<傾城之戀的生存之道>，是以張愛玲<傾城之戀>的白流蘇與范柳原為故事主軸，透過編劇重新拆解拼湊再重現一個『人人都是白流蘇與范柳原』的故事。

此劇在果酒二樓的空間演出，把原先高起的鏡框式舞台當成樓上，閣樓等，原先觀眾席地面的一部分為主要舞台，窗戶與走廊也善加利用，觀眾席有點不對稱的接近三面式，空間的使用分割，再加上『人人（男演員）都是范柳原，人人（女演員）都是白流蘇』的全白服裝，演員動線安排與燈光營造，整齣戲的空間設計讓觀眾得以對場景有很大的想像空間。

透過幾段故事的解構，以不同方式呈現（電視節目場景，打籃球的自說自話，往香港的船上），一段一段地把故事漫漫拼湊出來，每段都有幾句台詞非常的動人與深切（現場沒有做筆記，所以無法舉例><），將該段做很「意境」的小結。越接近尾聲的時候，我突然驚覺『人人都是白流蘇，人人都是范柳原』，不是<傾城之戀>的故事由他們說出，是他們創造出了白流蘇與范柳原。

整場演出，在演員的台詞，聲量以及音響效果及擴音的使用上，有點讓人困惑。演員還是有很多台詞說的不清楚，黏在一起，所以很多也聽不清楚。在果酒不算大的場地，演員都戴了mini mic, 但有時候卻沒有擴音效果。雖有些迴音或重疊的效果，但演員真聲與電音（透過音響擴音）的轉換關係，不太確定是怎麼了？！

演出場地：華山1914文創園區 果酒禮堂

先說說當初會選這齣戲的理由吧。如果只是搬演《傾城之戀》，我可能不會選。但劇名多了「的生存之道」這幾個字，再加上看到節目介紹文字有「當島國崩壞之際，他們又該如何尋找自己的立足之地？」，以及「試圖尋找屬於這個世代的傾城之戀。」這倒引起我好奇了，「島國」及「這個世代」讓我期待會看到一齣將原著改編，時空拉到當下的台灣社會，呈現在島國紛亂、即將傾城之際的男女求愛求生存之道。

但是，在戲開始不久，我就發現我錯了，這一切都是文宣太美以致於讓我有太多想像與期待。這齣戲，它就是在演原著故事，依舊是上海、香港的故事（香港不稱為島國喔！沒得凹），除了演員服裝現代化，以及有兩段情節分別以「來電五十」般的交友節目與男女籃球鬥牛的現代情節來呈現之外，它就是范柳原及白流蘇的故事。於是它一點兒都無法讓期待看到新詮釋的我得到共鳴。

撇開因錯誤預期而帶來的失落，回到搬演這個經典文學來說吧。的確上述的兩段現代化情節有些新意，讓白流蘇在佈滿線的迷宮中糾纏或是緩步點燈、滅燈也具有新意，但總覺得一切沒有入味。自我檢討後，我認為這是個人偏好問題啦，因為我超級不喜歡一齣戲有很大比例是以張愛玲小說文字讀劇的方式呈現，主角很少是以第一人稱對話，群戲時採取唸一堆旁白說明，主角也有很多時間在唸該角色內心話OS（難道大家已經習慣有線電視八點檔的OS演法嗎？）。我的標準是如果閉上眼睛用聽的，也沒有錯失什麼精采的演員表情動作及走位，那不是就變成廣播劇了。

當眾演員在開頭及結尾齊聲唸出：「我們都是白流蘇，白流蘇都是我們，我們都是范柳原，范柳原都是我們」，這句對白還真的是意指演員們們會輪流扮演這兩個角色，或在場上齊聲唸相同對白，但無法讓我透過情節感受到被指著鼻子說：「你也是白流蘇，你也是范柳原，你們大家都一樣」。好的，完全又是我想太多，竟期待看到如同林奕華的戲能直指每個人心中隱藏的包法利夫人或紅娘般，能看到這個演出詮釋為何我們人人都是在島國傾城之際的范先生或白小姐。

結論是：觀眾會依文宣及自我看戲經驗來預期可以看到什麼，跟預期落差太大時，心心就會神隱了。這倒底是誰的問題啊啊啊？？？

演出場地：華山1914文創園區 果酒禮堂

此劇以張愛玲的《傾城之戀》為本，台詞也繞著張愛玲的小說文字。導演特別的剪裁，將張愛玲的文字，幻化作《傾城之戀的生存之道》，讓八位演員皆在不同場次中，分飾白流蘇與范柳原，也擔任其他如「聲音」，或小說中其他匆匆逝去的配角。

此外，舞台也非常特殊，除了接近觀眾的三角形區塊外，果酒禮堂的鏡框舞台、劇場外的迴廊等，也利用舞台上佈景，改變了演出的空間，不得不說導演的調度是非常有創意的。

然而，在這些創意上仍有無法克服，甚至不知所云之處。在劇場內與場外，來來回回的開門聲實在讓人容易出戲，且在白、范兩人的對白時，其他人在窗外來回的走動，或是鏡框舞台上的幾段呈現也讓我無法領略一二。又，在打破鏡框後，又回到鏡框的用意為何？調度雖具創意靈活，但卻得三思其調度的意義。

再者，張愛玲的小說文字充滿海派特色的語言，但未經修改，便成為演員口中的台詞，然而，這群演員又是否能夠駕馭這濃厚的海派特色及其語言的韻味？若以「生存之道」作為其改編的中心目的，又以文本作為台詞，語言即是無法輕易跳過的重點。或許是因為年輕，也可能因為緊張，今天的演出場次台詞過於閃爍，台詞間找不到拋接，甚至讓我無法聽清楚演員正在說些什麼。音樂、音效掩蓋過人聲，開場時所唱的歌，即是最好的例子。在紛亂雜沓的台詞此起彼落的同時，主key絕對不能被搶走，這勢必是這個演出必須要重新調整之處。

演出場地：華山1914文創園區 果酒禮堂

90分鐘的戲，濃縮了1940年代，白流蘇與范柳原自上海相識、相戀，最後於解放後的香港結婚、定居的傾城戀曲。八位演員，分為四對男女，分別扮演不同人生階段的范與白，除了相當程度分擔演員壓力，也因選角適切，得以營造出各段所需的氛圍。

一進場，果酒禮堂原有的鏡框台上擺置著四個長方型鏡框及五座立燈，交錯間，與立燈間延掛著的繩索組成了都會印象：鏡框成了大樓，繩索成了綿延交錯的電線，立燈則讓我想到了上海的外灘公園。

這也的確是很重畫面的一齣戲，不管是既有舞台上演員與繩索、鏡框的互動，還是切割成三角區塊的表演空間裡，空椅與自台上搬下的鏡框組合，抑或是演員在廊道、三角區、鏡框台三處之間的走位調度，都顯見編導王顥燁充份利用空間的企圖心，展現相當功力。

不過，劇本方面卻給了演員相當大的挑戰。

張愛玲的文字，轉化成一段又一段的獨白，再加上割捨不了那些文字描述雖迷人卻難以重現的場景，於是演員除了顧好范、白兩位主角的心境轉變，也要兼任旁白和扮演許多為了營造氛圍而生的功能性角色。舞台畫面輔以話語，有時是能更具詩意，更撼動人心，但若是主從失衡，或是因為割捨不了文字而讓演出段落過長，畫面該有的張力也很有可能因此失焦，只能靠演員盡力為之。

另外，劇中有兩段創意發想，一是以現代交友節目的橋段呈現范、白初識場景，二是以男女對打籃球來詮釋范、白二人之間的情愛交鋒。前者雖有趣，但節目主題顯然只與范白二人的背景搭上邊，前面多安排的兩組男女來賓卻未能扣題發想，流於插科打諢之輩。後者的節奏可再明快，籃球意象雖顯，拍打聲還是對演員聲音造成干擾。

演員部份，張文易的表現最為亮眼，除了老態模擬尚待更多細節建立之外，與另一名演員鍾錦樑對戲的段落，張力、情感之動人令人讚賞。余子嫣跟許照慈各有所長。余的音量偏小，但詮釋起一開始略顯怯弱、後來勇敢求愛，以及戰後決定於范柳原攜手一生的白流蘇，顯得絲絲入扣，惹人憐惜。許照慈放得很開，音量夠大，聲音特質也合乎所詮釋的人生階段，但遇到該收之處顯得有些無所適從，尤其是其中一段只能靠肢體表達，令人捏把冷汗。曾思瑜的表現其實也很穩，但因為所負責的段落亮度不顯，放不若張、許，心痛處又稍遜於余，有些可惜。

男演員們大多在咬字和情感呈現上還有進步空間。鍾錦樑的狀況最好，台詞層次有拉出來，遇張文易對戲的張力非一人之力可達成，而是能看到兩人丟接球的默契，以及對彼此的愛。張翰祥跟詹鈞程的咬字進步空間較大，尤其張的台詞較多，雖情感面表現亮眼，咬字仍造成觀眾聽覺上的些許窒礙。吳原標前段表現尚可，咬字問題不大，直到飾演戰後范柳原的段落才較有發揮之處，也的確能把握機會扳回一城，留下印象。

這的確還不算是一齣成熟的戲，尤其是劇本編寫的部份，但導演的調度功力令人驚豔，演員們也都盡其所能去消化台詞，去體會那已超過一甲子的時代悲歡，去表現「我們都是范柳原/白流蘇，范柳原/白流蘇都是我們」的真摯情感。儘管還有許多可改進之處，但那份想把故事說好作足的心意與熱情，仍給了我一個難忘的夜晚，也讓我回家後情不自禁再讀了一遍傾城之戀，回味那曾有的悸動。

演出場地：華山1914文創園區 果酒禮堂

像DM上的那隻手，欲望在五指張開又向內微彎的虛空中流轉，關於愛情的欲望，永恆的教人迷戀。
那隻手同時也指著白流蘇，向她發射社會對女性的感情管理與婚姻期待，所以我們聽到其他的白流蘇對白流蘇說:「得不到異性的愛，就得不到同性的尊重」
導演的手法很有趣，他在場上放置一群白流蘇與范柳原，他們以第三人稱的方式說述彼此的景況與事情發展，卻用第一人稱的方式交談。這種像是在說著他人故事然而卻是在說明自己故事的方式正呼應他們多次對觀眾說:「我們都是白流蘇，白流蘇就是我們..........」
每組演員外貌不同，性格不同，卻同樣都是白流蘇與范柳原這件事，是導演意圖指出個體在社會漩渦中尋求生存時的追尋與相同困境。他們的故事不只是他們的，也是我們的。
在劇末，白流蘇終於得到她的婚姻，她的台詞卻是「然而，流蘇還是有一點點惆悵。」所以這個終點不是終點，戲會一直走下去。
然而，個體在這個漩渦中果真會擺出相同的姿勢嗎?

演出場地：華山1914文創園區 果酒禮堂