一個小劇場裡的大製作，一個巡演的作品而言，單從它的佈景、裝置所花的功夫來看，其認真程度已令人咋舌。

劇場探討當前的社會議題，愈是靠近現實，愈是難以超越現實，而當創作者用力反映「弱勢」的同時，如何不把對立的一方刻板化，更是一種不可避免的挑戰。例如患心臟病的長者，被房東逼遷一場，長者的描述是否必須有心臟病？房東的演繹是否必得為一個表現冷漠無情的女性？如果沒有這兩個元素，是否有妨礙內容的表述？這都是值得討論的。不過由於不管空間的佈局、內容的推進上都是從表面到內層的遞進的，於是前述的種種遊戲性、刻板化，在最後一場便成為基礎，得以消融。最後一場，由於只描寫「劏房」家庭的困境，沒有所謂「施壓者」在場，反而更能引起觀眾對整體社會結構的反思。投影出來的錄像，實際是演員躺在地面平面畫布，以俯視鏡頭現場拍攝的，雖然聽說是為台北場地而設的特別處理，然而，演員們在這種空間限制中，身體舉動的艱難，正正反映了其實際生活處境，一個簡單的移動，卻比一般人需要加倍的力氣。而最後妹妹以《西西佛斯的神話》一曲突破其因空間、經濟而限制的身體，在想像中尋求無法改變現狀的形勢下，獲得心理上僅有的快感，令演出的結尾悲欣交集，留下令人回味的、詩意尾巴。

的確，劇場的意義不只「反映」現實，也不會因為一個戲改變社會，但劇場可以喚起現實中被限制了的想像本能，只有相信想像，人們才有革新、改變現狀的動力。

演出場地：莎妹 自己的排練場

一個令人所有期待的策展概念，實驗的姿態也跟演出空間的質感相配合。

經過長長的走廊，遠處是兩個背光的人影，倉庫的電閘開著，外面是個荒涼的工業用地，以及一截沒頭沒尾的行車天橋。黑的女子穿著打扮正式，一直撫、按、拍打著只穿著內衣褲，一頭銀髮的白色女子。「拍打」也成了作品一直貫穿的動作，既是拍打肉身，也在拍打潛藏肉身內的另一個我，倉庫的後門打開了，釋出的內在與外在之間有時拉扯、有時重合，複調的個體、動作，意圖對應文本複調的聲音/台詞，只是兩位舞者的能量未夠旗鼓相當，於是對立、重疊的兩者便拉扯不出更大的張力。

短短半小時的實驗，或者不能奢求編舞對原文本的文學語言以舞蹈翻譯(也非策展的原意)，現在看到的雖然只是個概念，但這概念的完整度已算很高。

演出場地：The Lab Space 實演場(空場Polymer三樓展場)

沿指引爬上空場頂樓，在重重高樓廣告牌包圍之下，木和布圍成純白色的露天小劇場，觀眾也坐在白色的坐席上，在一個刻意經營的純白世界裡，圍觀一個關於懷疑、妒忌、兇殺，也關於膚色、身份的名劇人物在獨白。

全裸上陣的奧塞羅，把他應該穿上的包裝和膚色都置放在一旁的柯德峰身上，同時又被這個後設在旁的「身份」所控制著，坦盪率直的身體與地上的白、四面布牆的白，反差強烈。

演出成功地將創作者對「奧塞羅」的詮釋賦予強烈的視覺風格，一開場就帶來驚艷、震攝的效果，如果這是個叫「奧塞羅」的裝置作品，它是成功的，已經自給自足了。但若作為一個演出，便讓人期待它在這四十分鐘裡，在意念上有更多東西讓表演去延伸、深化。

但這的確是這幾天讓我呼吸最舒暢的演出。

演出場地：空場Polymer四樓 - 室內或露臺區域

人總是孤獨的，最老的媽媽，有兩個女兒卻一個人活在記憶裡，最小的嬰兒，一個人來一個走。小夜子和達郎，各自孤獨地面對戀愛結晶的早逝，即使兩人花了七年時間在一起。

生活化的表演，或者用力地表演得像生活，對演員來說是很大挑戰，而且是中途沒離場的2個小時，尤其好幾次對話間的靜默拿捏準確，形成最大的張力，看到演員不光是演，也有對文本的細心研讀，很多情人間的細節也有用心經營，只是我坐得較後排，台上的生活化得來，台詞有時會聽不清楚。

社會經濟轉型，傳統性別角色翻轉，似乎是演出背後的社會文本，於是我會留意演員在演繹上選取的角度，而不光是演得好不好的問題。這個版本中，男性彷彿處於較主導的全知角度，他一開始就表現得很了解彼此分手的原因，只是女方不夠面對自己。於是當小夜子帶起娃娃頭憶訴流產之痛時，小夜子一直在台側，而達郎卻站在舞台最強勢位置，在中心聆聽告解，也作出他隱藏已久的回應，不知這是一種對劇本的詮釋還是表演上的技術需要？

其它意見：進場前忽然想到，納豆劇場的老氣氛應該可以為演出加分，可是進場後看到佈景後掛起三塊大黑布，一邊看一邊想如果沒有黑布，直接看到背後的紅磚，甚至一個雜物亂倒的後台，會不會對演出的生活感有多一點幫助？

演出場地：納豆劇場

以一隻可愛鱷魚的故事，曲線呈現認同的焦慮與自憐，到底是不情願、不小心就成為異類，還是堅持些什麼、保守著什麼而成為異類? 百分百的泡芙嗎? 或者我們不需要針對「為什麼是鱷魚」，「泡芙象徵什麼」，反正就是非大眾的，執著的一些事物，於是滿佈符號的憂鬱氣氛一直維持到底，各式各樣的表達方式如物件偶、面具、現場音樂(+說故事)、現場投影、錄像、舞蹈等，點子很多都是零零碎碎的，可是除了鱷魚面具外，都是靈光一現沒有持續或發展。主角將鱷魚頭拿下又戴上一場應是最完整的劇場語彙的運用，於是成為唯一叫人印象深刻的片段。

這個演出的可愛之處是，沒有用討好的形式去演，幾乎完全按照自己的意願去呈現，這也許正是一種藝穗精神。

其它意見：因為很靠近，剪刀令我有些懼怕，只是剪線，可選擇不尖頭的。

演出場地：URS329 稻舍

屍體化妝師情感世界的患得患失，反映出女性的職業、打扮、氣氛如何版主流社會所定型，姑母與女主角兩代人都嘗試邀請情人來看她們工作的場景，是女性對主流框架的挑戰，然而結局卻幾近宿命論。西西於80年代香港已寫出此作殊不簡單。浪人劇場的實驗在於從文學書寫到劇場語言的轉化與融合，同時力求保留原著的文字風格，雖然在粵語口語與照唸書面語之間有點尷尬，卻亦因此引起我要讀原著的慾望，有得有失。期待再看到劇團其他改編香港文學的作品。

其它意見：導演在物質與肢體語言上運用頗見心思，然而部份節情過於戲劇化的歇斯底里，與整體風格有點格格不入，手中皮箱墜地的響聲，比刻意翻倒化妝箱中的東西更直入人心。

演出場地：小藝埕思劇場

處處窒息與絕望。如果可以簡單地下個標籤，我會選擇用「後雨傘時期」的「傷痕劇」。不過編導看來有個不想將問題簡單化的初衷，幾個故事交錯敘述，公共事件(煙霞/霧霾、言論監控)、私人領域(家庭、愛情)、主體性的棄與守(藝術家的抉擇)，跳躍性地從大環境回看日常生活的政治性。

霧霾從北京吹到香港、幸福感的自我催眠與馴化等政治隱喻，說明創作者毫不掩飾其政治取態，或許劇中情節不能完全地反映香港現況，卻反映了香港藝文創作者的後雨傘情境，寧直白也不要不明不白。

完場之前提到「離開是為了回來，除了是一首歌還是香港人的核心價值。」的確令我想起不少移居或暫留台灣的香港朋友，竟連香港舊居的傢俬都移民過來，然後每天定時透過網絡收聽香港的電台新聞，或者說他們並未離開記憾裡的香港，而是一個自覺已不再屬於他們的香港。一種矛盾又可以被理解的鄉愁。

其它意見：分場太多、間場太久，氣氛與情緒有不連貫感，結尾的錄像+旁白，以及高歌一曲也略嫌補白太多。

從封閉的個人世界中站出來，其實也要從劇場的幻覺中走出來，所有的抵抗、面對，都不可能在劇場中完滿，也切勿過份地感動其中。

演出場地：牯嶺街小劇場