故事起源自於孝愛精神療養院，裡面的特區住了四位病患，每晚的九點零九分他們都必須吃下一種叫做尼摩辛的神祕藥物，主作用是幫助他們忘記所有不愉快的記憶，但被強迫抽離記憶的四個人卻覺得似乎缺少了些什麼。其中一名女病患小梅在圖書館找到一本罪惡日記，她協助眾人記下當日覺得不愉快或痛苦的回憶，以作為日後尋找蛛絲馬跡之用；某日該院來了一位姓楊的新醫生，楊醫師試圖將其中一個病患導入過往回憶並打算停止使用尼摩辛，卻在罪惡日記消失的那一刻起，這個藉由尼摩辛所架構起的安穩世界開始產生了崩毀，過往蜂湧而上的痛苦回憶又再度襲來，照護者與被照護者開始產生情感上的混淆，究竟是正常還是不正常，沒有一個人能說得清楚。

看完後，我一直想尋找著關於這個故事想表達的意念。

該劇採取一種即興創作的手法，將每次排練精華以片段的方式保留，上半場以一種鬆散的方式舖陳故事的進展，先是帶入每個人的病症及角色性格奠立，帶給現場的觀戲者一種疏離感。節目單以病歷表的方式做為演出介紹，裡面的創作理念提到了「史丹佛監獄實驗」（亦稱路西法效應），指的是在環境的改變下，人類性格裡潛藏的陰暗面是否因為身份或環境的改變而被激發，進而改變一個人的行為（簡單說來，就是人性本惡的性格轉變測試），移轉到《九時片刻》的設定時，變成質疑常理所謂的正常與不正常；下半場戲裡的每個演員都在自我質問，正常的照護者（醫生與護士）質疑自己的做法是否有錯，剝奪了這些病患正常生活的權利，不正常的被照護者（病患們）則一再質問是否忘記這些痛苦不要再記起會比較快樂？當原先所信奉的價值觀遭到無情的推翻，產生一連串的發作反應時，這些令人措手不及的事件是否能有足夠的應變能力來做最好的處置？

劇情走到最後，照護者與被照護者的立場開始產生翻轉，在制度的崩壞下，照護者迷失了自我的存在價值，被照護者反而變得堅強（該說是世事無絕對？），就連傳聞中的神祕藥物尼摩辛其實也只是一種普通的糖果而已。

沿著劇情的脈絡，我跟著東奔西跑的闖關，最後卻忍不住想問，這部戲究竟想要表達（或吶喊？）的主題究竟是什麼？或許不是只有自我質疑，人性本惡如此單純的理由可供解讀吧？

演出場地：DeRoot休閒空間

這是一部很適合在晚上看的戲。

從一樓開始便以意象式的符號，試圖讓觀眾對場地打造成客棧的形象擁有強烈感受，工作人員也變成了客棧裡的小二或掌櫃，穿著古裝或改造式古裝遊走於觀眾席裡招呼，觀眾們或席地而坐，或坐在長條板凳上，玻璃窗映照著在外高掛的大紅燈籠，讓人彷彿走入了幻想中的復古風客棧，這一切的感受是讓人感覺既懷舊又新穎。

三岔口是京劇老戲，重武打而不重唱唸，為了不讓整部戲陷於只有嚴肅的武力對決，以武生對武丑的方式對戰，一剛硬一詼諧的調和正好以本劇擦撞出亮眼火花。純以兩位演員武戲風姿而言，身手俐落自是不在話下，看似摸黑捉迷藏卻又是迎光對戰，滿足所有「住」在其他房間裡的房客(觀眾)偷窺慾望，觀眾不止是觀戲者，偶爾也因為演員的導引而變成入戲者，一桌一椅在演員的巧妙翻轉下，展現了傳統戲曲在程式性語言在想像力上的無限可能。

由於是老戲作底，該劇劇情上無法擁有太多翻新，製作團隊將創意發揮在場地原有的條件上，演員一出場就流竄在各個出入口處，未拘泥於傳統的出將入相模式，而是將觀眾包圍起來，演員一下往左出現，一下往右出現，無法掌握的節奏讓人不暇給，也讓我略為對於劇組的安排帶了點期待(兩位主要演員隔著玻璃窗在走廊上叫門真是非常善用場地的安排)。整體演出節奏處於一種快板式的緊湊感中，演員對招明快流利，但有種從頭直衝到尾的矛盾感，少了點鬆緊之間的分寸拿捏，樂師在背後補刀給演員的方式也未見安排，缺了點入戲感，都是可以再試圖調整之處。

京劇的參與演出，代表傳統戲曲仍有無限發展的可能，只是如何建構與觀眾溝通的獨特模式，降低語言與唱腔間的隔閡，也是接下來製作相關演出時值得注意的方向。

畢竟今日的流行，便是明日的傳統。

說來有趣的是，我比較好奇倒數第二場演出，因為是下午時段，不曉得劇組該用什麼方式營造出夜晚的場景，帶觀眾進入戲裡呢？

或許，這又是另一個值得探索的故事了。

演出場地：華山1914文創園區 果酒禮堂

劇種混搭組合，在不同腔調與音律相異的組合下，截長補短，揉合出不同的戲劇韻味，儼然已是近年來傳統戲曲發展的趨勢；困難點在於如何調整比例運用，主副調的調合與限制，由來便是最大的問題點。

《鏡．私語》以一名官場失志的年輕男子阿來在夜半飲酒為開端，阿來在半醉半清醒間，聽見一名女子吟唱的聲音，因故尋聲而去，對不知來歷的女子真兒驚如天人，一見鍾情，選擇與真兒私訂終身；但真兒隱藏了自己眼盲的祕密，直到掌中鏡破碎的那一刻才讓事情整個曝光，最後阿來拾回破鏡並將鏡片補回，才求得不願面對現實的真兒接受阿來，結局皆大歡喜。四位鏡中精靈皆在身上帶了一面小手鏡，他們穿插於故事中，化身為真兒與阿來兩人內心裡最真實的聲音，同時也兼任了兩人在對方心中的形象，並擔任音樂演奏與幕後合聲的任務，使整體演出氛圍帶有幾許聊齋的況味。

演員表現來說，由於所有演員皆非打小就是戲曲（劇）坐科出身，而是屬於音樂專業領域的藝大學生（該團演出人員皆為北藝大傳音系學生），因此在基本的戲曲身段功法上實在無法過度苛求。飾演阿來與真兒的兩位演員古裝扮相優雅，氣質妥貼，在兩人互訴情衷，帶入拜月亭唱段偽裝情侶的段落裡，細膩的動作與眼神交流，堪稱全劇令人最為驚艷之處。

搭配演出場地前身為宮廟的原有彩繪背景與盤柱雕刻，該劇無疑於場地氛圍營造上已擁有了最好的先天優勢。雖然演員的台語對話並非十分流利，偶或混搭了一、兩句的國語流行詞彙（也是近年來劇種混搭的特色之一），卻不掩其作品的完成度。該團體為音樂領域的組合，於安插曲韻時已盡量減少格律不同的衝突因子，但現場空間狹小，樂聲迴音過大，致使演員在對唱時容易因角度影響，聲音大多小於樂音，劇情轉折上較為明白直快，仍有部分細微處容易讓人有摸不著頭緒之感。

整體而言，該劇是一場於音樂與視覺上都令人感覺相當舒服的演出，故事雖略顯老派而缺少新意，但揉合南管與北管兩種截然不同的音律衝擊，才是本劇想要表達特色之處。

演出場地：微遠虎山

這是一場令人擁有飽足感的演出。

相聲形式簡單，變化靈活，包容性高。光是要在台上能夠對答如流，一搭一唱就需要經過相當長時間的練習，主題敘事的發展選擇、現場氛圍的掌握、手邊簡易道具的應用、對手間的默契、現場應變的靈機反應，對歷史事件是否通透明曉，能否引經據典，靈活運用，更顯露出相聲演出之精妙與困難，所以能夠售票演出，站上舞台演出的相聲表演者，都必然身懷十八般武藝，絕非一朝一夕可成。

《男言之癮》在文宣用帶點譏誚又暗示性挑逗的字眼，告訴所有來看欣賞這次演出的觀眾，這是一場以男性為主題的相聲組合。在題材的選擇上，本次演出選擇偏傾於男性刻板印象中參與的活動或歷史事件為主(如漢朝政鬥，三國史、算命師、行酒令、武俠)，五段表演節目中，穿插了對口相聲、竹板書、群口相聲等三種組合，除了有新秀師兄弟做為組合搭配，也有師帶徒或是平輩同台的類型，最後以入門較久的青年搭擋為壓軸，說學逗唱樣都來，混合了京劇身段、武俠故事等元素，表演者隨機應變的臨場幽默更是逗得現場觀眾哈哈大笑，開心不已，放鬆身心百分百。

今日的演出相當精采，單一表演者以竹板（敲）書，以語調的抑揚頓挫，眼神流轉，利用流利的單人切換角色，十分鐘內就成一折戲。對口相聲對答犀利，針砭時事，偶又臨時話題一變，玩起腦筋急轉彎，或是現場直接在台上打起拳法比劃或來個京劇身段的銜接，最後行雲流水的收尾或再掀起新浪潮。當中最有趣的莫過於最後的青年搭擋組合，兩人一上台就直白破題，質疑起《男言之癮》與今日表演內容關連薄弱的問題點，後續更是辛辣犀利的以大保鑣為主題，帶入了武俠與時事，嵌入漫畫式的幽默，精采萬分的說完一折故事，飽滿而不乾柴的完成壓軸大任。

雖然師帶徒的對口相聲在後半的應答部份顯得有些拖板，平輩組合的群口相聲在主題選擇上，在後半段略有不知為何所云的迷惘感發生，但其餘段子的節奏皆十分流暢，令人有意猶未盡的感受產生，是一場在整體演出節奏上相當愉快的漂亮演出。

最後因應中秋佳節，團隊特地請今日上台演出的青年演員們來上一段敲竹板，也算是一種另類的安可謝幕法，讓觀賞這場演出的我，非常愉快的渡過了一個秋日午後時光。

演出場地：卡米地喜劇俱樂部

黑袍（菜鳥律師）：山豬項鍊（勇士）：（母）樹 = 正義：勇氣：心中想要守護的事物

不難看出編劇的心相當大，渴望一次將勇氣、正義，心中想要守護的事物等三項相差甚大的質素因子，組合建構為本劇的敘事軸心，所以選擇將故事切分為兩個時空，以勇士、律師、護樹做為連環敘事的環節，立意甚佳，未料最後竟變成一個雜質甚多的花花故事。

勇士與菜鳥律師所在的兩個異質時空的連結薄弱；一樣是護樹，兩方的理由卻大不相同，勇士為了維護孕育族群生存的母樹，選擇以鮮血抵抗異族；菜鳥律師為證明自己選擇當上律師的原因，選擇了加入社區護樹的行列。兩造都有選擇戰鬥的理由，勇士為了捍衛自己的生存權利，但菜鳥律師護樹的動機卻極其薄弱，情感的連結的事件發生相當虛無，難以強而有力的說服觀眾相信菜鳥律師選擇護樹的動機與原因。

在菜鳥律師因車禍而時不時昏倒的夢境中，與勇士一搭一唱的對談更是令人摸不著頭緒。剪接自過往知名團隊的手法，企使讓兩個時空以夢境的交錯對話達到主題共嗚；不擅接軌與轉場的方式，迫使兩個時空的對應，發生難以看出交集的窘境。在本劇裡，勇士是保護部落的箭，律師是維持正義的秤，（母）樹理應是勇士與律師最強而有力的關係存在者，但勇士與律師卻因為心中想守護（證明）的關鍵點不同，像是難以取得共識的平行線，各自走向不同的方向，所以箭沒秤倒，劇情也失去了平衡。

全劇燈光暗場太多次，數次有跟不上演員節奏的狀況發生，偶爾燈光暗了，演員還在吶喊；要不就是燈光暗的太早，完全沒有讓演員可以在台上停格作結的時間。這些問題反映出團隊在劇場經驗與技術控制上的青澀與不成熟，加上不夠精準明確的敘事架構，雖然看得出團隊很有誠意的想說一個故事，但距離說「好」一個故事還有很多需要調整的距離與空間需要努力。

整體來說，該作品雖然不夠成熟，手法粗糙，破綻百出，但想說好一個故事的誠意與精神，還是值得給予鼓勵的。

演出場地：寶藏巖國際藝術村 山城劇場

改編文本是極險也極易的兩難之路。

險處在於如何延續文本精神，彰顯創作者理念，從其他角度置入新觀點，既不失原著精神，又能夠讓觀眾耳目一新，變成一個大家耳熟能詳卻又能夠發現心感驚奇的作品，反之則兩邊都不是；其易處在於既有文本可向外擴展延伸的連結點是多如牛毛，每個人都是主角，都有自己的故事，又可以獨立成為一個新架構，引發更多的後續效應。

這部改編自暢銷作者蝴蝶《妖花》的故事，很明顯的在劇情上迷了路。

三段故事，三個女角，以擁有妖花血統的女主角小寧為主軸，穿插入阿懿與花神的過往與愛情故事。開始與結束時的歌舞皆運用了服裝展走秀的觀念，讓所有的演員在台上高歌一曲，但受限於空間的範圍，演員的肢體無法完全伸展，歌唱與說話的聲音也不夠一致；對話採用國台語混雜的交談方式，台語部份咬字不甚清楚，或許是為了表達人性扭曲（或妖性本色？）的部份，部份對話聽起來字音模糊且斷斷續續；整體劇情連結破碎，旁枝繁複不夠精簡；花神的故事與阿懿的個人獨白無法與主角小寧的愛情做出強而有力的連結。反過來說，阿懿的獨身與放縱，不也正是因為少了能夠真正懂她的那個人？

編導分散殘破的處理手法，儼然與劇團在文宣上強烈表達出「人人都是一朵花，都會有懂得自己美好的那個人出現」的標題，明顯的產生外包裝與內容物不符的基異，誠如最後一幕演員在走道兩旁灑落的玫瑰花瓣，大概就是這部戲留給我最大的禮物──那不是美麗花朵的綻放，而是我心碎的眼淚。

如果說原著是一部山海經，那麼這部戲就是改編過後的瓊瑤連續劇，褪去雅音，留下煽情；通俗並非俗不可耐，在於是否找到原著的初衷並創造出一番屬於自己的新局面。這場演出縮小了原作的格局，相對的也裁剪了原作的本意，淪為只是將性、戀愛、憤怒、妒恨、妖魔化等等因子拼湊組裝而成的混亂拼圖，看不出改編文本的用意。

謝幕時，編導在現場說：「這個文本好難改編，前台有在賣原著小說，如果看不懂的可以去買一本帶回家」；但就一個看過原著，且對該作品極為讚賞的心態投射反應之下，編導的言論實在令人深感失望。

該劇作裡最擲地有聲的部份，是世傑逼問小寧幾歲才算長大，連台詞都幾近一字不差的摘自原著；以及男扮女裝，明艷照人的花神大人；剩餘的部份，都讓我抱持著期待進場，卻使不如歸去的感嘆油然而生。

演出場地：小小幸福

「傾輝者」是一個多元混搭的日本舞蹈團體，利用Freestyle、新體操舞踊、日本舞踊等等的舞蹈特性混搭組合，融入了簡單的故事情節，「百輝撩乱」因此應驗而生。

三位舞者在相異的舞蹈形態，簡單的故事情節中，肯定自己的特色，卸下一直掛在自己臉上的黑色面具，也彼此鼓勵對方展現自己的風格，卻不搶過彼此的色彩；每位舞者既可獨秀也能相輔相成的跳起雙人舞，展現各自的獨特風華。

現場手風琴的出現是一種微妙的調合，偶然出現的陶笛與波浪鼓更是令人會心一笑，帶了點童心的稚趣，也有著神來一筆的隨性。

「百輝撩乱」是一部不需要太多語言都能輕易讓觀眾融入劇情的作品。但場地運用受限，未利用現場既有的景物敘事，表演者僅把空間做為移動用途，卻未曾留白或運用現場景物加強印象，顯得整體演出節奏快速而緊迫。

因為空間限制嚴重，表演者在舞動時肢體難以自然延伸，透露出空間的狹窄感。部份時候表演者會於觀眾席內移動，受限於觀眾席擺設，在觀賞時造成視線受限，無法跟隨著舞者移動，更令人明顯的發現空間運用不甚妥當。

如捨室內演出而改至室外，運用現場佈景擺設創作，整體表現或許將更為出色。

其它意見：女舞者的服飾顯得較為暗沉與輕淺(一位改造式舞者身著紫紅色改造和服，另一位則是白底粉色和服裝扮)，場地燈光變化不大（受限於場地因素，實則無法做出更炫麗的其他燈光效果），顯得表演者的服飾較難看出亮眼感與強烈落差，雖有頭飾、配件及色彩鮮明的帽子、掌中布偶加強個人形象，卻不夠突出，而有被原生建物上的彩繪圖案與雕刻品同化，造成混淆感。

道具運用(日本刀與摺扇)擺放位置可再調整，可供表演者獨秀或對舞時，利用道具的拿取方式，營造表演者自身專屬的舞蹈特色。

「百輝撩乱」劇情雖然易懂，但空間運用上的不熟捻與刻意強調混搭的舞蹈形態，卻突顯了它不夠「百輝撩乱」的一面，略顯可惜。

演出場地：微遠虎山