音樂劇的基本概念，是建立在迷人的劇情跌宕之中，搭配導演詮釋的情緒高低，而將原本應該是臺詞的部份，注入音樂性，將當下情境的氛圍，改成歌詞，用唱的來演。

唱的，可以輔助觀眾更加快速進入劇情流轉，因為旋律的氛圍，是營造戲劇動作最快速而令人動容的妙方。音樂劇不是演唱會，所以有個關鍵點就是，我們不是來聽中國好聲音，不是來按鈴轉身決定唱功美不美。我們是來看，導演（及演員）有沒有利用音樂，來表達說故事的能力。

劇名就叫《深夜小酒館》，開宗名義告訴我們這是小酒館的live秀表演形式，導演以五位演員們各自擅長不一的solo形式來表達，五個人五段生命故事，有的詼諧、有的沈重，但關鍵在於人人都誠懇，面對著幾乎是站在觀眾面前的近距離表演挑戰，五人都咬著牙將這個難關吃下來。

身為一名表演者，我實在相當佩服，要與觀眾「一直保持互動」的「非即興表演」是多麼的艱鉅，尤其當站在離觀眾這麼近的面前，並不只是「物理距離」而是「心靈對話」時，那是有多麼多麼腿軟的表演技法。真地是要飲過這瓢水，才知冷暖多麼不易。

但五位初生之犢的新演員，表現得卻是相當可圈可點。

臺詞有時會卡住，偶爾會笑場，歌聲不太穩，pitch有點難抓，但五位演員都是強悍地站在你的面前，告訴你這些都不算什麼，我們是深夜小酒館，一如黃小琥的live秀偶爾唱錯詞都合情合理。

五段故事並不是每個人都有頭有尾，但平均一人10分鐘的自主段落，我相信創作者並沒有要讓觀眾知道五段曠世史詩的來龍去脈，他們很清楚solo live show的得分點，就是要在段落裡準準地將觀眾的注目抓牢，來聽我的誠懇，來聽我的娓娓，來聽這一個段落的感動是什麼元素，只要觀眾願意探頭看看究竟，solo就成功了。

我第一次覺得瑕不掩瑜是這麼漂亮的高策略，以藝穗節的創作精神來看，這個作品的完成度竟是這麼地令人高度期許。倘若這五個演員換成線上表演技巧超級精湛的大腕來演，我想這個創作就不成立了，因為即使歌聲再優美，就算臺詞再精準，甚至表演無懈可擊，但一旦不是這五個人，那麼這個《深夜小酒館》的整個本，就失去意義了；五顆星滿分也會瞬間變成四顆星。

正因是這五個人的表演質地，純粹真實誠懇而完全不矯情，所以立意成功而大放異彩。

演出場地：Solo Singer Life

以高中生年紀來說，環節、技法、誠意，都顧慮了，也涉及了。
如果是單純的高中戲劇社期末公演，那麼四顆星星，可圈可點。

但，這是藝穗節的創作平臺，檢視的標準自然要普羅大眾些，於是許多環節還可以再更精細。

表演上來說，除了孩提時期的部分，演員以「兒童劇的聲音」來試圖貼近角色當時的原貌，讓觀眾有看見「角色處理」的力度，但長大之後的其他part，卻不見表演層次上的分別。

這個劇本考驗的不是演員的聲音或外型轉換，而是生命歷練從十歲走到四十歲的轉變與呈現。心不一樣，表演自然不一樣；而心的不一樣，往往倚賴的是演員的生命歷練。

難為了兩位高中生年紀的新演員，這個劇本是給中年人演的，其實。

舞臺調度處理上則有著意義不明的框架，男女演員都會在中間過程裡不時地踏出圍成方圈的竹枝，但踏出去與踩進來的差別在哪裡？呈現上看不出來。

這麼重要的書信，道具上卻只是用一只非常普通的箱子來裝，貴重性馬上落漆。
灑在地板上的信們，仔細一看，根本不是信啊，只是一堆廢紙哩！這這這…這麼重要的關鍵性道具—信，應該要好好處理的啦！

以及果酒禮堂有著天然的小舞臺，但呈現上並沒有使用到它，實在可惜。不同的場地設計出不同的呈現方式，我想是藝穗節的基礎精神，也會讓這個歷年來演了三萬遍有餘的作品更加有趣。

演出場地：華山1914文創園區 果酒禮堂

傅凱羚的劇本精湛，獲獎的實力有目共睹。這次的演出，憑著劇作家的高知名度，朝聖的心情雀躍雀躍。劇本本身相當優異，技法與寓意都令人歎為觀止，但老實說劇本並不是為了藝穗節而新創，掌聲我們就留給臺灣文學獎。

演出的地點在北投小咖啡館，劇情上的使用其實相當違和，因為它就是個咖啡館，氣氛的營造很古怪，不像房間，也不像套房，整齣劇在演的時候，我眼中看到的，它就是個附有廁所和吧台的咖啡館。所以寫實基調上來說，我覺得女演員飾演的角色，其實是住在咖啡館裡，更加古怪了，對吧？

那為什麼會這樣呢？因為導演並沒有擅用這座咖啡館所富有的各項環境硬體符號來創作新的時空調度，而只是單純地將它佈置成一般的房間，包含走位、面向、舞臺擺置，都還是以一般的單面式劇場形式來處理。那麼，整齣劇就算移到一般的牯嶺街小劇場或是黑盒子實驗劇場搬演，不也是可以的嗎？

的確，因為劇作家的文本，就是為了黑盒子而寫的。

所以導演並沒有因為咖啡廳的特殊人文地景，而做因地制宜的修正，讓整齣劇形式上比較像是「臺灣文學獎入圍作品讀劇發表會」，而不是藝穗節的導演作品了。

整齣劇都是兩位演員的競技場，女演員的前後層次翻轉挑戰，寫實情緒在收與放之間的精彩游移，都是這齣劇的亮點。但女演員的口條有著濃濃化不開的舞臺腔，卻偏偏有著相當精細的寫實層次功法，矛盾的呈現方式，導致觀眾雖然可以因為女演員高能量的撲簌簌眼淚而倒抽一口氣，實際上卻很難有所共鳴。因為舞臺很小，投射其實可以再更縮小，包含表情的堆疊、習慣性拉長的嘴角、五官的應用、聲音的共鳴，這些都可以再更鬆更鬆。以此齣劇的形式與演出空間而言，忘記表演，表演才能在這個近距離的咖啡廳成立。（但若是在黑盒子劇場，那麼又是另當別論）

男演員的詮釋則是令人好生為難。警察通篇一律的吊兒郎當實在相當平板，2D的單一演法搭配女演員寫實翻天的起伏設定，兩個人的表演不在同一個象限裡，觀眾看得吃力，演員對戲得也辛苦。明明舞臺上是兩個人的戲，看起來像是兩個SOLO的隔空交戰，以一種後現代的拼貼手法詮釋在借住小酒館的女主人家裡。

但劇作家應該不是這個意思啦嗚嗚嗚。

演出場地：Solo Singer Life

與其說場地選得很好，不如說就是為這個場地而量身定做，或者說燈光、投影的效果努力地把空間經營得很好。

兩面白色的去背牆。觀眾進場時已經有一名表演者手持手電筒，讓光照在自己身上，像是用光在撫摸自己。暗場後表演開始，臺上已有三位舞者，那名持著手電筒的表演者以光來環視整個空間與舞者，試著與剛剛「用光撫摸身體」的表現動作做連結。表演者下臺後，三位舞者賣力地隨著音樂舞動。特別是在這種腳踏板的地方呈圓弧狀的去背牆上打光，加上噴霧效果，濃厚色彩的調度，讓整個空間營造出一種無邊無際、似近又遠、如夢似幻的奇妙氛圍。三位舞者告一小段落之後，表演者再度出現，做一些較偏戲劇的演出，舞者只是微配合。接著又是一段熱舞。

是否舞者與表演者身體的差異，所以導演或編舞者較難拼貼兩者？果然在下一段舞蹈告一小段落之後，兩組人馬開始更多交流，問題便出現了。剛剛才在熱舞的各位，在與表演者對戲時，就沒有了剛剛跳舞時的流暢奔放，而開始彆扭了起來。於是觀眾只好心理設定回「好吧，舞者只是舞者，別再要求要有演員的質感了。戲劇演員只是擔任過場時的預備，讓舞者休息用的。」

雖然這個舞作設定為愛的「曝光」，但持續地使用閃光燈一閃一閃一閃一閃一閃一閃，觀眾後來就皺著眉，然後就閉上眼睛了。

投影加了分，可以再更多利用圓弧沒角的牆，讓投影四角的方邊做更多淡化或是無邊際的處理就更完美了。燈光相當厲害， 燈光設計有了決定性的分數。

演出場地：HAUS Studio

兩名外國人，身穿日式浴衣（一般外國人都覺得浴衣就是和服，其實不是喔！），口操英文講著日本的故事。

場地是在一個被掏空的臺灣小廟，這一切令人感覺很拼貼或是跨領域，但是當空間與物件沒有被好好的處理運用之下，所以的物件就會流於隨便。比如說龍柱竟然成了只是被用來掛斗笠的衣架...這會讓人很想開一個活動：一句話惹毛東方人大賽。「你們東方人不都是單眼皮嗎？」「你們東方人的廟不是都長一樣嗎？」

臺灣人的濫情通常會回應著：「哎，算了啦，遠來是客呀。」

但是，遠來的人客呀，你們說的那麼落落長的英文臺詞竟然沒有任何字幕，理解上真的有困難，包含民情、包含慣用語法。難道真地是「誰叫你英文這麼差，加油，好嗎？」讓我們消化掉這一切嗎？節目單上沒有說明啊...

以演出形式來看，觀眾進場時演員已在舞臺上，隨意走動、喝水、整理道具，然後開始演出時便把原本脫去一邊的袖子套回去，以此手法暗示觀眾如何分辨「戲裡還是戲外」的遊戲規則。但因為表演者在身體與語言的詮釋上並沒有太大差別，所以感覺只是圖一個「方便」的手法，視覺效果上並不特別。

值得一提的是，戲中有一段兩人躲雨的場景，音效是下雨聲。但躲雨的戲結束之後，劇場外真地下起了傾盆大雨，屋外的雨聲磅礡，令觀眾起初都以為是音效再起，但卻不見場中演員做剛剛躲雨的戲劇動作，於是大家紛紛分心地四處張望看看場外是否真地下起了雨，雨勢甚至大到演員必須有意識地要把聲量拉高。

戲外戲的現實意外，讓剛剛躲雨的情景，及場外真地下雨時場上的戲，都糊在一起了。無法控制的技術慘況，但著實影響了。

戲中唯一精彩之處，是一名演員被鬼附身時「不停打鼓」的設計，此時不論是燈光、音效、演員的專注力都相當精準，電扇在此時剛好吹起演員的衣角，一切技術配合得極佳，一時間雞皮疙瘩四起。一個擁有115年歷史的劇團招牌，在這一刻總算沒有掉下來。

演出場地：微遠虎山

瑕不掩瑜的喜劇作品。

喜劇的關鍵在於節奏，導演在畫面上的調度相當飽滿而成功，藉由敘事的流暢與停頓來傳達每個橋段的抑揚頓挫，相當高竿。但人物在「場面話與內心話」的切換上，應該需要其他的技術輔助來支援，例如燈光或音效或演員的小動作，目前只靠表演者「冷不防地」單純定格POSE來表現，稍顯不明。

劇本對於直銷議題的「社會現象」搜尋得相當徹底，展現在人物對白與臺詞間的直銷手法慣用語言，都不禁讓觀眾會心一笑。但目前僅止於「現象」的描繪，至於現象的背後，並未太深入。演出時間有限，我們只讀到劇作家對於直銷所帶來的醜陋與悲哀：「我又窮又慘所以我做直銷，我做直銷所以我又窮又慘」，因此編劇手法的技術高竿，但迴響不厚實。

飾演直銷小姐的女演員實在相當精湛，口條清晰，投射明確，歌聲的強弱掌握都在情緒裡，尤其是對於臺詞的各種轉折與層次的堆疊，都相當成功而令人信服。令人拍案叫絕的部份是，她以「極為自然的說話方式」來傳達這個角色的笑哏與導演需要的效果，擅用節奏與停頓，讓人目不轉睛。不刻意模仿、不大呼小叫、不擠眉弄眼，表演舞臺實在太殘酷，即使主戲不在她身上，我都在期待她會有什麼樣的反應，太精彩了。

演出場地：索引文創

這個...這個...這個演員實在是，離觀眾太近了啦，我就坐在第一排，連演員的褲頭脫線我都看到了，當他們一起立就站在我腳跟前高唱的時候，我...我真地很sorry...我抬頭只看到鼻頭...

比較重要的關鍵是，該團體以往都是「音樂中的音樂」一百分，哎喲威呀怎麼今年申請了「其他」類呢？看完演出後發現，這不是「其他」類啊，這活脫脫就是個音樂劇啊，是「戲劇」類或「歌舞劇」類啊！

OK，該團體最棒棒的是他們的音樂，但今年卻選擇了「全程」讓樂團藏在白色投影幕之後...ㄟˊ？演出單位是寫著「樂團」的呀，怎麼會把主角都埋起來了呢？

好吧，那站在前線的是誰？是歌手們。但，歌手們今年不只是唱歌喔，唱歌之餘的基本模式是，要用演戲的。是的，邊演邊唱，所以怎麼看都是「音樂劇」的呀。

好，那既然是要用演的，表演者的「表演」就會被觀眾要求與檢視，可是，臺上演員一字排開，只有蘇瓦那演得絲絲入扣，對比其他人對「表演」的不熟悉，我實在很抱歉我就是一直不自覺地出戲然後就不小心看到演員的褲頭脫線了...

以及以及，既然是音樂劇那唱出來的歌詞就必須要與劇情有關嘛！但好多歌的歌詞與當下劇情裡的「喜怒哀樂」實在扯不上關係。例如：阿美歌謠的吟唱，居然運用在「你生氣了？你小心一點！我才不怕你呢！咱們走著瞧！」的兩方人馬對峙橋段。這...這...那把此時的「阿美族歌謠」換成張惠妹的解脫，不也是可以嗎...

可是，處處都看得出來，團隊對這一次演出的用心與經營，包含道具、投影、服裝、走位、舞蹈。但，怎會這樣啦？把「很厲害」的部份往後擺，把「有點糗」的部分往前挪，這這這...是打算做什麼革命性的突破是嗎？

最後我一定要說，那個拿著月光仙子小棒棒的女護士，唱歌實在是太突兀了。她紮紮實實地活在自己的世界裡，毫無畏懼也沒在客氣，她用盡一身的愛來詮釋每一個嘴型，但左右邊的演員都沒有要呼應她的意思，與她一起對戲的男女演員都用一種「好了啦妳不要這樣...」的表情應對，搞得觀眾看著這麼投入的她，覺得這個世界好滄桑...誰？你們誰行行好，去跟她一起放大嘴型睇大唱，好嗎？

演出場地：Woolloomooloo Xhibit

創作立意相當完整，以「教育環境」的現況對比「受教者」與「施教者」的衝突，相當漂亮的勾勒。

劇情前後呼應，一開始對問題孩童的指責與不解，到劇末發現問題孩童與自己內心的現實重疊時，不止演員衝擊，觀眾也倒抽一口氣。

導演在畫面調度與節奏的流暢，相當使了力，可以看見處處在經營「文本如何表現」的用心。

成功地運用了穆勒咖啡館的環境空間，縱深的舞臺形式在最後黑幕拉開的瞬間，合情合理地讓觀眾不寒而慄。

角色變化多元且形象分明，各種不同的小朋友、各種不同的配角與主角，形態、聲音、肢體，都相當有誠意地做出了區隔。

女演員的聲音具有自然真實的現場感，不矯揉、不造作，但飽滿尚缺，音量與投射都稍顯吃力。

只是場上直接活烤了一隻秋刀魚，魚腥味瀰漫。
詮釋上想問，難道一定要用此招嗎？
情理上想說，應該可以不用此招吧...
不然下回有人要在場上直接殺一頭牛，也就冠冕堂皇了。

演出場地：穆勒藝文

影像與演員肢體動作的設計與結合，相當精密與成功，是該團體最大的特色，並且也以此「元素」作為招牌，持續研發創新。去年在水電咖啡館的精彩表現，給了滿分的歷歷在目，讓我相當期待這一次「正式劇場形式」的演出。但看完了今晚的表演之後，卻有悵然若失的遺憾。牯嶺街小劇場的舞臺特殊模式，並沒有被好好利用，換句話說今晚的內容若是在去年的水電咖啡館演出，也並無不可。

今年在「劇情」上更加著重了角色與人物之間的關係，強調在小平凡中的不平凡，但因為「劇情」既然被考量了，而不只是單純的舞作，那麼「戲劇元素」的運用就一定會被觀眾拿來檢視。因為舞蹈的精湛與否，已經遠遠地被擱在後頭了，創作者已經將「劇情之於影像」的人體穿梭與互動，拿來當成了重點。偏偏這是歸類在「舞蹈」類呀，是不是就...悵然若失的遺憾了...

演出場地：牯嶺街小劇場

第一首曲子音樂一出，我眼眶就紅了。表演藝術追求的實在不是舞臺上的技藝或造詣到底有多精湛，而是表演者在面對這座舞臺時，心中對於「表演」二字的誠懇與誠意。這群自閉症程度不一的孩子們，在先天條件上有太多限制，但特教老師們的愛心與指導，卻讓他們站在「與一般社會大眾有著同樣觀賞與審視標準」的藝穗節舞臺上，如此不可思議，卻又如此充滿驚奇。

舞臺上沒有譁眾取寵的劇場元素，就是「站著吹直笛」，認真地吹，一首接著一首，有些甚至是快節奏的高難度曲子。音色不美、和音不齊，但卻擁有了今天晚上的最熱烈掌聲。他們並沒有因為先天的殘缺而打折了「對表演的付出」，他們成功地征服了臺下每一位支持者的眼睛。

今年的場地選在戶外，相當美，整體畫面相當耐人尋味。孩子們努力吹奏的身影，對比著他們身後高樓林立的臺北天龍國，令人格外五味雜陳。高樓裡的每一位汲汲營營也許還在埋怨著生活的大小瑣事，但眼前的孩子們卻堅持地只想努力表演給聽眾，他們只是想告訴我們，音樂多麼美好，人心多麼美好。

演出場地：滴咖啡福州館