三支舞碼企圖以生命中的某些存在為概念串連。《一月二十日》，乾淨的舞臺後方吊著一排日曆，正中央空缺了一塊；接著日曆被一張一張地撕下貼在舞台中央的舞者身上，像是歲月一天一天的堆疊，也像是被時間覆蓋住的我們；其它的舞者將日曆揉成紙球丟向遠方，彷彿想掙脫／逃離日子的束縛般；肢體上也使用像似手指在走路的動作穿插於作品中。

《狹窄的房間》，動作組合多採用低空間或與地板貼近，也帶點接觸即興；因為標題，以為會使用燈光在空間上做出區隔或切割，可惜沒有。《意識共存》，台詞出現的時間點需要和背景音樂配合，樂聲的音量過大常常造成觀眾無法清楚瞭解台詞內容。手語和望遠鏡摸下巴那一套動作之象徵意義，需要更多前後關聯。

既是希望抓住微小／細微的感覺／生命經驗來發展，那就更需要有系統的組織動作語彙，甚至主題重覆變奏再現，使之能一再地被意識到。同時，所有元素的使用皆是為了加乘舞蹈，對於音樂的選擇應更進一步思考身體與之的關係，才能讓音樂創造最好的效果。

演出場地：華山1914文創園區 果酒禮堂

若是人間有天使，我想今晚他們必是乘著音樂的翅膀而來。

他們樂聲中對音樂藝術的真摯與誠懇，早已超越技術上微小的瑕疵而感動聽眾。即使是戴著狐狸彩繪面具，依舊仍能接收到他們熱烈、專注的神情，而隨著音樂韻律而搖擺的身軀是那樣地發自內心，看得出來他們在音樂中的享受是真心且開心的。

和聲豐富的伴奏編配，為每一首樂曲提供穩定／定心的支持，也增添樂曲表現的層次；高音笛、中音笛的分部合奏，則讓筆者對這群孩子彼此傾聽與掌握聲部旋律的能力感到驚豔不已。難以想像這群分別患有不同程度自閉症或罕見疾病的孩子們，用了多少的努力和毅力來克服許許多多的困難，他們的老師與父母又是費了多大的耐心與愛心在指導與陪伴。

這個世界需要天才為我們帶來人類智慧所能達成的極限，同樣也需要平凡人為我們展示人類因為努力所能跨越的框架；這群被上天所祝福的孩子們在今晚用音樂告訴了我們。

演出場地：大稻埕遊艇

一種古老且美麗的說故事方式，說書人一邊翻著立體書一邊化身為各種故事中的角色，讓人彷彿回到聽故事最初的感動。

純白、小巧精緻的立體紙雕創造出簡潔且詩意的想像空間，打上華麗繽紛且縝密靈動的3D動畫投影後，則成了能與演員／說書人互動的角色／場景。好希望有一天能實現成為巨大版的立體書（據說現實是要先有足夠的經費）。

將3D動畫結合劇場的表演形式，不僅揉合了虛與實的手法，也考驗演員與動畫互動的精準度。在此次單人版（一位演員）的「小王子」中，因表演場地的特性，演員與觀眾是非常親密的，因此能更直接且近距離地感受到演員穿梭於飛行員、小王子、玫瑰花、醉鬼、國王、守燈人、地理學家等角色轉換之中的情緒，對於故事情境的吸引力也更高。而這樣的表演狀態正好彌補了立體書無法做更大的困境，使觀眾的注意力不會潰散。

期待製作團隊說出更多美麗細緻的故事。

演出場地：華山1914文創園區 遠流別境書店

整部作品有樂、有舞、有戲，確實是所謂的「樂舞劇」，卻完全看不出彼此之間的關聯性，以及相互加乘的地方。作品整體結構鬆散、七零八落且不知所云；段落與段落之間的轉換沒有任何邏輯可尋；無法突顯人物性格與故事情節的場面調度更是讓作品失去節奏的支撐。

作品以兩個偷兒分別代表光明（女性）與黑暗（男性），而女偷兒為了填補因失去心愛之物而產生的空虛展開尋根之旅（絲路之旅），並在旅途中遇上各種形形色色的人物。然而，這些不同的人物（民族），只是天真且呆板地文化剪貼，缺乏深刻地文化意義上的思辯，以及到底觸發了女偷兒何種的領悟／衝擊，亦無法說明為何選擇絲路作為追尋的旅程。至於男偷兒結尾的現身，更是使人錯愕不已，彷彿是女偷兒精神分裂般，自顧自地對答。 而這場旅途最後到底尋得了什麼，更是讓人毫無頭緒可言。

攤開節目單，每一位樂師皆是專業科班出身，然而在整部作品中卻完全沒有他們發揮的地方。電子合成的背景音樂，完全沒有給出樂師現場演奏的空間，反而使樂師必需假吹、假拉，或者偶爾嗚咽幾聲。不適當的走位，更是完全突顯樂師在肢體上的不協調，讓人不禁質疑現場樂師的必要性以及目的。

更不要說幾近失控的燈光與三不五時爆掉的MIC，除了不時會轉向觀眾的「七彩霓虹燈」，其它的燈光似乎迷路般的找不到舞者、樂師的臉和身體，時常讓他們處在昏暗之中；而爆掉的音響則讓耳朵得不時承受著殘害。所有的劇場元素皆處於分崩離析、無法統合的狀態。

只想問：這檔作品的製作是為何？

演出場地：臺北市青少年發展處三樓演藝廳

莎翁的經典魅力總能讓人一看再看，也期待每一次搬演的不同。

隱藏在巷弄之間的小劇場，在夏日尾巴的夜晚，在半戶外半室內的空間裡上演一場「仲夏夜之夢」。突如其來的暴雨雖讓人不得不提前進入室內觀戲，然而在演員機敏的反應與敬業地冒雨演出下，依舊是愉快的夜晚。

令人驚喜的是，庭中的小葉欖仁樹下意外地適合仙后的寢宮，雨水也讓露珠意外地成為真實。觀眾成為巴先生劇團的一員也讓這在劇中令人發笑的劇團更有笑果。而令人疑惑的是，飾演兩對情侶男性角色的演員服裝，明顯地帶有濃厚的東洋味（包含所謂的匕首），可在整個故事發展中卻看不出其中人物設定的關聯。（其它女性角色的服裝只是較為削弱）

最後，即然名為派對狂歡，那是否應該更加大膽地瘋狂呢。

演出場地：關渡山行巷弄劇場

一踏進，舞者正在眼前隨意地暖身、活動，現場樂手正在即興樂曲，一旁有位畫家端坐在畫布前。嗯～這組合......

生活的面貌，各式各樣；生活的方式，千奇百怪。有人跳著free style，那必有人熱愛swing或電流舞，因為生活囉，隨心所欲點。隨著音樂曲風的轉換，舞者們輪流演繹不用舞蹈風格的身體，中間穿插搭公車、坐捷運、摸牆壁、縫衣服、打包裝箱等生活必需的動作。

而一旁的畫家則不斷地在畫布上塗抹各種顏料，由淺至深，連舞蹈結束謝幕時還在撕著膠帶，但，就在快感到不知所云的問號時，畫作一個翻轉，魔術般地令人驚喜，是一個個的人像！畫作有著老相館照片的質感，加上稻舍的空間與帶點復古味裝扮的舞者們，𣊬間讓人有平行時空的感動。

演出場地：URS329 稻舍

由三位臺灣年輕舞者合編的《銅雀．伎》以大陸舞劇《銅雀伎》為取材基底，將作品分為三段：幽思、悅樂、永訣，並以《相和歌．子衿》一曲貫穿整體架構。企圖以自身的肢體語彙和全新的觀點來重新述說這個關於漢代的故事。

表演團隊巧妙地選擇了微遠虎山這個擁有舊時廟宇遺跡以及高低落差台階的表演場地，為整體作品加分不少。而帶有古裝元素的服裝，揉合轉化古典舞語彙於當代舞蹈動作的肢體語言，入口處從上而下垂掛著的黑線象徵明志的黑髮／永志不渝的情思，確實為觀眾演繹了一場穿越古今的幽情。

然而，身為21世紀的臺灣女性舞者，又是如何看待與思考這千年的故事（故事主角為一名舞伎），當中的困境與抉擇是否與當代女性所處的情境有所連結，而不單單只是一場淒美的愛情悲劇。這部份的思索是作品所匱乏的，卻正是當初文宣品所宣稱的。

另外，具明顯象徵意涵的道具，長黑線（ 黑髮／情思 ），木台子（踏鼓舞）無法在作品中發揮效用也是極可惜的地方。

演出場地：微遠虎山

對於主辦單位想將搖攞舞及其相關的文化特色介紹給大眾的熱情是極為肯定的，給予滿分的。然而，作為「表演」這件事卻是極度不合格的。社交舞的舞會（social）當然可以是一種「表演」的可能，但是，也是需要經過詳細的規劃、設計與安排。

當表演者自身遊走於舞者／觀眾、觀眾／舞者之間，所謂的打破第四面牆也過於簡單而無新意。何況以同屬圈的「表演者們」為主要參與人，說穿了其實是一種變形的party，一種同好聚集會。將「社交舞會搬上遊艇並使其成為表演」這個主意是有好的，但還需高度的執行與細緻的整合能力。表演的形式擁有多元的面貌，期待年輕的舞者們思考出具創意／新意的表演形式，而不囿於傳統的樣貌。

同時，票卷標明開演時間為六點半，可真正的舞會卻開始於八點多；主辦單位雖規劃前面一小時為教學時間，然而讓準時與會的人在雨中的船上等待「表演者們」那麼久，是否不夠貼心？建議若有特殊安排應該在票面或者文宣上面註明，也能使參與者有所準備。

演出場地：大稻埕遊艇

「一人一故事劇場」透過分享與再現故事的過程，將劇場的主導權交給觀眾，期望創造一個安全、舒適的發聲空間。 以「夢」為主題，邀請觀眾分享自己所記得的夢境，再經由主持人對故事的總結和指令，演員們以大合唱、變形合唱、夢的塑像與自由發揮等即興戲劇的手法，即時地回應與再現說故事者的夢境，讓演員與觀眾之間產生連結。

有趣的是，在說故事者口述故事的過程也讓夢的獨有性與私密性被打開，成為得以窺探的通道。而觀眾在聆聽與重現夢境歷程的同時，也在反溯自己生命故事中的尋找／相似，企圖與之共鳴，成為在它者的故事寫自己的心聲，而說故事者則在這個過程中得到抒發。

然而，夢作為理解潛意識心理活動的捷徑，當中必然具有濃厚的個人生活經驗、心理狀態與外在刺激，如何在時間、道具的限制下不單單只是「輕易」地將故事總結，則有待進一步思考。

期待劇團能更深刻的挖掘出夢境背後所隱藏的心理或精神狀態與夢境的思辯，同時帶給觀者更多思考的可能性。也期待劇團能更多元地運用場地空間特性與劇場元素，尤其是音樂，其具有渲染氛圍的能力，可以更勇敢一點使用。

演出場地：納豆劇場