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戲劇

三岔口

平均心等
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白斐嵐

2014/09/14 15:00

點閱率:387

1110.50

其實我很想要給這齣戲的場地運用0.5顆星,戲劇表演4.5顆星,但既然不可行,也只能折衷再帶點偏移。

也許因為我不夠早去排隊,最後坐到了樂師正前方的位置,於是震耳欲聾的鑼鼓聲成了我與這齣戲最遙遠的距離。當鑼鼓聲響起,在這密閉的小禮堂中不斷共鳴迴盪時,我終於理解為何在許多傳統戲曲中,要嘛是在空曠的戶外演出、要嘛總是讓樂師在幕後,藉由隔間或布幕進行消音效果。一來,是當鑼鼓聲與演員同時出聲時,我真的聽不太到演員講話;二來,這對觀眾而言真的很干擾。我身旁的觀眾已經從包包裡拿出耳機戴著,另一人則是從頭到尾都摀著耳朵(但這樣一來,更無法聽到演員講話),甚至小聲討論是否要坐到對面去。不過,正因為這齣戲特殊的舞台設計,讓整個觀眾席被演出動線所包圍,所以要移動位置是更不可能的事。回家後看到已有不少看戲大隊提出同樣的問題,可見這並非我個人困擾。在演了這麼多場後(我看的是第四場,也是倒數第二場),製作團隊卻完全沒有針對這點提出任何調整,甚至在引領進場時也未提醒坐在樂師那側的觀眾,於是就讓我在五十分鐘的演出間不斷擔心著我的耳膜會不會受傷,然後覺得我的頭真的快要爆炸,只剩下兩成的注意力可以來好好欣賞這齣戲(說實話,我覺得當時我真的很想逃離現場、或是換座位,但卻被表演動線困在原地的情景,比客棧密謀殺人還要有威脅性)。

再來說說聲音以外的空間運用。正如前文所說,觀眾席被表演動線完全包圍,讓演員穿梭於台下走道、戶外走廊、或是樂師旁的小講台,其實是很有創意又大膽的嘗試。但ㄇ字型的觀眾席安排,讓我在許多時候都必須要180度轉身才能看到演員(然後正面迎接讓我耳鳴的鑼鼓聲),當演員好不容易從我對面的走道進場,讓我可以不用轉身就看到他們時,卻又因為距離太遠,所以說話聲音完全都被鑼鼓聲蓋過。至於演員在外面走廊上演出的片段,因為觀眾席前兩排坐在地上的觀眾看不到(後幾排是坐在椅子上的,剛好遮住了坐在地上的觀眾),於是有些人站起身來,剛好又擋住了坐在側排的我。既然我既看不到也聽不到,自然也無法針對這部分的戲劇設計發表什麼感想,只覺得這齣戲的空間運用,真的對(側排)觀眾非常不友善。

回到戲劇本身,不過我還得先強調這是我根據僅存之兩成注意力觀戲的感想。主戲在舞台中央展開,投宿的旅客對上了帶著殺意的店主,兩位主角在漆黑的旅館房間中打鬥,快慢節奏掌握的相當流暢,默契十足,動靜之間的切換令人驚豔,緊張之中也帶有不少黑色幽默,短短幾十分鐘叫人看得目不轉睛。較為可惜之處是儘管看似三面台(ㄇ形觀眾席),但兩人走位、動作皆以正面為主,讓坐在側面的我也只能想像兩人一前一後、一左一右的來回過招,這畫面構圖該有多「好看」!此外,儘管演員似乎想要打破第四面牆,直接與觀眾互動(進場時工作人員同樣也以客棧小二身分帶位、提醒注意事項,可以看出製作團隊企圖營造整體的客棧空間氛圍,打破舞台與觀眾席之間分野),但在我所觀看的場次,也有觀眾試圖對於演員/工作人員的直接互動做出回應(從側排角度,剛好能把觀眾反應看得更清楚),但演員/工作人員卻並未進一步回應觀眾丟出來的訊息,反而退縮了。這一刻,第四面牆又出現了,而觀眾似乎只被當成道具。也許這部分的互動嘗試,還可以再更大膽一點。又說不定,若讓觀眾能在有限的空間內自由走動,能在這齣戲中達到另一種觀眾與表演者之間的關係,還能一併解決上述空間創意與實用性之間的矛盾問題!

演出場地:華山1914文創園區 果酒禮堂

白斐嵐

2014/09/09 19:30

點閱率:331

1110.50

從「ㄍㄣ/ㄍㄥ」之四聲變化所發展出的題目,暗示了這場演出和語言、文字非常有關(當然,相聲本來就和語言文字非常有關)。兩位演員除了在這四字上大作文章外,更在相聲中為觀眾解釋了相聲的許多小細節。由許哲瑋一人擔綱演出的評書〈邵康節測字〉是最亮眼的橋段,更扣緊了「字」之主題;隨後,另一位演員黃家曄以abc腔中文帶來的脫口秀stand-up comedy,也同樣以「測字」為題,卻是以abc淺薄的中文解讀與前段故事做為呼應,對比頗為巧妙,更是充滿創意之發想。

只是,也許是「相聲」總是仰賴著某種特殊的、北京式的、字正腔圓的說話方式,但兩位演員想要加入一些較「當代日常」之元素時,則顯得格格不入,畢竟這早已不是台灣人在日常生活中所習慣的說話方式。以至於幾個段落的轉折,特別是從相聲、竹板快書轉到脫口秀時,兩者之間的語言處理與轉換令人格外覺得尷尬不已。既然以「相聲」為表演主題,如何在說話方式中找到一致性,在舞台傳統與當代日常間找到平衡,也許是兩位優秀演員可以多方嘗試思索的。如此一來,也更能通順地銜接各段落,讓每一橋段的安排更具有整體戲劇性,而不致淪為成果發表式的片段呈現。

演出場地:蔡明亮咖啡走廊

白斐嵐

2014/09/06 14:30

點閱率:262

11110

這齣前年台北藝穗節永真獎得獎的作品,我想也許是不需要更多錦上添花的讚美了。自2012藝穗節首演以來,歷經多次重演、巡演,從小劇場到大舞台,以一部戲成長的生命軌跡,證明了臺北藝穗節存在的重要性。

很慶幸的是,在《美味型男》越來越有規模的同時,依然保有了「家常菜」般的親密感。鋼琴、小提琴、與大提琴的現場樂團配置剛好,沒有震耳欲聾的節奏或是波濤洶湧的旋律起伏,卻能準確地勾勒鋪陳幾首抒發心境的曲目;視覺投影與舞台設計是最令人驚豔之處,運用幾個帶有「溫度」的物件點綴(如磚牆、老式收音機、或貨櫃茶几),或是從食材延伸的色澤質地,也為看來時尚的場景帶來一點「家」的味道;料理時所散發的爆香味,雖不像小場地般濃郁瀰漫,若有似無的氣味反而更勾起觀眾的期待。

不過,也許是場地限制的因素,中間的場景轉換顯得過度冗長,儘管有了過場影片的協助,依然出現了過長的尷尬;有一兩次的暗場節奏怪異,也打亂了流暢性。至於一人分飾多角的表演,對於一般演員來說已是相當困難的挑戰,要用這些不同的角色身分唱歌,更是難上加難。對於梁允睿這位有經驗也有實力的音樂劇演員來說,處理地游刃有餘,有張力也有「笑」果,若是硬要把標準再拉高一點的話(畢竟這齣戲真的已經不需要更多錦上添花的讚美了),兒子開口唱歌時就像是換了一個人,流行歌曲式的共鳴發聲法讓人覺得即使他是在家中、與自己、與附身的母親獨處、唱著內心最深處的情感,始終都是攝影機前的型男主廚,我們聽見了他要我們聽見的好聽歌聲,卻參不透歌聲底下的角色;母親的角色相當討喜,幾首台語歌曲無論編寫、詮釋皆動人無比,但可能是因為男扮女聲,有一兩次媽媽一開口唱歌,嗓音馬上變得低沉。當然在唱歌時,聲音上的限制更多,但若能拋開一些對於「好不好聽」的執著,也許也會更自由。

曾經覺得在藝穗節最害怕看到的,就是自溺式作品;而《美味型男》正讓人看見,說著自己的故事,可以一點也不自溺。

演出場地:松山文創園區 LAB創意實驗室

白斐嵐

2014/09/06 20:00

點閱率:322

11110

一人撐住全場面的脫口秀並不容易,以非母語或是不熟悉的語言演出脫口秀,更是難上加難。清水宏先以簡單(並帶著腔調)的中文和大家問好後,順勢以學中文的心得作為第一個主題,並延續至「日本人學英文」這個光用想像就很有「梗」的話題,很快就化解了語言的隔閡,拉近與觀眾的距離。

從語言順勢帶入的民族性刻板形象與文化差異(如俄國人整天醉醺醺、西班牙人不守時、義大利男人愛耍帥又是個媽寶;更有大部份皆是對日本文化之自嘲,如日本人有禮、愛乾淨、說話含蓄卻令人難以理解內心真正意思等特質),在清水宏中英夾雜的敘述中,搭配豐富的肢體語言與生動的表情,充滿舞台效果。其中也不乏以旁觀者角度對於台灣文化之觀察,以電視節目《關鍵時刻》之片頭音樂為例,嘲諷了台灣新聞節目運用煽情、戲劇性之洗腦音樂,往往能讓雞毛蒜皮的小事很荒謬地顯得嚴肅無比,更在搞笑之餘帶來一點批判性。幾段以大眾娛樂(如世足賽、變形金剛、007、超級瑪莉歐)為主題的橋段,總是在意想不到的時刻與先前所建立的笑梗環環相扣,格外令人驚喜。

不過,同樣的民族性主題重複過多,最後略嫌疲乏;在侷促的卡米地喜劇俱樂部中,清水宏的表演能量似乎也有點用力過猛。但至少,在劇末清水宏以中文說了無數聲的謝謝後,我不禁開始想像:要是他是用日文演出,而要是我也聽得懂日文,那麼這齣脫口秀又會有多麼精彩!

註:清水宏每一場次皆以不同語言演出,包括日文、英文、或中英夾雜。

演出場地:卡米地喜劇俱樂部

白斐嵐

2014/09/04 15:30

點閱率:245

11100

以「家」為題,既挑戰了「家」的定義,也重溫了對於「家」的回憶。在戲開演前反覆播放的桃太郎主題曲,似乎成了本劇之核心,以各種變奏點綴劇中多個段落,以「老夫婦收養桃子裡的嬰孩」故事情節,暗示了「家人」不需血緣維繫,而在於彼此的付出與關心,也與劇中提到的多元成家議題互相呼應。

不過在自白式的「家」之回憶,以及多元成家、都更等延伸議題間,彷彿有著尚未被明確處理的矛盾之處。從演員口中帶入的社會議題多流於文字陳述與立場宣示,在生硬的台詞處理下,既看不出與角色/演員之間的關聯何在,更不知觀眾該以何種角度、身分介入,就連演員與演員之間,也未見任何關係之建立而淪為各說各話;相較之下,幾段像是以演員自身經驗帶入的家庭回憶,反而更能流露自在且真誠的情感。只是這樣一來,反令人覺得難道在創作者眼中,都更、多元成家、學運等議題,只是空泛的文字與呼告嗎?(當然我相信,這絕非創作者原意,但在如此兩相對照的處理下,卻不知不覺強化了此種假設,這正是我所謂的矛盾之處)。此外,劇中隱約浮現的死亡與幽魂等情景,也看不見戲劇上的必要性,反而更加混淆了本來就已不明確的主題。

不過,劇中多段看似彼此不相干,卻藉由音樂互相呼應的段落,是全劇充滿巧思之處。如開場時點出故鄉、母親、回家等主題,以一句「月是故鄉圓」連接了《月亮代表我的心》一曲,或是如前段所述《桃太郎》與主題的隱喻,都讓此劇得以在片段式的獨白、非敘事性的結構中,找到另一種流動性。在戲劇結構中也隱約感受到音樂之主控地位,決定了段落的編排與進行,有時樂曲與樂曲間切換顯得突兀,有時卻也乾淨明確。

儘管如此,《家》依然是個各環節皆相當完整的作品。只是,想要對「家」說的話究竟是什麼──這也許是創作者總得時時刻刻提醒自己的問題。

演出場地:穆勒藝文

白斐嵐

2014/09/01 20:00

點閱率:252

1110.50

兩人三腳,音樂、舞蹈、多媒體互動,這是《DUO TRIO 兩人三腳》為此作品所下的註腳。演出由電鋼琴彈奏的單音揭開序幕,投影幕上出現與音符琴鍵位置相對應之水珠/雨滴,從畫面上墜落。音符聲部逐漸變得複雜,隨之產生的水珠也越來越密集,與接著進場的舞者所投影在螢幕上的身影產生互動──這正是這場演出最吸引人之處。音樂與舞蹈的互動變得間接,各自轉換了一層媒介,透過「影像」成為彼此中介,在畫面中建立關係。在第二段以電子音效取代電鋼琴,動畫投影也多了許多物件、動物元素,更產生類似互動電玩般的趣味。

簡而言之,音符與音符之間的關係,所謂聲音上的「空間感」,被轉換為實體空間,是此作最令人驚豔的創作發想。幾段鋼琴演奏中,大量運用的五度音程除了呼應電子音效質感外,也為環境空間帶來一絲印象樂派式的朦朧感,運用「聲音」創造非視覺性的獨特音景(soundscape,儘管我並不喜歡這詞,卻也覺得此處找不到更恰當的形容)。

不過,在許多時候,舞者在舞台上的動作顯得較為線性水平,與後方垂直的投影畫面形成某種座標式的平面感。在幾個段落中的轉換較無鋪陳,也不是那麼的流暢。在段落中大量的重複動作,卻又少了一點變化,例如在開頭段落中,由舞者與鋼琴家爭著碰觸電鋼琴鍵盤,藉著彈奏聲音以取得主控權。兩人互動在重覆中建立遊戲規則,卻也在重複中被預知,失去了驚喜感。在別出心裁的創意發想與細膩的執行度下,如何為作品理出更具說服力的結構,也許會為《DUO TRIO兩人三腳》帶來更令人期待的發展可能。

演出場地:雷克雅維克實驗室

白斐嵐

2014/08/31 19:30

點閱率:460

11110.5

Etoile 星星室內樂團以廣播節目「music radio」之點播排行榜概念,演奏了十大排行金曲外加「觀眾點播」共十一首曲目,從巴哈小步舞曲、法國香頌老歌、自創曲、經典電影《新天堂樂園》配樂、今年度迪士尼暢銷金曲《冰雪奇緣主題曲》到法文音樂劇《鐘樓怪人》。由鋼琴、小提琴、中提琴、長笛、低音提琴加上爵士鼓的樂團配置(中提琴手並在幾首曲子中擔任演唱者)展現絕佳默契,多段樂器間旋律之對話拋接令人驚艷(特別是小提琴與中提琴之間的默契),相較於近期許多編曲作品中各聲部樂器皆各司其職,Etoile星星室內樂團一體成形的旋律流動與節奏切換,足可顯現彼此在編曲中所下的功夫。特別是在《新天堂樂園》中,特地讓平常總是擔任節奏低音陪襯的低音提琴負責主旋律,展現了「人人都是主角」的合樂精神。最後一曲《鐘樓怪人》之〈奇蹟殿(La court des miracles)〉,Etoile在編曲中大量嘗試鼓掌、撥弦等吉普賽音樂元素,更是令人耳目一新。只是,在沒有收音麥克風的輔助下,讓中提琴(也許是音域關係)特別容易被爵士鼓蓋過,是稍嫌可惜之處。

不過,也許是因為近年來「純音樂會」形式已難拉近與觀眾距離,演奏者們也需百般思索、精心設計橋段。在《來自星星的music radio》中「買榜」的梗(每一首排行金曲皆來自Etoile)一用再用,到最後已略顯疲乏;幾段預先set好的梗也稍顯生硬,反而是幾次主持人(由小提琴與中提琴)之間關於音樂本身的閒聊,更符合音樂中慵懶輕快的法式風!事實上,當曲目進行到下半段,也可見主持人姿態逐漸放鬆,不再有照稿念的生硬感。

看著一群音樂人開口說話、做起不擅長的事,卻讓人回味起音樂的美好,那些從小陪你一起長大、但你卻非得改編才有機會演奏的旋律,以及那些你總是需要身旁夥伴與你一起推波助瀾、才能共同完成的樂曲。這種機會,可不是天天都有的。

演出場地:安和65

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