鱷魚大概跟《美女與野獸》的主角相同，需要尋回愛的溫暖，才能蛻下異於常人的外貌，恢復正常。

可以解決問題的，原來是愛情的魔法，這類抒情浪漫的命題，是永遠炒不膩的題材。劇中有很多有趣的角色出現，後半段拿下鱷魚頭套後，一票角色有了不一樣的際遇與命運，在相對短的篇幅裡翻轉了前面的設定，是很精巧有趣的段落。這也就必須要回頭看前面的段落鋪排了什麼？主題很明確與愛情有關，接連進場的幾對人馬，有著各自待解的糾結，但似乎還尚未深挖，挖出愛情的多種面相，多停留在情侶吵架、療癒情傷等直白的場景中，稍嫌可惜了。

以及，在有限的演出條件下，要製造一個「劇中人看不到但觀眾看的到」的角色，想必有非常重要的作用，寧願冒著打破幻象也要存在風險，但這位從頭到尾都存在的神秘人物，似乎他正在扮演謎之聲或是不存在戲劇世界的神奇存在，當然在後段出現時空錯置的時候會恍然大悟，原來想鋪陳的是另一種平行命運的梗，他就是巧弄布局的酒吧老闆，但前面很大一個段落都感覺蠻尷尬的。

以及，場地動線安排的部分，因為我不小心就坐到吧檯前面正中央剛好只有一個人的位置，無論是光區還是動線的便利性，我都很想把我的位置讓給演員，他們就會有個比較自在完整的區塊，以及，不會有一個不小心落坐在場地中央的觀眾。

演出場地：Commander D.

當然，如果要討論這個劇本中，語言所呈現出來的「日常」是誰的日常？那會是另外一大篇。看似繁瑣漫談的對白，但話外音明確緊扣核心，機鋒畢露卻蓄意節制的語言，營造出來的究竟是什麼樣的日常光景？

無論如何，想必與這齣呈現出來的氛圍有所差距。可以感覺演員無法全然吸收台詞，以至於台詞非常平鋪直述的出了口，卻沒有輕重緩急，話語出口只為了營造接下來的轉折，失卻了每一句其實可以被妥善處理的幽微暗潮，在表演上有點可惜了。
場景的部分，也必須去考慮劇本語言如此環環相扣的狀況下，如果要寫實呈現，那必須寫實到什麼程度？護理長身為母親、不斷談論天使與雅各戰鬥場景的護士A，流出醫院實況影像的護士B，在救人使命的「同」之外，也是全然迥異的不同個體，目前的服裝與場景設計，似乎還停在功能性的標誌了病院區域與角色身分，沒有完整的建立這座被封院的病院與其他病院有什麼不同，同理，也看不出來在第一線協助治療傳染病的護士與別的護士有什麼不同之處，更減弱了劇情設定上的危險性，一切的擔心、憂慮都顯得飄忽，失去了可信度，變成反覆冗長的呢喃了。

演出場地：國立臺北教育大學南海藝廊

我可能跟劇組對於荒誕劇的想法差異頗大，透過荒謬喜鬧，是想討論何以人可以被概括成不同種類的標籤類目，還是反而更加重了標籤符號？

劇情狂下猛藥，比如說兩位醫師與其說心理治療師，看上去更像是靈媒、民俗療法治療師，但從他們的話語之中，除了聽到一個滿腦子性、一個只想解放自己，這不是可以是任何人嗎？跟醫師設定有什麼關係？諮商場景無法被說服他們真的對於這項「職業」有什麼了解，以為意圖嘲弄職業、工作與專業間待商榷之處，卻偏偏聽到「你有醫師執照嗎？」這類台詞，似乎十分相信擁有執照似乎就合理、合法性了，但這超不合理的啊！心理治療的療程、星象與自然之力，醫病關係如何取得信任的過程必然有話語的張力與信任感的變化，單就與心理醫生上床這件事，就算他是騙財騙色也要端出可以騙人的面目才會讓人信服吧！明明有這麼多可以討論的題目，完全沒有發揮真的很可惜。

大概只有服務生兩次出場，第一次正經的穿著服務生的衣服，下一次卻不明所以的上衣失蹤只剩圍裙，令人好奇這兩次出場間，到底發生了什麼事情了？還有男主角的同性伴侶Bob的媽媽一直打電話來唱歌，而有比較有趣的胡鬧感，但也因為太過專注要用語言來「吵」，或是太想要吵出個所以然，原本可以產生趣味的地方也就草草收場了。當演員越合理的接收不合理的設定，觀眾或許就更無法進入其中。

在情節處理上不合邏輯的部分，如果都用「荒謬」一言以蔽之，在嘲笑這些角色形象的時候，完全不給他們一點心境上的血肉，純粹用語言堆疊嘲弄嘻笑，沒有辯證的餘裕或意圖顛覆現實社會已然存在的荒謬詭異之處，反而是在已然鞏固的僵化印象上再做文章，對於這樣的笑鬧，抱歉，我是整場都笑不出來的。

演出場地：CAM193

故事以教育為題，加上恐怖驚悚的奇幻場景設定，跳脫了當以往談到「教育」時就會想到的刻板校園劇，更讓人在意的是，這究竟是怎樣的學校體系？以及，在怎樣的意識形態下產生了這所學校？

兩名演員以及現場的毛茸茸物件，在不同場景都許多不同的角色或物件，以非常簡單的方法，建立場景轉換與角色切換的邏輯，幾乎不會有搞不清楚場景的困擾，但在物件的使用上，發生還是必須透過表演者發聲，會讓人想看到更多、更細緻的物件設計，或許可以更輔助堆疊漸趨詭譎驚悚的氛圍。

或許礙於場景與篇幅，揭露真相的線索沒有足夠的空間深埋，有點可惜。兩條支線「養成遊戲」與「多意測驗」，我很喜歡公主養成遊戲一路玩到70歲的故事，時間過的飛快公主一下子就老了，受教育的孩子總有一天也會長大成人，或許是編劇希望在這個不知時空的學校故事進行的同時，提醒觀眾保持對現實處境的自覺，但有點可惜的是敘事線切換有點彼此干擾。

演出場地：穆勒藝文

非常喜歡第一幕結束後的謝幕，觀眾要拍不拍，也不知演出結束與否的猶豫，恰好營造了亦戲亦真的曖昧，不知眼前的一台演員的表情與動作，是在暗示什麼？亦又藏了哪些表演或表演之外的思緒。在場景運用的部分，無論是對果酒禮堂原本的場地的切分，還是使用的水缸、箱子，不斷將遮蔽之處打開，也一再創造視覺上的驚喜。

最後，還是要說一下，一開始非常期待複象公場的「舞蹈文本」計畫，想知道這群編舞者究竟會想出什麼鬼點子與戲劇文本對話，看到的其中兩齣，劇本中的台詞與情節仍舊佔了非常大的比例，如是這樣，表演者如何說出台詞也應該如精準執行的動作一般，被仔細琢磨。以及，若將現場表演者當做一個身體文本，或許更期待看到如劇中的散場場景，沒有了台詞，就延著從未被注意過的邊角之處溢出，讓身體走在語言之前，用身體說話。

演出場地：華山1914文創園區 果酒禮堂

還蠻期待這次複象劇場的「舞蹈文本」計畫，暗自期待到底會把這劇本改成什麼樣子，會看到什麼？會跟《幹掉她》有怎麼樣的搬演關係？

但可惜的是，在現場散發溫度、傳遞能量的表演者本身，卻是放在影像、語言之後。透過影像與即時投影，觀眾被引導去關切了物質社會以及世界各處名為「安」的女人，我們比對舞者在眼前搬演與影像裡刻意聚焦的局部，理性知道如此併排陳列可能想傳達的是什麼，卻因為影像畫出的框限內外，表演並無太多層次分別，扮演與扮演無異、資訊堆疊亦無所差別，倘若這就是原本意圖，無所謂螢幕框線外的真實，因為那就是真實。即使如此，對於如何將現成資訊的拼貼大量影像，以及或許已被「形象」操弄、擺弄身體、口吐朦朧台詞的表演者，如何走到這個結論的？我或許還沒摸清這個作品的路徑吧。

演出場地：The Lab Space 實演場(空場Polymer三樓展場)

音樂很好聽，現場樂手、現場演唱，完整的編制與團隊默契，可以感覺表演團隊在舒服、開心的狀態唱歌，也成功將這個氛圍帶給觀眾，是個看完會感覺愉悅的演出。

但如果要討論戲劇的部分，還是有些問題想提出來。戲中包含中、英、日、原住民母語等不同語言的穿插，搭配演職人員表上每個人所扮演的角色是中外知名演藝明星，乍聽之下有一定的趣味性，除此之外，有沒有什麼別的目的還不盡明顯。

也必須細究這齣戲到底怎麼使用對話？劇情是經典的醫療劇的設定，在金錢與生命面前，不同的醫生總是各有各的心思，也因為醫生們的語言不同，現場必須頻繁搭配字幕，大量手持的手繪字幕，在第一次出現的時候還覺得蠻趣味的，但隨著驚喜感消失後就略顯的冗贅，也因為手持字幕的關係，演員無法有太多動作，情感心境的轉折多是唱、說出口，身體卻無法表達，蠻可惜的。

以及因為場景分散在不同空間之中，過程大概需要移動４－５次，但每個場景的篇幅並不常，也並沒有與觀眾移動這件事情產生連結，常常有種才剛坐定就要移往下個場景的匆忙感。

演出場地：Woolloomooloo Xhibit

感覺劇中角色在完成「箱根驛傳」的時候，或許導演與劇組也悄悄完成了一次馬拉松的接力賽試煉。

這麼說的原因是，這齣戲幾乎處處可以看到縝密的思考與設計，整齣戲幾乎沒有拖沓猶豫之處，以跑步為題也真的大部份場上都有人在奔跑，繞圈跑、並排跑、跑出去再跑進來，小小一個黑盒子，展示了大概七、八種跑步的隊形與動線的時候，不得不佩服導演在群戲場景的調度。以及有著強大的設計群一同熱血，完成了和風十足的總體視、聽覺，十位演員一字排開，幾乎從外在服裝與髮型就建立了角色形象，成功創造層次分明的多元風味（我一度懷疑明明是杏和蒼井優，怎麼亂入到這裡），演員間彼此的默契十足，風格化的演出卻不讓人討厭，掌握住熱血、溫暖又不過於煽情的力道。

當然，這不是說「熱情」就可以將一切一言以蔽之，將小說改編成一小時的舞台劇，還是必須有所取捨，在片段間的時空跳躍，還是稍顯凌亂。十個角色間背後精彩的故事、為了參加比賽的訓練過程、比賽當下等等，太多素材必須許捨輕重。以及為了營造節奏與奔跑的速度感，又要補足劇情的狀況下，犧牲了大量的台詞，比如姐妹的段落，演員的嘴巴開開闔闔，卻又不是將語言作為聲響的手法，而是認真地交待姐妹間的情感糾結，結果句子清楚的往往事開頭的「我姊姊他......」、「我妹妹他......」，觀眾明明被吸入故事裡了，卻又無法搞清楚狀況，就有些可惜了吶！

演出場地：The Lab Space 實演場(空場Polymer三樓展場)

主題是「住」，就先從空間運用的巧思開始說起，以隔間再隔間將20坪左右的排練場搭出多重，置身其中，竟有層層疊疊不知盡頭何在的迷途感。這樣的空間分隔讓「住」的討論不只被說、被聽，而成為在過程中被感知的觸覺。觀眾的視角不斷轉換，從置身劏房、俯視平面圖、垂直牆面的投影，到最後一片黑幕揭開，方知是假設在頂上即時投影，演員躺在地上演出，所有的日常動作顯得滯礙困難，直到《西西佛斯的神話》，妹妹的神遊才最自在。

面對困難的生存條件，反而生出了荒謬與幽默，好比戲開始即明說1.5坪的住所比柏林的監獄還小，然而隨之蜂擁進來的演員們卻已極度樂觀、開朗的態度向觀眾推銷劏房的好、也好比妹妹神遊在《西西佛斯的神話》裡。此戲，避開對於社會結構的討論，以人的故事入題， 演員與觀眾互動的過程中絲毫不感尷尬，且整體的設計概念與文本互相契合，也非常成功地執行了所有的轉換調度。

演出場地：莎妹 自己的排練場

整場演出幾乎是由奧賽羅的台詞組成的，演員一位裸著身飾演奧賽羅，另一位抹黑著臉睜大眼旁觀演出。而奧賽羅何以成為奧賽羅？眼前觀看的一尊赤裸身形，袖口處明顯的黑白色差、肚腩、粗壯的四肢，滿佈時間的痕跡，而這既不是典型的英雄也不沒有明顯「異質」的平凡肉身，他何以是奧賽羅？或許奧賽羅的豐功偉業、四處征戰，其存在的價值奠定在冒險與勝戰的榮耀，他的戰場在哪裡？或許生活即是戰場，奧賽羅心中的貪癡忌妒恨，回憶著與苔司德娜愛戀的甜美溫暖，與現代的我們並無不同。

其中較有變化的段落也都讓人驚艷，包含由遠而近的號聲、暗場時觀眾為了拍照打出的閃光，就形成了暴風，以一具充氣娃娃扮演苔司德娜，以及在最後，演員喃喃唸著節目單所截取，《奧賽羅》第二幕的台詞，邊取下懸吊的燈光，將之打碎，台上用以區隔表演空間的白幕隔間後紛紛扯落，露出遠方一棟棟住宅大廈，捷運線經過，在這片背景之下， 兩位演員逐步走遠，卻留有飽滿的餘韻在這片城市光景中。

演出場地：空場Polymer四樓 - 室內或露臺區域

先講一下兩件事，開演前觀眾與演員可同時在書屋裡自由移動，就仿佛是恰巧在相同時間來買書的一般民眾，整個書屋放有待售的推理小說，也有與進場時已收到的舊報紙影本內容相同的手寫遺書，地上還躺著一具人體，天啊被這些勾起的推理症頭隱隱發作覺得期待。到了開演須知時，前台要觀眾移動位置，讓遲到觀眾得以順利入座，而開演後還真的有遲到的推理同好入場，瞬間以為自己已身處推理同好會的聚會現場，正在心中暗歎遲到梗真巧的時候，才發現：啊，是真的有遲到觀眾。整場演出，觀眾還是觀眾。

開演前的種種，或許也點出此劇的一個問題：演出過程中觀眾的位置在哪裡？將偵探書屋店長化身其中一個角色，以及事件是五十年前真實發生於此區，在事件中父女的心結，五十年前世代、族群的隔閡，與推理同好會探長與女兒間彼此的不諒解，其實有很多互相指設的線索穿梭其中，但種種呼應獨獨將觀眾排除在外，徹底旁觀演出進行，蠻可惜的，儘管時不時會遞水杯給觀眾，或問簡單的意見，但更多時候觀眾是不存在的，站錯位置還可能會造成動線的阻礙。在演出過程中，引導觀眾移動的方法，除了打破演出狀態，表明工作人員身份引導外，應該有更多可以包裹在劇情中，讓觀眾想要跟隨移動的調度方法，過程中不斷要出戲遵循指示，難免有中斷感。

在聲音與場景使用上，由演員現場搭配的呼吸聲臨場感十足，但還可以營造更豐富的聲音層次，以及眾人遮蔽事件男女主角時，可以想像意圖達到的效果，但現場看來還蠻尷尬的。另外還有很多寓意不錯的想法，因為想像與現場狀況的落差，而導致效果不彰，當然最值得一提的是結尾打開店門走向圓環的段落，在虛實交錯並置：演員專心搬演、觀眾勉力入戲、路人打卡拍照，三方對照下，我逕自得到別種興味，但似乎也背離了演出單位情節安排的抒情本意。

打著「推理同好會」的名義，這些人為什麼在這裡？彼此間流動著什麼暗潮？ 有沒有還原事件現場的必要？其實感受到很多可以發展的素材，但似乎太執著於演一齣戲以及不悖離社會案件的悲劇感，反而侷限了更多的想像。但推理劇是很少有的類型，很期待再看到類似的作品。

演出場地：偵探書屋

兩名陌生人因故被囚禁在密室裡，隨著劇情發展，觀眾會發現她們同時出生，在得到了兩位女孩的名字後，在第二場會發現他們原來是雙胞胎，有個物理學家但被診斷瘋狂的母親，她正做著秘密實驗，最後回到與第一場相同的實驗場景，那是在平行散開的時空裡，另一種命運的可能。

密室場景令我想到奪魂鋸系列第一集，這個聯想當然是無關的，但卻可以用此作對照詰問，「兩人密室」的設定有沒有掘出更多東西？前後呼應的設計精巧，可惜的是，倘若呈現實驗場景僅是為了頭尾呼應，用來對照第二場母親「平行世界」的說法，自報家門給出線索後沒有別的發展，設計規矩卻缺乏驚喜，身處在平行時空中，變因僅有控制實驗的母親，或許是實驗的規則，但在戲劇世界裡，意外的不可測或許更引人入勝。

可以感覺這齣戲放進黑盒子，必定會比在這個版本好上許多，但這並不能用來推托此次演出上換景、部分道具陳設、走位調度的滯礙，比如第二場的許多小動作，比如女兒從包包拿出水壺喝水再放回包包裡、拿出整盒便利商店的沙拉吃，都會讓人分不清這是暗示她並不生活在此？還是對母親心存芥蒂深到連一同飲食都不願？還是只是單純調度方便的結果？蠻多令人猶疑的動作，累積下來對於母女的感情營造，也產生理解上的困惑，蠻可惜的。

兩位演員在第二場最終成功地堆出劇情高潮，頗令人動容，以及，因為期待所以才會糾結一些矛盾之處，很期待這齣戲的後續發展。

演出場地：Solo Singer Life

鬼界島，如果帶著一個聽鬼故事的心情來看這場演出，可能會有點失望，因為這是個說故事、談故事的演出，跟鬼的關係並不深。

「鬼界島」本講述西元1177年，鹿谷陰謀事件發生之後，陰謀推翻平家的藤原成經、平康賴、俊寬僧都被逮捕，流放到鬼界島的事件。此次《鬼界島》的演出，兩位演員扮演其中兩位，另外一位則是由披掛在木架上的和服代表，演出的舞台簡單，僅有數件披掛的和服、桌子、鼓等，幾乎沒有氛圍式的配樂，多數為音效式的雷、雨、鳥聲，演員扮演角色、指物為實，也快速進出不同的故事空間，同時也接露自己正式敘述故事的演員身份。

在故事與演出當下切分的規則非常明確，和服僅穿半邊的時候，演員回到一側的台前，緊盯著電腦螢幕上，播報劇場外的其它訊息，穿回和服，就回到故事的世界裡。有趣的是，現實世界的資訊也是虛構的（比如一座遺世獨立的小島上發現活生生的恐龍），而故事裡的世界也不能僅以「虛構」兩字定讞，裡面涵蓋了更多、更複雜的時空，有「鬼界島」故事裡三人在荒島上如何生存（比如為求生而設陷阱殺鳥），有可能是口傳、野史或是古書記載的故事（比如獵戶死後悔過殺生、小男孩與天降鼓器），也有著名的歷史事件（比如黑船強硬開放鎖國政策），多重時空交錯，不僅是故事，歷史事件、現實也在轉述的過程中，也被扭曲、捏造，成為待認定的時空選項之一。

開始建立虛實交錯的段落，是從開演前制式宣導手機轉靜音的口號，進而延伸陳述截斷了個人通訊，在演出場地大門之外的世界仍舊照常運行，仿佛我們早已習慣的虛擬網絡，與眼前戲劇時空，個人與兩處的關係其實是同樣疏離的。而到底是演員講述了故事？還是過去事件的人物成了故事角色，正在預言後人的書寫記錄？熟為真實？孰為虛構？答案個人限定，僅存於每個觀眾心裡，但橫濱劇團利用簡單的技術條件， 準確表達完整的作品概念，達到虛實錯位的效果，拋出漂亮好球。

另外， 看兩位西方人全英文搬演日本的故事，衝突感十足，但幸好演出沒有成為賣弄日式風情的展示會，也沒有拋售西方人穿和服之類文化歧異產生的惡趣味，或許是因為這檔演出並不是非這個故事不可，物件可是此物也可是它物，人可是此人也可是別人，換成其他的故事，想呈現的概念同樣存在，反而可以讓（西方）演員、（日式）物件、（台灣廟宇）空間彼此關係更加開放。

其它意見：為全英文演出，劇中有大量的日文時、地、人名，會造成蠻大的解讀障礙，建議想去看的觀眾可以線上先查詢鬼界島的故事。

演出場地：微遠虎山

這是一個鱷魚尋找泡芙的故事
這是一個王子尋找公主的故事
這是一個勇者尋找惡龍的故事⋯⋯

句子好像可以無限下去，鱷魚可以換成其他千百種，泡芙亦然。

鱷魚小時候長得和一般人一樣，漸漸地長出獠牙，嘴縫拉大，他開始離群索居，連見父母也帶著頭套，牠/她懷抱著尋找世界百分百泡芙的夢想，想要找出最完美的食譜，可是真的有買分百的泡芙嗎？要怎麼定義「百分百」呢？

經歷了一段作泡芙的時間，我大概猜想是這樣的故事，隱晦指涉對於純粹情感的追求、對於「不同的我」可以被包容的渴望，可以感覺劇組的企圖心在於創造仿佛小王子般，言簡意賅卻意猶未盡的寓言故事，只是段落處理有點沒頭沒尾，可以看到創作過程中，不斷與不同文本對話，拼貼刪修所留下的痕跡，演員甜美的詮釋方式似乎讓整顆泡芙有點糖撒太多的牙痛感。

演出空間URS329原本就饒富風情，劇組設計從天下垂墜的紙花串，增添了不少可愛浪漫的氛圍，也成功呼應寓言童話式的故事情節，現場彈奏的音樂讓人享受，在觀演距離頗近的狀況下，鱷魚頭套還是十分精緻，稍微有點可惜的是嘴巴真的開好大讓演員的臉露了餡。

第一段即時投影，聚焦在雞蛋的跳動，影像中雞蛋成為偶，仿佛有了個性與面貌，但之後使用的影像段落，似乎變成補述的媒介，說明鱷魚多喜歡泡芙，接訪路路人的片段，也讓人搞不清要傳達的「沒有百分百泡芙」還是「百分百泡芙很難找」還是開了新聞媒體無意義什麼都問的街訪玩笑，其他片段諸如再現網路對話串、泡芙專家的台詞，其中有沒有因為首演出現的失誤我不清楚，但如果要建立鱷魚在掩藏、隔閡（頭套或是螢幕）下，才能與人相處，似乎還沒有建立非要使用影像的邏輯。

演出場地：URS329 稻舍

我感到困惑的是劇本對於「老」、「狂放嬉皮式生活」等不同生活面貌的想像，「老年」或許在社會學、世衛等相關組織條例有各自不同的定義，但外在條件的定義之外，當一群老年人聚在一起，必定只能談論老與回憶這兩件事嗎？他們的感覺會是什麼？他們的生活是什麼？

相對的，嗜酒嗑藥的年輕人，如果這已經是習以為常的事情，為什麼要花這麼多時間反覆談論？花了篇幅談論這些是好還是不好，但又並未深入，僅是呈現「因為年輕才可以做啊」，三位年輕人的對話仍停留在初次見面自我介紹的狀態，既看不出三人相熟的默契，也感覺不出濃厚的情誼。 對白鋪陳著三人對於生活的歧見，其中兩人車禍身亡，獨留下的一人至此封閉在懊悔之中，終至產生妄想，分不清虛實，可以感覺到整齣戲想講日常與虛構邊界的曖昧錯位，跳躍式的場景安排也呼應記憶的失序狀態，但因為台詞十分清楚地把話說明白，使用的都是十分完整、健全的句子，演員身體表達絲毫不凌亂，所以整齣戲看下來，真的沒有這麼紊亂，反而顯得片面，突顯了對於不同生活面向的刻板想像。
費了較大的篇幅在講台詞對白，一方面是在想透過語言，《日常起居》到底複製了「日常」的什麼？也因為演出的視、聽覺部分沒有太繁複的變化，每個燈亮之後，都需要花時間確定現在到底在哪個時空之間，前面兩場的跳換還可以感覺是劇組想要營造的效果，到了後面，反而造成了理解的阻礙。

其他意見
1.導演說這是他為了一位女生做的戲，那位女生也在現場，其實這和戲好不好看沒有直接的關係，但如果有戲好不好看外，有更優先的考量和念頭，那或許就真的有關係了。

演出場地：穆勒藝文

這齣戲以探討「信仰」為主線，實則處理女性在家庭中的處境，阿滿作為太子爺的乩童、一位妻子、一位母親，在不同中角色需要扮演、承擔的職責相衝突，出發點十分引人入勝。劇情重複「信徒不信來拆壇、因細故與丈夫起爭執、兒子不滿父母吵架、阿滿感覺不被認同」的循環，到最後，阿滿不斷起乩，已經分不清是真的神靈附身，還是成了逃避問題的手段，終究被送進醫院治療。

神是否靈驗牽扯到人許了什麼願望，阿滿的台詞不斷重複「我都是為了這個家啊」、「為什麼你不相信我」，在醫療、信仰，可視（可治）、不可視（不用治），不是靈不靈，而是信不信的問題，為了家成乩，也為了家吃藥治療。

有趣的是，唯有醫院（或療養院）中的對話是國語，其餘部分為台語，語言切換的分別是什麼？若獨斷解讀成民智的差距，似乎太一廂情願了，畢竟除了給藥和要人冷靜之外，劇裡的醫護人員並沒有別的作為。

何謂正常？為何信仰？為何治療與定義病理的，帶出許多值得繼續思考的問題，甚至大有靈異心理劇的可能性，可惜的是，獨具風格的寶藏巖邊境52 號場地並沒有加分效果，鏡框式的觀演空間安排讓走位調度單調， 場景轉換一直亮暗也造成了干擾，台詞、情節的重複拖沓了故事的推展，物件的使用與服裝遊走在寫實與寫意間，讓人抓不準頭緒，雖然導演有解釋小隔間裡面淋濕雨衣的意圖，但更希望在演出中就被情節與角色自然牽引，而非散戲後的追加講解。

神明抓乩與疾病治療都有其蠻橫殘虐的部分，理性作為迷性的參照，或許也只是另一種迷性。最後，單純想分享一下最近讀的書《穿梭天人之際的女人：女童乩的性別特質與身體意涵》（蔡佩如著），裡面有許多女童乩的訪問，關於她們的家庭、她們的人生。

演出場地：寶藏巖國際藝術村 邊境52號2樓