。我彷彿看完了一部劇情長片，電影的敘事手法結合劇場的幾何元素，拼疊揉和，成就了這齣從表演中娓娓訴盡的人生片羽，傾刻之瞬，卻延伸千言萬語。戲劇行為，說穿了，其實只是切下一段又一段的人生百態，重新包裝再上架，讓觀眾感動、讓舞臺共鳴。男同志因為家庭因素而必須選擇婚姻的辛酸故事時有所聞，但這齣劇的劇作家相當聰明地將這一段呈現在觀眾面前的「百態」選擇在「女主角什麼都知道卻佯裝什麼都不知道」的那一刻「拆穿」，力道強勁，令人倒吸大氣，難以招架。

導演相當果敢地運用劇場各種表演元素，讓三位演員在這座木製平臺的孤島上，共同營造出強大而凝聚的默契、節奏、氛圍，甚至身為演員最難達到的「氣」，導演都以看似自然，實則精準萬千的停頓與拋接，撒在這些一頁又一頁的A4台詞裡。太厲害了，非寫實的戲導的好不稀奇，寫實的戲導的好那就是真的高手了。三位表演者使盡全力地將自我的生命面貌貼合在劇本的底藴裡，酸到心裡的情緒轉折，讓觀眾心揪，讓觀眾不忍錯過任何一個傾刻，深怕一個不小心，就錯過哪一個關鍵的轉折、哪一句淒涼萬千的淺台詞。

有別於既定印象中「身為同志總是心酸」的劇情模式，對於每一個人在生命中總有自我堅持不肯放手的苦衷，編劇不僅給了兩位男主角嘵嘵辯駁的機會，最令人感動的關鍵，是讓同志假性婚姻中的女主角，有了申訴與自白的紅布條。她是這麼地深愛著那無法真正擁有的假象，流著淚也要說服，說服這美好的世界就在我的眼前，沒有假象，只有美好。愛是殘酷的，美好是殘酷的，一物換一物，我們用假象來換。換了之後千萬別哭，哭了，就穿幫了…

這齣劇，改編成電影腳本，十足的適合，看似平凡卻磅礡的後勁，絕對入圍，絕對得獎。

演出場地：寶藏巖國際藝術村 52號、54號

這齣劇的成功已經超乎我對台灣這座島，所有劇場演員們的期待。太成功了，太震撼了，太離奇了，太魔幻了。我生命中第一次看到，這麼驚魄人心的華人演出，這麼簡樸疏離卻又真實歷歷的表演。這齣劇講述著臺灣這座寶島上的各籍女子們，身處微型社會底下的默默照護，從臺灣籍、印尼籍、中國籍、柬埔寨籍、越南籍，五種不同的東南亞女性，交織出一篇七彩綺麗的光芒，暈照在劇場黑盒的觀眾席前方，一路蔓延向外，撒在ROC的出入境邊緣，那餬一口飯吃的藍天與白雲之下。

演員極度精湛的表現簡直令人瞠目結舌，臺上五位女子皆非線上的專職演員，但人人的輝煌展現與演員氣度，卻軒昂地一如頂尖的國際級表現，相當自信同時相當謙虛。這五位女子的表演呈現，誠懇描摹著外籍太太的一舉手一投足一顰笑一嗚咽，表演策略輕描淡寫地一如街坊鄰居裡便會見著的那般青蔥一把麵線一碗，沒有浮誇的程式，沒有過度的詮釋，但每一道凝聚的眼神、每一禎畫面的投射，卻在在都直指著觀眾的心臟，拳拳到肉，刀刀見血，力道之強實在難以招架。

導演同時身為演員，在故事的陳述上以表演者的立場來審之，對於這樣的議題劇場少了刻板印象裡一定要有的狠勁與批判，取而代之的是對於人物的關懷與愛，藉由生活化的台詞與模式，反而讓我們去思索角色們之于舞台，所要帶給觀眾的反撲。因應劇場，所有道具服裝燈光簡化，於是只剩五張板凳與五套黑衣帶領我們進入五種國籍的世界，神奇的是我居然就如實地穿梭在這五種不同的身份色塊裡，我完完全全看到了五種不同的國家女子，在我的面前食衣住行，一度，我完全忘記了，臺上是五位女演員。

而更令人震撼的是，場上除了椅子就是空臺，所以，所有動作都是「擬空假裝做」的，但，這對著空氣虛擬的動作，卻精準地讓我看見他們手中或眼中握著、捧著、拿著、捏著、喝著、吃著、望著的任何一件物品，這種劇場裡專業的表演技能甚至連學院派演員都做不到的表演方式，這五位女演員，程度之高、力道之精煉、動作之整齊，完全已經到了連專職演員都自嘆弗如的地步。尤其，他們扮演的還不是只有五種不同國籍的女子而已，還要扮演更多其他場次搭配的配角，每一個角色都絲絲入扣，鬼斧神工的境界讓觀眾完全相信。她們不是在表演而已，她們是變身，她們是用生命去與角色交換，換一個真實的靈魂，於是連形貌、態度、口條甚至精神，都一併換給了你，遞到觀眾的面前。

若真要建議，那麼在「導演」的部份可以再在整體上進行堆疊的設計，或許因導演是表演者出身，也或許是因為藝穗節的各項限制與考量，目前的呈現力道著重在表演的投射與策略上，但以「導演」的立場來看，我們還可以更大膽地運用其他元素來替這個故事加分，影像、舞台、燈光、音樂、音效，甚至是與觀眾席或是整座空間的互動與設計，都可以再讓這個作品更加分。當然，這個作品已經滿分到可以開始計劃至全臺各處的小型展演空間做巡演了，國際級的表演程度，甚至可以東南亞巡迴。

演出場地：穆勒藝文

以電玩格鬥的「春麗」作為立意與發想，不僅相當匠心獨具，也執行的相當果敢。以格鬥的基調來創作這個角色，表演者持著自己的生命經驗，謹慎慧黠又理直氣壯地將生命態度裡總是「Fighting」的面向，合理地以角色的戰鬥狀況磅礡存在。並且在字裡行間的場與場之間，抽絲剝繭地告訴觀眾，為什麼主角總是捍衛，為什麼對於生命，總是硬頸子面對。透過對父親的不解、不諒解，與諒解，這一條相當清楚的拋物線漂亮地劃了一個圈，從演員凝聚力與投射力都相當精準的地平線拉起，一路拋向表演以外的世界，然後再掉下來以爆發力十足的內心情感與表演技巧來作結。

只是，姑且不論表演者的個人質地，「春麗」的角色詮釋上選擇了「超MAN」的方式來執行，讓演員在個個篇幅之間的遊走，顯得相當綁手綁腳。除了一開始介紹角色形態的超悍姿態之外，其他場次述及內心的情感層面，都會因為這個「超MAN」詮釋而讓觀眾顯得格外疏離，然後突然之間金剛女戰士就哭了，然後觀眾的共鳴就會慢一拍，幾乎是眼淚掉下來了我們才領略「喔～她剛剛說的那件事，原來讓她很難過啊～」，然後趕快鞭策自己跟上表演者的內心節奏。尤其演爸爸時，更是令人匪夷所思，因為並不像，表演姿態上沒有特別雕琢，既要裝MAN又不MAN，當時我想「啊，可能就是要不像啦，就是要用女兒的方式來說爸爸的話啦～」，但偏偏上一場演阿姨時又像到爆炸啊，那那那，那到底是什麼用意呢？

對於表演者來說，在舞台上選擇的表演態度基本上都會存有一種下意識的自我保護，保護自己的內心情感在揭露之餘還可以有點台階，不致於太赤裸。於是這齣戲的「超MAN」表演策略，在某些場次除了綁手綁腳之外，同時也會讓文本在架構上，因為結合演員的表演而顯得有點牽強了。

演出場地：安和65

相當令人懾服的一場戲劇演出。改編於文學經典《蘿莉塔》的大開大闔，氣度之廣，炫技之盛。長篇小說要濃縮在60分鐘裡的起承轉合本屬不易，但編導卻善用了這個「不易」將各個環節以天馬行空的弧度，大肆噴灑，沒在客氣。

所有演員試圖以白衣裝扮為「角色」帶來更多意念上裝扮的可能性，因為角色多變而人員有限，則配件的意義或是穿脫之際的瞬間，便是帶領觀眾相信「角色靈魂已換」的憑據。劇場手法勇敢而純熟，並且表演精煉。

整齣劇大量地使用「演員們隨機搭念同一句台詞」的方式來進行不同人物在不同時空的立場置換，手法上執行困難，卻也一一達陣。它必定讓演員在排練過程期間耗費相當大的氣力與時間在台詞與角色之間找到內化的技巧來完成精準疊句的本事，相當高竿。

但也因為太過恣意地天馬行空，許多場面的詮釋與設計會令人摸不著頭緒，例如頻頻出現的「拗口的台詞搭配無絕對相關的舞蹈、歌唱與奔跑跳躍」，尤其台詞如此迅捷地從演員口中呼嘯而過（大量的場次講得有夠快！是在趕60分鐘演完嗎？），我總是在「蛤蛤蛤？他（她）剛剛說什麼啦？」的同時，揣測那個突然的蹦跳走位或是一時的肢體舞蹈，到底是挾帶著什麼樣的訊息。

主體畫面上的大白幕掛上了一隻大蝴蝶（吧），除了演員在透視度不佳的幕後演戲之外（效果實在有限哪…），建議可以增添影像的元素，對於搶時間要在一個小時內說完的巨型小說篇幅，敘事上會有相當程度的輔助。

最後，因為華山果酒的偌大空間，導致演員精彩的口條既吸音又含糊，真的是聽不清楚啊。以及觀眾席的設計是平面的，導致某些位於下舞臺地板動作的場次，坐在後面的觀眾真的是看不到啊，我甚至是那個地板動作的場次結束了，演員站起來了，我才猛然驚覺「啊咧，原來剛剛下舞台區有表演啊…」是不是很可惜是不是…

演出場地：華山1914文創園區 果酒禮堂

清新風格的樂團演唱，最適合在週末下班後聆聽，咖啡也好小酒也罷，都讓人放鬆，皆使人陶醉。本齣製作以「YOGA」為題，副標了「家」的意念，搭配在「音樂」類別的歸屬與期待，讓觀眾在進場前便對這場音樂會的題旨，有了濃濃的想像。主唱在演唱開始之前，輕鬆地介紹了他們的樂團風格，兩把吉他與主唱，清新、抒情，民謠式的音符在上班族的身份卸下之後，紀錄生活。並且說，這一次演出的曲目，是因應這一次音樂祭的主題，而創作。音樂很好聽，創作的用心與品質都相當誠懇，也成功。演唱時搭配簡單動畫的推進，讓我們對歌詞的意境有所具象的投射，聽眾的耳朵幾乎是跟著一起演唱的。

我想，有點違和感，就在這裡。

這一次的主題是對政府社會的不公抗爭，對於家鄉的迫害有所感發，其中有白色恐怖、家園拆建，也有樂生的強制拆除、強制驅離，這些這麼重這麼重的議題，卻搭配著「清新、抒情、民謠」的創作風格，實在是相當兩致，我必須要看著歌詞，才知道原來這首歌是在講這個那個，但，觀眾是來「聽音樂」的呀，這樣「看音樂」的過程實在奇特，也奇怪。並且循著這條演唱風格的繩索，我實在沒有辦法體會到這些社會事件所要帶給我的震撼與省思。然後演唱後半段我身旁的男性聽眾們都紛紛睡著了，以「樂團」的音樂演唱來說，這實在是相當特殊的一個現象。

以及，主題以「YOGA」為名，表演中卻沒有瑜伽相關的線索，唯一有的關聯就是節目單上寫的「我們將其假設為一種瑜珈的方式，放鬆，延展，合一，然後產生連結，那個關於家和土地的關懷意識。」這這這，這真是太牽強了。因為若是以此邏輯來說的話，那那那，那這場音樂會其實也可以從「太極」或是「詠春」或是「自由式」或是「競技體操」來發想，因為畢竟這些運動也都有「放鬆，延展，合一」的功效那樣……

演出場地：安和65

街頭藝人的雜耍模式，進化到室內空間的表演場域，期間所要考量的內容與設計，就會相對複雜而需要精心考量。而以此種「喜劇類型」的演出模式，尤其又更著重在「觀眾互動」的有機調整，與「戲劇節奏」的即興拿捏。與「Talk Show」同樣都屬於高難度技巧的表演藝術。尤其，此種型態的表演，一定要有笑聲，觀眾一旦沒有反應，那表演者就GG了。

手塚先生透過「精煉」的默劇節奏與內容設計，穩紮穩打地將他的絕活一一展現在觀眾面前，每一拍都到點，每一步都熟練，所有的橋段都將觀眾的預期與反應一併設計，幾乎是每出招必得分，男女老少通通滿單。尤其是表演者對身體掌控的能力已經到了鬼斧神工的地步，幾乎可以藉由肢體的表現設計來虛擬創作出另一個異度空間，然後觀眾跟著他的引領，看見那隱形的牆、觸摸到那延伸的線。

獨角戲的難度幾乎走在表演藝術界的TOP了，尤其是演出內容「必定要與觀眾發生關係」的劇碼，更是一絕。我觀賞的這個場次，手塚先生機智地對應「不太配合的小孩」或是「難為情的阿嬤」以及「沒在節奏上的音樂CUE點」，都巧妙地讓這一切成為「設計好的自信」裡。太厲害了，離場時我頻頻在想，如果觀眾就是不上台，該怎麼辦呢？如果上了台就是不配合或是沒有能力配合，又該怎麼辦呢？太厲害了，這場演出。

演出場地：卡米地喜劇俱樂部

太優秀！太優秀！太優秀了！嘖嘖嘖嘖嘖……（稱奇）

藝穗節一直以來都有開放「旅館小房間」當作演出場地的良例，運用現實空間裡現有的房間設施來創作，極富挑戰，也相對過癮。而當我坐在旅館狹窄的小陽台觀眾席觀看著這齣「發生在旅館裡的三人獨幕劇」時，心中著實為編劇與導演的巧思拍案叫絕，如此善用藝穗節的特殊場地，堪稱一絕。

故事發生在位居邊陲的一間旅館房間裡，整齣劇只有三位演員，對社會充滿憤懣的劇作家、名氣直上的專欄作家，以及一位窮途潦倒的喜劇演員。三位演員都是北藝大戲劇系的應屆畢業生，以該資歷與年紀而言，表演程度實在是精湛到不可思議，情緒拋接、節奏拿捏、台詞內化、投射力道，通通都滿分再往上。甚至連肢體動作的配搭都是默契十足的拍拍到點彷彿舞蹈劇場一幕幕。導演的場面調度更是精彩到根本不用等戲演完就讓人想要唰的一聲站起來猛烈鼓掌，劇本的改編巧妙地融入地利、人為等現實環境素材，並且紮紮實實地善用畫面來「說故事」的功力簡直出神入化，就算只是看他們的劇照我想觀眾都可以一目瞭然這齣劇的起承轉合然後跟著劇情一起悲歡離合。

這齣改編自嘉布里埃迪莫瑞的法國劇作，徹底成功地移植到了臺北士林的小旅館，從城市的絕望處升起，蔓延至人性中的短兵相接，最後以幽默自嘲的TRICK以角色的方式擺了觀眾一道，生活絕望如此，生命喜劇如此。這齣劇的改編相當完美，對於異質文化過渡到台灣本體的價值觀融合，幾乎完美無瑕地在所有設計環節都完整而燦爛！太優秀了，拿來作為導演畢製實在適合，拿來做為表演畢製更是無懈可擊。

演出場地：佳佳珮柏好房

有鑒於現代人對於FACEBOOK、LINE等社群網站的過度依賴，創作者意識到人與人之間的情感網絡式微，科技愈發達，卻愈發迫使人們在虛擬的隱形虛線更顯空虛。劇情發想於一則真實案例的社會事件，一名網路重度依賴症的女子在臉書上即時發佈自己燒炭自殺的全程經過。自殺不是重點，重點在整個過程竟然沒有任何朋友報警相救。

以此作為戲劇創作的核心議題，應當是相當耐人尋味且極具社會價值的作品，但整體演出過程當中，卻只將重點擺放在「主述者」對「網路使用者」的主觀性批評，稍嫌偏頗。藉由女子支支吾吾的態度，戲才一開始就丟給觀眾「看吧，你們這些愛使用臉書PO文的人有多麼可笑可悲！LINE這麼愛用卻連對方的生日都記不住的人根本都是假朋友！」如此鐵一般的結論，徹頭徹尾遍灑在整部作品的任何橋段與敘事立場。

可是啊可是，臉書與LINE同時也為我們帶來了好多好多好多好多便利與快捷呀，不論是訊息的分享，或是友情的聯繫，它的正面定位絕對也與它的負面影響同時存在。創作者若能將論述的視角再拉高一些，那麼這個主題的戲劇作品必定會更加完整而有意義。

以及啊以及，既然歸類在「戲劇」作品，那麼「戲劇」的劇情結構與文本詮釋，便相對百分之百地擺在第一線這麼重要。目前整齣戲只有兩個部份，1.身旁友人們陸續來對女主角好愛滑手機的狀況表示出「喂，妳不要這樣啦…嗚…妳這樣我好遺憾…」的無奈，以及2.到底為什麼「天外飛仙弟弟」（大概是說書人的角色）要以極度妖媚豔麗的妝容與類似世間情的警告語氣，咄咄逼人地使用言語頻頻呼女主角巴掌呢？…
結構上，1.的部份實在是太單薄了…
詮釋上，2.的部分實在是太令人匪夷所思了…

演出場地：佳佳．士林珮柏

就「說故事」而言，這是一個反向操作的成功案例。

不論何種形式的藝術作品，都是為了「說故事」讓觀眾感動有所共鳴，可能用看的可能用聽的，舞蹈、音樂、戲劇、美術，都一定要有「受方」的存在，完成了「觀者」的對象，藝術作品方能成立。通常，我們是為了表述心中所要傳達的意念，而形成故事，而為了說這個故事，所以有了各種創作的方式，與元素，然後歡迎觀者進入我們的擁抱。

但《兩人三角》則是反過來運作。創作者相當明確地表明，我手上有「舞蹈」這個顏料，我好想知道如果加入「影像」和「音樂」另外兩種色塊，會形成什麼模樣呢？嗯，好，為了達到這樣的實驗成果，我們決定要以這三種（或未來的四五六七八種）元素來進行碰撞，看看會爆發出什麼樣精彩的火花！好的，所以既然要碰撞，那那那，那我們來說個故事吧！顏料盤上的這三種（或未來的四五六七八種）殊異的創作媒材，該怎麼活用它呢？那我們可以說什麼樣的故事呢？

跟一般我們為了說故事而尋求手法的既定模式，剛好反過來。

所以當觀眾在審視這個作品時，便會相當輕易地就被這些元素所營建出來的氛圍給疏離開來，看看創作者在這條拼貼與揉合的企圖上，結合了多少程度的舞蹈、音樂、戲劇、美術、影像，是為了創造出一個什麼樣的故事主題。《兩人三角》整部作品幾乎以完美的燈光鋪陳了這一路的線索，因為光影的運用，男女主角坐在鋼琴上的身影寂寥地映射在投影牆上，襯著因為音符而感應的雨滴、雪球，每一次的琴鍵就是一種呼喚，呼喚聲聲催，打在擲地者的身上。兩人開始分別舞動肢體後，傳達出的劇烈情感，不僅在現實面向上直撞坐在表演者鼻頭前的觀眾，透過數位影像的互動配合，每一次舞者的身軀，就是一下聲音的反擊。由我們丟出去的聲音，不論是求救或是愛，都會形成具體的回應，反擊在我們的身體上，反撲於我們的心頭上。

每一種創作元素都是為了激起觀眾的想像與反思，這是藝術創作最為直接的期待，該團體秉持著這條線索，拋出未知，企圖釣回一些元素撞擊後的價值與意義，企圖相當強大，執行的氣度也相當果敢。甚至在看完他們的表演之後，我出現了一種濃烈的「兩人十角」的過癮。

演出場地：雷克雅維克實驗室

35分鐘的短短時間，一坪大小的演出空間，兩人舞者搭配一座投影，鳥鳥雖然超小卻著實六臟俱全！故事主旨、舞蹈設計、動畫內容、肢體搭配、空間運用、誠意態度，通通打勾。

近年來「搭配多媒體影像的真人互動表演」愈見繁盛，幾乎所有型態的表演作品都好喜歡這個點子，因為空間運用可以創作虛擬3D的立體效果，表演設計更能夠天馬行空的上山下海。於是，在美好的點子人人都愛用的情況下，仍然能夠「捉緊戲劇節奏不失焦、精準走在故事線上不含糊」的創作，便相當高竿了！

「人類企圖控制世界，以科技當作利器，在虛擬中創造生命，但卻在改造時空的過程中，受盡虛擬控制。真實不再，卻愈見真實。」作品中結合了街舞、動畫、舞台空間調度，完成了這場「好玩」（節目單上寫的）的跨領域作品。

完成度相當高，不僅在編導上讓作品有了深度，在執行的精準程度上更是為之驚豔。演出場地相當狹小，克服了所有地利限制，卻發展出獨樹一格的創意延展，實在是太棒了！如果肢體與戲劇層面上的「表演性」再更細修與雕琢，那麼這個作品便完美到可以申請兩廳院新人新視野了。

總之，我還想自己買票再看一次！

演出場地：水電咖啡

不如這樣吧，我們以「家」為題材，大家各自說說，這個議題帶給你（妳）的感想與衝擊。不一定要家人喔，只要是跟這個主題相關的支線，都可以拉出來，然後我們再來延伸。反正每個人對「家」的定義都不同啊，那我們就來碰撞看看，讓延伸出來的線條自己跑，跑著跑著它就會織成一道網，那我們再來看看這道網會長什麼樣子，然後我們再來設計它！不然我們再試試看以「回憶中的Very Moment」做為起點，想想看「家」在你（妳）的生命重量裡，是否有最令人沈重而無法面對之最？

有的有的，我有我有！（舉手）

於是導演在這一篇感人與那一篇悲痛之際，設計了音樂、舞蹈、肢體情境等畫面調度的拼貼，讓每一場氛圍都成功營建，讓觀眾們在接到演員投射之前，就先相信了這一景的中心主旨。

導演與設計都很用心，擅用了節奏與空間的有機，點線面企圖全面顧及；演員們都很真心，一字一句都推送著生命的力氣，這一顆只有演員自己才懂的眼淚與那一身不代表同性戀的娘娘圈詮釋，都讓觀眾看見表演者幾乎要拉著觀眾一起上台拜託你們看見我的真心了。很感人的義無反顧，於是便建議文本與文本之間的連結要再更清明，繞著「家」的主題走，那麼「主題」的素求則要先建立，於是「演員自說自話」的小心翼翼，就可以輕而易舉地被解決了。

演出場地：穆勒藝文

以戲劇作品來說，這齣劇的故事架構完整、嚴謹、面面俱到儼然已經到了日本偶像劇的程式。
以藝穗節的製作規模來說，每一首歌都以劇情為創作發想而全新製作的成果簡直到了鬼斧神工的境界。
（如果音樂裡的歌聲都是由演員親自錄製，那我腿軟，太強太威簡直中國好聲音。）

而服裝整體造型暨平面攝影，將每一位演員都推上了媲美GQ名模與氣場的不可思議。
尤其演出場地如此侷促狹窄，舞蹈風格與激烈程度卻仍然沒在客氣的大肆向觀眾噴灑一如地牛翻身，實在牛逼地令人目瞪口呆。

集合這麼多優秀的元素，這齣劇的成果理應大鳴大放。

但因為畢竟是音樂劇的模式，我們就會好期待演員如果可以現場演唱，那會是多麼銷魂的一種視聽享受。
也因為它正是音樂劇的模式，所以我們會要求戲劇與歌唱之間的動機要更合理而流暢，雖然演員們在歌曲詮釋時簡直都投胎在裡面了，但表演時為了展現歌曲的情境，現在比較像是音樂錄影帶的爭霸戰，每一首歌都爭奇鬥豔地想要贏第一名，而在「劇情的推展和交代」上，少了更站得住腳的推進。

不過瑕不掩瑜，演員們精湛的表現令人相當動容，幾乎每一位演員都有走在表演時尚界尖端的本領，但「表演的策略與節奏」要再調整，要不然黛比從頭到尾都忙著在生氣也是很累的一種。

演出場地：Commander D.

太精彩了！太精彩了！太精彩啦！（三聲以示景仰）

同樣身為一名表演藝術工作者，要能夠真正站上舞台進行一場單人表演的全程演出，其掌握難度與箇中滋味實非一般常人所能理解。「Comedy Solo」考驗的是表演者對戲劇節奏的精準控制與掌握，以及針對現場觀眾的「氣場與交流」隨時有機地變化表演的方式與詮釋。通常，我們以「語言」為傳遞訊息的媒介，設計了所有起承轉合與停頓，讓人歡笑讓人落淚。（如果只依靠「身體語彙」容易變肢體舞蹈作品，如果只依靠「把戲雜耍」則容易變小丑默劇作品）

而清水先生卻直接以「語言」來挑戰，以他不熟悉的英語與中文，來設計「日本人」對於其他文化的不同視野與觀感。清水先生編創的內容，以「Comedy Club」獨特的表演形式與場域空間而論，浮誇的詼諧又不失去內容主體的表現架構，勾勒出文化觀點的相異之處又不淪於社會議題的鏗鏘探討，整個過程實在是非常非常優秀。尤其他以「自嘲」的方式回應自身民族的文化，亦貶亦褒的高度成熟技巧，在極度自HIGH能量的表演方式中，令人拍案叫絕。

順帶一提，大量噴汗的淋雨表演法，簡直是在看帳篷劇呀我的天，想必第一排的觀眾全程膽戰心驚拜託你的汗不要噴到我。

演出場地：卡米地喜劇俱樂部

表演藝術作品承載了各種有機的媒合元素，在吉姆的藝術創作裡，顯而易見的各種符號一一揭露在觀眾的眼前，稍加留心就會警覺到每一種符號都傳遞著一種關鍵的訊息，於是彷彿經歷一場幼時點與點的連連看遊戲，觀者拖曳出的線條都不一樣，有人剛直有人彎曲，但當最終將這些充斥著訊息的黑點都連完了之後，自然會嗅到吉姆所有展露給觀者的創作初衷。

從音樂下手，從影像著手，從物件拼貼，在現實生活當中遊走。吉姆的作品讓觀者反視流金歲月裡最回歸於本心的哲理。不論是從奢靡的資本泥沼中透出頭呼口氣，或是伸長了脖子看出芸芸眾生之上的廣袤宇宙觀，吉姆的創作都讓人在瞇著眼審視屏幕的同時，反思睜著眼的自我生活是否真正清明。

衝擊很大的一次觀賞之旅，戴上3D眼鏡的同時，其實是幫觀眾套上一點保護罩，免得反思太赤裸，讓我們繞過了一次作品的迷宮路線之後，走不回現實生活中。

不過，我想此節目的屬性與意義，類別放在「其他」會比「音樂」來得更適切。

演出場地：華山1914文創園區 果酒禮堂

「Solo Performance」是一種相當特殊的表演形態，舞台上只會有一名表演者，演員需從自己的生命經驗出發，不論是既定的文本或是新編的橋段，在在都考驗著「身為一名表演者」對「以自己的身體作為媒介」轉化為「讓觀眾得以接收並且有所共鳴的表演元素」的高難度技巧，或說是，高難度誠懇。

是的是的，作為一名專業的表演藝術工作者，其實技巧都不是重點，能夠赤裸地站在舞台上，將「誠意指數」摧到最滿，那才是最TOP的表演境界。

楊元慶打著世界溜溜球冠軍的金氏世界紀錄保持人的名號，卻選擇盡褪此項光環，試圖以除了溜溜球技法之外，他本身「應該要會（或企圖要會）但沒有很會」的表演元素來說故事。於是表演者在節目一開始便開宗明義地表明「今天我要表演＊＆％＊＆，但這些我都不是很會，所以接下來是崩潰的60分鐘」，如此，這齣戲，看的便是光環後的誠意，與面對生命愧疚的勇氣。

誠意滿分了，三顆星亮晶晶。而剩下的那些「非表演者專長」的表演項目，即使未得分，也就一點都不重要了。沒亮的兩顆星，管它的咧，就隨緣讓它去吧。；）

演出場地：華山1914文創園區 果酒禮堂

整場演出以「廣播節目主持人分享觀眾來信點播」的方式作為表演架構，劇本的發想相當聰明，但人物與人物之間的聯結可以更有效的運用。「唱完就下台換另一個人登場」的設計不夠漂亮，建議可以直接由所有演員一起扮演該首歌曲戲劇情境裡的其他所有角色，這首歌唱完了就換配件或服飾再演下一首歌裡的其他角色，全程不下場，如此短短40分鐘的內容就會相當豐富，既考驗演員的表演功力，也增加敘事性的流暢。

雖然節目類別是歸屬於「音樂」，但因為是「音樂劇」演唱，那麼觀眾自然會期待歌曲演唱時，戲劇成份的詮釋方式是如何設計。以「音樂劇」的歌曲演唱方式來說，演員們的表現相當精彩，情緒浸化到音符與歌詞裡的誠意相當強大。但以「戲劇」與「音樂」的立場分別審之，則演員口條需要更加清晰，音準與演唱技巧需要克服觀眾「直盯著看」的尷尬而更加掌握演唱時的精準性。

如果有加入導演與編劇的專職編制，相信會是場更加賞心悅目的演出。

演出場地：雷克雅維克實驗室