我一直以為這部戲是九十分鐘，但結束的時候發現才經過了30分鐘。

讓觀眾進入兩個不同的房間，分作兩個裝置的房間，但我想，分別在兩個房間內所播放的影片並沒有不同，只是裝置，和進入的演員不同罷了（我進入的是13號房間）。雖然裝置藝術做得非常美麗，且讓人驚艷。但，這部戲可以說是幾乎用了「影片」說完了故事，然而投影或許也是導演必須重新考量的，當投影和演員演出有互動時，是否有更有效的投影，讓觀眾能夠直接地觀看到投影和演員的互動，而不是分開到觀眾必須同時注意兩頭正在進行些什麼。影片拍攝技巧非常成熟，但戲劇演出和影片之間的連結卻是必須再重新考量的。

另外，有個疑問是，男主角的重生究竟是什麼？或許，需要再思考或鋪墊。但，整體氛圍和畫面的營造不得不說非常令人驚艷，演員的表現也非常優秀（但，影片中似乎更沒有包袱）。

演出場地：寶藏巖國際藝術村 9-13號

戲曲製作參加藝穗節這真是第一次，從1/2Q劇團、小劇場大夢想就能夠看到，戲曲演員、創作者希望能夠將「京劇」或是「崑劇」搬到小劇場，讓觀眾有更親密的接觸。

京製社的一號作品《三岔口》的確是吸引了老戲迷、小戲迷，又或者是從未有戲曲觀賞經驗的人買票進劇場觀賞。《三岔口》這部作品按著老本演出，將劇場包裝成「客棧」，觀眾就是一同入宿的客人。「客棧」裡頭座位分散在不同位置，每個座位都是一間房間，每個房間都有不同的觀看視角，整體而言，將京劇拉近至離觀眾非常近的距離演出，讓武戲更加的有看頭，觀眾可以近距離看見演員的面部表情、作打，甚至可以看見演員在台上揮灑汗水，下一刻會如何發生都令人屏息而待。

但可惜的是，這部作品雖說是實驗性很高的作品，但在形式上仍顯得保守，甚至過於安全。一是按著老本演出，刪修幅度並不大。二是除了與觀眾簡單的互動之外，其他仍舊是按著戲曲傳統身段進行，頂多能夠說，運用空間讓走位繁多、接近觀眾，不再是鏡框內的演出。三者，某些座位太接近文武場，當文武場大聲敲打的同時，容易使觀眾耳鳴（我就耳鳴了）角色的念白便聽不太清楚，或許文武場的位置安排也是需要再三考慮的。但，整齣戲裡，兩位演員皆表現精湛表現，打出手的時候非常俐落，讓台下的觀眾數度給予演員們掌聲，非常過癮。

《三岔口》是戲曲加入藝穗節的開始，也代表戲曲將更「小品化」、「更接近觀眾」，甚至是更加實驗且多元。雖然《三岔口》仍在保守且安全的範圍內，但或許，我們仍可以期待京製社，或是更多的戲曲藝術工作者有更多的實驗。過去的《奧瑞斯提亞》、《尋找遊園驚夢》做過環境實驗，或是當代新編戲曲的後設手法，到了《賣鬼狂想》，戲曲在實驗上已經達到某程度的成功。《三岔口》雖抓住了維持傳統的精神，但除了包裝外，或許能夠多從過去作品中的「實驗精神」、「手法」吸取養分。相信從京製社開始，未來會有更多將戲曲作品帶至當代觀眾眼前的演員、創作者，甚至在創作上，有更突破、令人為之驚艷的表現。

P.S.戲曲舞台上的氈毹某一部份稍稍地緩衝了演員在做表上的「摔」、「跌」，今天看見戴立吾從高處往舞蹈地板一躍而下，林朝緒在磨石子地上劈岔，實實令人擔心兩位演員的安全啊，或許要有保護措施保護兩位演員的身體比較好。

演出場地：華山1914文創園區 果酒禮堂

以「三毛」為奇想，是這齣戲很大的賣點。但，究竟要如何拿已死，且充斥著靈異傳說的女作家作文章呢？由吳孟渝一人分飾多角，展開探索這位神秘女作家的旅程。

場地的安排很有趣，劇裡劇外都是咖啡廳。這部戲雖名「三毛塚（種）」，卻不直接以三毛的神秘、浪漫為主，而是以咖啡廳的主雇關係作為故事的主線，觀眾能夠從主顧之間看間其各執一念，不斷的進行辯證。這樣的辯證或許能夠從演員的表現看見一定的力度和能量，但，或許在角色的轉換上可以再作琢磨，如今日演出，台詞進行的太快，人物轉變沒有作出更大差異（肢體和聲口都是），話語只是不斷進行而沒有真正的溝通，這是令人感到感到可惜之處。

再者，劇中的辯證雖渴望傳達現代社會的溝通問題，然在思維平面的雇主和天馬行空的咖啡廳服務生之間的對話中，嗑藥、咖啡店、煤體等話題的介入，究竟真的溝通了什麼？還是只是在話語的堆疊間擦肩而過？在某種程度上可能陳義過高。結尾，三毛才真正附上Shelly的身（？），突然地接入，卻又在演員推門離開後戲結束了，但卻像有話還沒說完，令人感到詫異。

雖說如此，這部戲仍有可期之處，編、導、演都是新鮮人，但或許將這奇想再重新鋪排細節，並將三毛更多的文學、歌曲、奇異、浪漫之事（或許在儀式上的運用）拉進劇中，主雇背景能夠再更細微，可能會有更多的對話空間。

P.S. 燈光可能也是影響整齣戲氛圍的重要原因，或許需要審慎考慮。（如果選擇不遮蔽外光源，為何要用燈光？）

演出場地：A House

進到劇場，就能看見演員招呼著大家一一入座，從一進場演員就這麼逗著觀眾笑到戲結束。這齣戲是一齣簡單到不行的製作，舞台上隔著一塊布，天花板上吊著幾條女用（性感）內褲，便是整齣戲的搭台。但，這齣戲，卻不如整個舞台布景那般簡單。

劇本談論現代人的「劈腿」、「偷吃」，以及其他在現代人的「感情觀」中常見的現象。這個命題屢見不鮮，但《誰》劇卻在荒謬的調笑和戲謔中，讓人無不感到針針見血。導演利用幾張桌椅和簡單的布簾讓演員穿梭在舞台上，利用椅子、桌子，完成了很多走位，這些安排雖然簡單，但整體而言卻精煉而不冗贅，甚至還玩出了非常多有趣的走位。一齣喜劇的成敗仍是在演員身上的，然而，四位演員的能量都非常的充足，情緒、目的、言語、動作的拋接上，默契更是無可挑剔。或許這些演員都還年輕，但他們的表現都是非常成熟到位的。

這部戲的結構簡單，情節的穿插或許有能夠再鋪墊或再細膩處理之處（吹了蠟燭後，接到作家交稿、改稿等非寫實情景部分的情節或許必須再細琢）。再者，舞台布景、場地運用上或許可以在花更多的巧思思考（上頭吊著女用內褲的意義或許可以再被凸顯），若有機會重演，這是我所期待的部分。最後，這部戲的精彩在於，這齣戲不只是讓你笑，而是在笑當中讓你突然領會，台上那些醜陋、罪惡、滑稽的，都可能是台下的自己。士廣以台語唱著「奇怪，奇怪，沒尪怎會有囝子？」或許戲裡頭對於現代人感情觀是有所批評的，但最後的疑問卻又不免讓人再重新思考，究竟什麼是「現代人的愛情」？

演出場地：寶藏巖國際藝術村 52號、54號

這部戲的精彩度，或許從觀眾此起彼落的笑聲和啜泣聲就能夠清楚明白。《美味型男》在獲得永真藝穗獎後，又重新在藝穗節搬演上陣。梁允睿獨自一人在舞台上扮演了好幾個角色，如此流暢地轉換不同角色的人物性格與聲口。劇情內容簡單，配合著每一首具有濃厚情感的歌曲，歌詞與劇情緊密的扣合，使得每一個片段都能夠讓人感受到劇中想傳達的情感。因為是獨腳戲，所以沒有一般音樂劇所常出現的誇張的舞蹈或走位，但，這卻是一部結構完整，甚至作詞作曲都極為成熟的音樂劇。

若要問這部戲有什麼能夠挑剔之處，我想是上半場轉下半場的做菜節目時，有什麼方法能夠讓這個轉場再更流暢，而不只是利用影片帶過這個大換景的轉場。

演出場地：松山文創園區 LAB創意實驗室

在「賣場」裡「游泳」？這簡直讓我不敢置信，編舞家竟有如此大的創意想像。然而，在如此小的空間內，要如何展開編舞家的狂想？觀眾的座位繞在舞台周遭，舞台上貼有六個顏色的水道，舞者接連而出，接下來聽到賣場內食品一一的被讀出（是Google小姐吧？)，舞著跟著讀出的物品開始起舞。

最有趣的是，編舞家將過去行動藝術創作者的「包鮮膜包人」的元素，用進了《賣》這支舞當中，舞者利用保鮮膜作為舞蹈之間的介質，讓人感到非常的新鮮有趣。但稍稍覺得可惜的是，賣場裡只有食品、購物、人與人之間的關係、性別、賣場精神（其實已經夠新鮮有趣了），如果可以讓賣場有更大的想像，諸如家電甚至其他產品的多元介入，賣場裡頭人與人之間的關係運用更多肢體進行的深化，或許會有更大的發展空間。

最後，我也期待這支舞能夠被延伸得更長，且更豐富。肢體部分可能稍稍因場地的窄小而無法有更好的伸展（結尾部分可能也得小心，沒有結束感），但今天的演出構想和舞者的表現都讓我感到非常的驚豔且特別。

演出場地：小路上藝文空間

此劇以張愛玲的《傾城之戀》為本，台詞也繞著張愛玲的小說文字。導演特別的剪裁，將張愛玲的文字，幻化作《傾城之戀的生存之道》，讓八位演員皆在不同場次中，分飾白流蘇與范柳原，也擔任其他如「聲音」，或小說中其他匆匆逝去的配角。

此外，舞台也非常特殊，除了接近觀眾的三角形區塊外，果酒禮堂的鏡框舞台、劇場外的迴廊等，也利用舞台上佈景，改變了演出的空間，不得不說導演的調度是非常有創意的。

然而，在這些創意上仍有無法克服，甚至不知所云之處。在劇場內與場外，來來回回的開門聲實在讓人容易出戲，且在白、范兩人的對白時，其他人在窗外來回的走動，或是鏡框舞台上的幾段呈現也讓我無法領略一二。又，在打破鏡框後，又回到鏡框的用意為何？調度雖具創意靈活，但卻得三思其調度的意義。

再者，張愛玲的小說文字充滿海派特色的語言，但未經修改，便成為演員口中的台詞，然而，這群演員又是否能夠駕馭這濃厚的海派特色及其語言的韻味？若以「生存之道」作為其改編的中心目的，又以文本作為台詞，語言即是無法輕易跳過的重點。或許是因為年輕，也可能因為緊張，今天的演出場次台詞過於閃爍，台詞間找不到拋接，甚至讓我無法聽清楚演員正在說些什麼。音樂、音效掩蓋過人聲，開場時所唱的歌，即是最好的例子。在紛亂雜沓的台詞此起彼落的同時，主key絕對不能被搶走，這勢必是這個演出必須要重新調整之處。

演出場地：華山1914文創園區 果酒禮堂

七點半一到，一名披頭散髮身著白衣的女子站在樓梯口呢喃，之後，女子便被二黑衣人強行拖進房間裡，戲便這麼開始。跟隨著黑衣女子的引領，五位觀眾一同走上樓梯之後，進入了第一個房間。樓梯口那名白衣女子昏睡在椅子上，牆上站著三位誦經者，氣氛相當詭譎，令人發毛。戲開始在一陣經文誦念後，灑下了彩色的紙片（印有梵經文的），白衣女子便醒來，女子的手上包覆著疑似割腕的傷口，在一震驚嚇與錯愕之中，她看見了牆上的照片、地圖、信封，打開了門走了出去，黑衣女子也領著觀眾，展開了每個房間的罪業之旅。

節目冊中寫著，整齣戲是由「人性」延伸到「七宗罪」，再從罪業走向「輪迴」。分別在三個房間裡，呈現了「傲慢」、「忌妒」、「暴怒」、「貪食」、「貪婪」、「淫慾」、六種罪業（是否少了一種罪業的呈現？）。在這六種罪業的呈現中，利用破碎的動作，重複著抓癢、蹲下、亂走、撕破保麗龍等極度焦慮的行為表現，甚至在「貪食」中，讓西裝筆挺的人，用自己的嘴榨出檸檬汁，又將杯中酸澀又混含著口水的檸檬汁喝下。導演詮釋出滿是痛苦圖像以表現這幾種罪業，呈現罪業的演員們有如「苦行僧侶」一般。本應該是天主教教義中所提出的罪業，卻有種進入佛教十八層地獄的受罪情狀，或許西方教義中的罪業，在佛家中，也有不謀而合之處，故在這個呈現上，並沒有那麼突兀，而在「罪業」的呈現上，多過於探討罪業，是較為可惜之處。女子在第一間房間裡，看著前面罪業的呈現，似乎有逼視之感，增添了「罰」的意涵，但可惜的是，這名女子並未參加全程，替他走完全程的仍舊是台下的觀眾。

然這些，像是在告訴我們，身負罪業之人，必遭此「輪迴」的痛苦，而方才經歷的房間，就像是萬劫不復的輪迴，讓那些負罪之人繼續承受著。然而，名為《寂滅》，又何來「寂滅」？生就是一種苦，負了罪而無從解脫，似乎與佛家的救贖，又背道而馳了。若說此劇與哪個宗教觀相近，我想說的是沒有，編劇導演在這些罪業裡看到的不過是生的苦，人生即是「七宗罪」也是「貪嗔癡」的寫實場景。最後，整體而言，戲的呈現持一詭譎氛圍，呈現手法新鮮，對於空間的運用也十分特別，但有一點或許是該注意的：要小心不要踩死竹節蟲。

演出場地：寶藏巖國際藝術村 9-13號

在看這部戲之前（看了劇名），有兩個想法：一、劇名聳動。是為了吸引觀眾？二、不太明白這齣戲可能是如何的樣貌。直接來講，就是對這部戲有種期待：或許可能是部前衛、突破的戲。剛走進劇場時，我對於不斷播放的音樂感到好奇，歌曲簡單容易唱，過了不久，我也會簡單的哼了幾句。細聽歌詞，詞中有「天堂」、「幸福」、「愛」不免讓我想到這部戲是否可能與宗教有關？

《作》劇的劇本主要意旨在於談「愛」，卻牢牢的被「愛」給綑綁得透不過氣。利用主持節目的方式，與安排好的來賓進行問答，為了揭發來賓在過去的「罪業」（？）。然而這些，原來是正龍因為「小琪」的死，而計畫將那些曾經冷眼旁觀的人一一揪出，並撕毀他們「虛偽」的表面。但，這些人的私人情感，又怎能被如此惡狠狠地詰問？然而詰問的用意為何？是否與劇情能銜接的上？又是否合理？

劇中的Angel因為被傷害而傷人，作家歐巴因被看不起而有了控制欲。這些情感的挫折，在《作》劇中被看作是一種復仇，人物的內心黑暗無比。然而，劇作家對於「愛」的理解，就僅止於此？理所當然地，愛能夠被討論，但，愛被用如此不堪的方式被揭露，甚至是迫使人承認自己的「罪」的同時，二元的思維便形成，探討便落於俗套，既給定意義，那又何需論證？

再者，最後影片讓整部戲的脈絡更顯不合理，巴歐原來是荒謬的將人衝撞入水的駕駛？（我想除非撞飛吧，不然掉進水裡的機會很小，明凱正龍吵架，小琪又怎麼會站在那麼遠的地方？）明凱吵架吵到一半跑去救人，正龍若只是傻站在一旁的旁觀者，又何來的復仇動機？甚至說與明凱又有何干？天馬行空或許是創作所必需的，但劇情前後的合理性更是應該被關照的重點。如何作「愛」，我想，並沒有標準答案的。如果將劇情再合理化，並直接的從故事的源頭中（Angel的見死不救？歐巴肇事逃逸？等）進行深化，減省掉不必要的私人情感的詰問，或許會有另一種風貌也說不定？

演出場地：牯嶺街小劇場

首先，從劇本討論起，劇情從「家」出發。然而，不時的岔出的「同婚議題」、「多元成家」、「都市更新」等社會事件穿插其中，這不能說與「家」毫無關係，只是，以懷舊、家人情感的探討為主線的《家》劇，中間又岔出其它延伸的議題，是否過於分散主題？若將劇情集中在所關注的主題，結構將更佳。再者，演員在《家》劇中，表現的令人驚艷，雖有時會有台詞說得太快，而產生含糊、吃螺絲的問題，但演員的肢體表現與角色情緒的呈現，十分的動人，很值得鼓勵！最後，場地運用稍嫌可惜，舞台燈光都中規中矩，場地雖小，但或許有更多的利用方式，若不全然用背台的方式觀看牆上的老照片、說著往事，又有什麼樣的布置、編排方式呢？這是劇組必須再深思的問題。

演出場地：穆勒藝文