《芭》是一齣誠懇而用心的製作，甚至可以說是超出藝穗規模、預算的「大製作」，從演員數量、卡司等級、場地挑選、現場樂隊到編劇導演的編排，都是超級豐盛的一餐。

全戲的劇情以偶像劇團內的勾心鬥角為經，排練演出的戲中戲《哈姆雷》為緯，並透過兩位偵探的指引，帶領劇情的推進。而最為精采之處，還是把《哈姆雷》中惡意的毒酒、雷阿提斯和哈姆雷之間惺惺相惜卻始終為敵的人物關係、國王自導自演的一齣戲，明確的與芭芭瑪劇團內的人物關係有了對照，結構清楚而更有深度。

此外，全劇在音樂和故事的安排上也運用的極好，既不會在結構上定型、也不會突兀，無論是作為劇情推進或角色心境抒發，時而歌舞時而敘事，兩者的結合同樣精彩。

而劇團所選擇的特殊場地──無冷氣、拱門必然產生的部分視線阻礙和漂亮的大樓梯，竟然都成為這齣戲的加分，更是始料未及。悶熱的天氣竟然沒讓觀眾坐立難安，反而透過一波又一波的情節刺激狠狠抓住觀眾，身著厚重戲服的演員汗如雨下、更令人感受到無限誠意；而拱門所呈現出來的場地特性，隨著每個場景的變化，無論是演出的舞台布景、大老闆的辦公室，皆可隨插即用；而大樓梯更是精華，各個角色於樓梯上走下時展現的漂亮姿態、及其所暗喻的人物關係、成為自然上下舞台的出口等等，皆把這個場地運用的極佳，化限制為長處，令人對此劇團更加期待。

演出場地：黑美人大酒家

《塞車》是一個非常精緻，但卻一點都不討巧的小品，透過高速公路上的塞車、車上坐著的兩位即將新婚男女的對話，揭開他們生命中付出極大努力去視而不見的謊言，而結局，自然是刀刀見骨的慘不忍睹。

貫串全場的「will you still love me tomorrow」，既是最重要的主題曲，更是全劇中的創作核心與探問。聽到這首歌，很難不想起陳駿霖導演的電影《明天記得愛上我》。而很巧的是，《明天記得愛上我》和《塞車》，講的都是社會身分的侷限、講的都是對自己誠實，不過，《塞車》更加殘酷的直面謊言的不堪。

劇中透過兩男一女所創作出的三種關係：即將新婚的男女朋友、沒有分手的同志情侶、充滿醋意的情敵關係，在看似日常生命、平凡無奇的塞車背景，透過非常細膩地平實語言、巧妙而帶點荒謬的後車箱設計，創造出劍拔弩張的情節張力。

然而最令人珍惜的，是整個作品對劇場的想像力，他們捨棄所有一切的寫實動作──坐在駕駛座上的王怡娟從不做出開車的動作、要上下車時兩位演員也不做出開關車門，甚至當女主角要逃離這一切時，也可以忽略所有的現實設定，就直接走出了車子。在劇中，所有的「表演」都只為了情緒，他們擁抱、握手、哭得像個孩子，無論愛是否可得，無論愛是否傷人，他們竭盡所能地展現愛、傳達愛，他們如此相信劇場、說著故事，安慰著所有的人。

演出場地：寶藏巖國際藝術村 52號、54號

《凱》劇在整個設計和風格上有非常強的幕後團隊，一進入南海藝廊就可以感受到藝穗少見的細緻，尤其演員的服化妝和對整體劇場氛圍的營造，都讓整齣戲在序幕時給了觀眾無限期待的空間。

故事從偶像團體內明星彼此的扞格開始說起，主要角色的明爭暗鬥、次要角色的牆頭草，簡單明快的交代人物關係，加上令人輕快且朗朗上口的〈歡迎來到站立歐樂園〉，《凱》劇有一個漂亮的開場。

可惜的是，接下來導演調度開始有些混亂，尤其是同一位演員必須身兼多角時，場上的時空幾乎都沒有多做交代，加上演員的表演也沒有明確的差異，在場與場之間切割得很不明確。此外，角色轉折在編劇處理上也不夠細膩，凱蒂的變化、美樂的心理衝突、大寶姿態的轉折，幾乎都沒有更多的交代，最後走向大和解結局也顯得理所當然，但真的是如此「理所當然」嗎？

全劇其實充滿許多可大加發揮的點子，如平面的道具、透過「凱蒂」出發的，無論是偶像崇拜或是被經營的偶像等反思、甚至對娛樂圈的殘酷、競爭、設計全知而後設的「魔術師」等等。劇本選擇對人生仍抱有許多信任，但也許如此輕易的和解、改變，其實也都更諷刺地訴說了那些美好的結局，不過都只是夢一場的幻想。

演出場地：國立臺北教育大學南海藝廊

詹傑的劇本設定中，劇作家的爸爸與「男人」一角，由同一位演員飾演；劇作家的媽媽與「女人」一角，則由另一位演員同時飾演。在這種情況之下，觀眾要如何區分演員正在扮演哪一位角色，便是對導演及整齣戲呈現的一大挑戰。

但很可惜的是，由於燈光和投影的效果都很不順暢（觀賞過程感覺到場地燈光有其侷限，並非每一盞燈都可以漸暗漸亮，所以常常會有突兀的燈光乍亮或乍暗），導致在節奏的切換，尤其是扮演的切換上，顯得非常怪異。

劇本中刻意由同一人飾演的設定也是其來有自，劇作家與作品的關係、投射出母親與子女的關係，更可延伸討論創作者從自身出發書寫的故事，是被自身的故事困住，又或者是困住了自己所創造出來的角色；以及，若劇作家進入作品中和角色爭辯，他究竟還有沒有能力干涉角色的生命（一如母親生下孩子之後，孩子的未來能夠由母親一手掌控嗎？）中間有好幾層可以討論的空間，可惜在本次的演出中，並沒能展現這幾層的趣味，變得很單薄，甚至突兀，很可惜。

演出場地：Changee噪咖

《春麗》在敘事策略上賭了一把。

前半段，各式各樣令人摸不著頭緒的元素逐一登場，角色介紹角色、敘事者的視角數度更換、前後場不見得有關連、再夾雜了些無厘頭的行為。看起來「有點卡」，但這些看似值得更精密剪裁、更細緻處理的演出，卻全是積累，賭的是觀眾耐得住性子、賭的也是觀眾記著那些不明白的事，直到最後。

這是賭注，也是選擇。而我喜歡《春麗》的這種選擇。相對於我所見過的其他北藝大表演組的「獨奏會」（SOLO），張閔淳的《春麗》顯得稍微隔著些距離，不急著掏心掏肺的告訴觀眾「我是怎麼變成這樣的」、不急著和家人說「謝謝你們體諒我來念表演」，反而是讓觀眾見著那些自己和自己打架的過程，那種生命中所面對的，各式各樣的抗拒與不安，即使遍體鱗傷都要逞強的，那種決絕。

有了決絕，才能和解，才如此彌足珍貴。劇末的一拍強大、有力而節制，迴盪於劇場中，生生不息。

演出場地：安和65

《傷心遊艇》為此次藝穗節中，場地規劃相當有趣的代表之一，觀眾於演出前拿著票券準備登船、並且參與點歌、填寫傷心故事小卡片等作為登船之「儀式」。由此可見，該場演出具有一定的即興成分，無論是應對觀眾得即席問題、對觀眾點的歌曲設計笑點或「梗」，都在在考驗著表演團隊的功力。

然而可惜的是，《傷》作為一場「演出」，其完成度上是有待商榷的，如演員在既有歌單（如送給觀眾之〈流浪到淡水〉等歌，絕對不是即席演出）的準備不足，無論是音準與表演功力都仍屬粗糙，串場的台詞、抽籤等行為亦流於形式，儘管有一些演員的舞蹈肢體頗為出色，但團體內水平落差極大；而最為可惜之處在於，這場演出缺乏「非得在船上演」的說服力，除了一次讓觀眾們面對大海共同喊出口號的「儀式」之外，多數的時候，在遊艇上演出、或者在劇場裡演出，並沒有太大的差異。

演出場地：大稻埕遊艇

即興劇並不容易，除了對演員的現場即席反應功力的要求之外，更重要的是演員本身具備了多少表演基本功。而顯然「即興湯姆」並不是人人都有足夠的能力。

場上演員能力落差大是觀賞過程中比較困擾的問題，尤其是對戲時其中一位演員出現尷尬的空拍、接不到隊友丟出的球，或者根本沒有能力去接，而只能乾在台上等待時間過去。再者，今晚演出的笑點多半取決於「失誤」、「錯置」，這種因為「錯誤」而產生的笑點，偶一為之尚可，但丟不出別種笑法，在演出的後半就會自然疲乏。

此外，整場演出無論是在場地空間的安排上、演員與觀眾的對答上、即興題目的安排上，仍屬於相對安全，傳統式的觀演方式、演員可以選擇觀眾的提議、即興題目的情境假設僵化等等，沒能更大膽、更出格的玩出趣味，甚是可惜。

演出場地：小路上藝文空間

「嚎哮排練」是由黃建豪與蕭東意所領軍的劇團，過往的演出多以即興丟接、快人快語的好默契及玩笑式的互損逗得觀眾哈哈大笑，但往往隱憂也是「笑完就沒了」。這次，找來導演樊宗錡──上次看他的戲是南海劇場的《掰啦女孩》，那時對整個團隊的印象都很深，但隔了很久都沒再看到這個導演的作品，直到今年藝穗節──加入他團演員張家禎、張綿綿的刺激、再選擇國外得獎劇本，稍加改編之後，不僅沒有喪失「嚎哮」雙人組本身在語言節奏與魅力上的強項，更在過往稍弱的劇本及腳色刻畫上更進一步。

《全家都去你家》改編自法國作家Yasmina Reza的God of Carnage，台灣觀眾熟悉的有由綠光劇團搬演的《文明的野蠻人》（吳定謙導演，2010年）和電影版《今晚誰當家》（Polanski導演，2011年）。這個劇本最困難之處在於，它幾乎是劇場的「密室」，四位演員幾乎全場都必須待在舞台上，此外，全場演出「一景到底」，沒有任何場景的移動。

而此次的演出主要的差異在於將其中一對由一男一女所組成的夫妻，改為兩男的「多元成家版」。雖然多數的時候《全》劇還是盡可能地忠於原著，但透過性別上的調整，卻也讓演出呈現更多層的意義。如在劇本中兩對夫妻從壁壘分明的狀態，逐漸變成兩男vs兩女的態勢，其著重反應的是社會對於性別的規訓，卻因為其中「同志婚姻」而有了不一樣的反思──父權社會的強勢，壓迫的不僅只是相對弱勢的女性，更有較為陰柔、不那麼符合社會想像的男性。

整場演出在導演近乎指揮家的調度之下，觀眾彷彿參與了一場聽覺饗宴，盡情享受語言丟接間的聲音魅力，而劇本拋出來的幾層問題：誰文明／誰野蠻、誰大人／誰小孩、誰理性／誰暴力，乃至於各種對於二分法的畏懼，也在導演的詮釋、演員的優秀演出（尤其是蕭東意，一反過去固定的腳色形象，將東尼這個腳色演得非常細膩）之下，展現了藝穗節極為少見的作品完整度，相當不易。

演出場地：小藝埕思劇場

這場演出換過場地，我沒有細究原因。當然知道表演藝術本來就突發狀況多，但若都去體諒大概也沒辦法好就演出論演出了，畢竟，功利一點的說法是，多數的觀眾並沒有因為任何的突發狀況得到折扣，那麼，也許演出就應該要盡可能地克服困難，無論發生什麼事，都得努力讓演出完整。

而今天讓演出不完整的，正是場地，首先，觀眾席高低差不足，加上舞台沒有任何高起，連坐在第六排（比起第二高的票價888元還前面一排）的我都幾乎只看得見表演者的頭，那我身後還有十來排的觀眾怎麼辦？而更不巧的是，觀眾席安排如此不當，但第二個段落的演出卻又幾乎都是在地板上完成，繩師和繩模皆有大量的時間跪在地板上，再加上燈光昏暗不聚焦、音樂播放效果不佳，甚至出現演出已結束但音樂仍持續的狀況，整體的觀賞狀態是非常受限的。

儘管如此，這兩顆心還是要給辛苦的表演者，尤其是第三組來自日本的表演者，他們的能量穿透場地的諸多限制，著實使觀眾成為桑塔格口中「旁觀他人之痛苦」的冷血者，再加上觀賞演出之後觀眾自然的鼓掌動作──在獵奇心態的觀賞之餘，我們不只「旁觀」、還「贊同」他人之痛苦？如此往外站一步，可以更了解表演者的諸多動作的意義，只不過，更多的時候動作就只是動作，技巧高超，但無關於情感鏈結，也許這只是場地不佳的負面影響，但也許，也可能是這次的演出的確不若過往好了。

演出場地：松山文創園區 製菸工廠2樓

清水宏，日本表演者，用英文表演給台灣觀眾看。從語言選擇開始，即可看到該表演者的企圖心。（每一場次的表演語言皆不同，除本場次為全英文外，尚有全日文、和中英夾雜的演出）

而整場演出，即從「語言」的發音方式出發點，討論文化差異。其中貫串的手法為對身為日本人的自己的自我調侃，尤其著重「猶豫」及「多禮」的兩項國民性，並從中梳理自我認同，如透過詢問觀眾「你們喜歡超級瑪莉嗎？」來回答「我不喜歡超級瑪莉，因為那並不是日本遊戲，只是『日本人做出來的遊戲』」；並以「刻板印象」作為簡單的梗，來反思各個文化的特質，透過「假設性」的問題「如果超級瑪莉是西班牙人，那他可能在撞出蘑菇的時候會把它拿來煮個炒蛋吃」、「如果超級瑪莉是義大利人，那他可能一邊打哈欠一邊過關斬將」，以及最重要的「如果超級瑪莉真的是日本人，那他應該會在踩到烏龜時跟他道歉」等等。而除了超級瑪利之外，還有「如果發現新大陸的哥倫布是某國人」、「如果超人是某國人」等等舉例，在看似刻板印象的簡單連結之下，促使觀眾反思國民性及面對社會議題時的態度。

在看似嚴肅的議題中，清水宏的表演幫了全劇大忙，他時演時主持的表演功力讓全場笑聲不斷，可惜之處在於後半的表演有點陷入「模組」，再加上時而岔出的表演有些偏離主軸，若能在不同的舉例中循序漸進的展現對議題的深度關注，也許會讓整個表演的完成度更高。

演出場地：卡米地喜劇俱樂部

劇場化身攝影棚並不稀奇，上半年就有「胖節」《打腫臉變胖子》，更早之前還有全民大劇團《瘋狂電視台》，但無論要把劇場變身什麼空間，都需要一個理由──為什麼要這麼做？

而缺乏「為什麼要在劇場裡面做電視」就是整個作品最沒有說服力的地方。劇場有無限可能，但同時，劇場也有許多限制，因此，在題材跟手法的選用上，「截長補短」永遠比「自曝其短」聰明。編導在線性敘事上不時透過影像補足故事之不足，企圖心很大，從音響、燈光、投影、影像皆想要涉獵，但無奈的是，在缺乏細緻、良好的整合之下，這些設計在劇場都顯得無能──觀眾徒見誇張的表演方式、過大且缺乏脈絡的情緒起伏、過場時仿舞廳式的節目片頭高分貝轟炸。也許「浮誇」不是一定不能成為風格，但若沒有有機的統合、意義的追尋，浮誇就只是粗糙。

演出場地：牯嶺街小劇場

以戲劇作為關心社會的方式，台藝大學生以老年議題出發，塑造一個「青年當政」的時空，題材選擇饒富趣味。

可惜這樣的題材並沒有得到更多的發揮，角色刻劃的深度不足（如主角Ｋ的心理轉折）、劇本涉獵的議題過多，導致皆只能蜻蜓點水（如國家與人民誰主誰從、「公平」的定義、「笑」的自由等）、演員表演的口條問題不小（尤以Ｇ最為明顯）、首演場技術執行上面順暢度不足等等。

而尤為可惜的還是沒有找到運用該空間最適切的方式，尤其是在演出中導演多次設計「觀眾」等同於「人民」，而「演員」對著「觀眾／人民」熱切呼喊著口號、說服「觀眾／人民」接受他們的政見，可惜的是，直到最後，觀眾還是觀眾、人民還是人民，此一設計並未在演出中達到更深刻的效果。

演出場地：佳佳．士林珮柏