這應該被主辦單位列為邀請的觀摩節目。

這已不只是第一次重演，亦不只在一個地方重演的作品。

熟練的團隊，包括裝置設計、燈光、影像、聲音等設計，當然包括導演及編劇。雖然中段的某些段落，讓我感覺觀點太單一，但在整體結構中，反而讓最後一段一家的故事，更多心理上的背景，更顯得精彩，更讓人感動。

當然最後一段的視覺處理，讓理性的思考扭轉、幻變，這幻變讓最後女兒那個小黑洞的夢顯得特別巨大，哥哥與女朋友的牽手顯得特別真實。

或者，這小黑洞的夢與真實，每日都在香港漂浮，我相信不只香港，我相信不只......

在這個演出裡，我不會討論劇場可以做到甚麼，它讓我思考，在離開劇場以後的討論，可以是甚麼？

演出場地：莎妹 自己的排練場

一段舞，一段戲，一段舞，一段戲......編織出不只一個故事，兩小女孩的故事、兩代女性對男女看法的故事、礦工的故事、父子兩代的不同，都關於「家」嗎？可能只是一個藉口。

流動反成為這個作品的重點。

我們有如在一個小型「歴史博物館」中遊走觀看。

觀眾需要跟著每個故事場景移動的觀看，每個場景／環境的運用放了不少心思，流動的過程不用帶任何心情，只是跟著動，找位置站著坐著看就好了。歴史停在一刻，我們移動流動的去觀看，由日治時期到現在的台北，雖然還有很多細節要處理，但移動流動的觀看歴史的小小故事，這個真的需要主動性。

舞比戲要強，編舞對以舞交代故事，很熟練，主要用舞的場景都在室內，到了室外，空間大了，舞者的身體有點被環境吃掉，尤其後段在小廣場四人舞 。相比起來戲的部份有點弱，兩女孩以日語溝通那段，無論說話站的位置，說話的動機，與說話時身體語言都欠缺吸引力。

其它意見：工作人員穿黑衣不代表不存在，在環境中躲不了，就好好的在場。

演出場地：國立臺北教育大學南海藝廊

不貪心，簡單，是這個實驗小品亮眼的地方。

其中主要的舞段，有力抽畜身體，為動作的基調，以手起動帶領身體各部份開合抽畜，突然的擺動臀部，讓舞段節奏力度改變，顯得分裂。

分裂為這舞作的主調。

兩舞者簡單的互動，清楚表達其關係，但之間張力不強。

本身場地的空間已讓舞作加分，雖然沒有太多的使用空間，主要在開場的那段，但空間沒有被改動的存在，已在說話。只是舞者在空間流動不多，而流動的過程還可以強一點的舞蹈感（不一定是舞蹈動作，而是投射力更強的律動感、姿態）。椅子重量尺寸可能造成移動的問題，但沉重的移動，亦是一種語言，只是對椅子還未夠熟悉，未能好好使用，不然力量會更大。

演出場地：The Lab Space 實演場(空場Polymer三樓展場)

這是一個很藝穗的演出。現場音樂，現場演唱，現場舞蹈，現場說話，現場煮食，現場投影，現場連線，嘩！很多元的表演。

多元的符號，鱷魚扮人？人扮鱷魚？完美泡芙？信？郵差？城堡？泡芙製作過程？舊式放音機？紙船？海洋？沙漠？
滿佈著小確幸，滿佈著小清新，自我，年青，認同，不想被認同，想一樣，不想一樣。

我不想以使用空間去說，不想以演技去說，不想以動作運用去說，只想說，其中的虛擬上網，如整個戲，一切都像虛擬，這是虛擬的演出，但一切都是他們想做的。

其它意見：拿著尖頭剪刀，激動的走動，帶著疆魚面具擋著視線的，在剪比他高的魚絲，很靠近觀眾，很可怕的動作。可轉用其他剪刀。

演出場地：URS329 稻舍

悶熱的天氣，身體隨著天氣的溫度流著汗，坐在納豆劇場內，吹著冷氣，看一個關於冷的、寂寞的戲。

一對已分手的情侶在很冷的聖誕節裡，可能最後一次見面，分家裡的東西，同時一步一步的說出女方與母親的關係，女方與男方分手的不可談論最終說出的原因，最後看似問題解決，但仍是分手收場。

分手是一種選擇，是一種改變，分手不一定變得寂寞，寂寞在於人與人的相處。

分手是真正原因，是這個戲的重點衝突，但背後層層疊疊的關係，才是這戲要解構的問題。劇本延伸出來的議題不少，但表演中演繹出來算中規中舉。 演一對已同居七年的情侶，其中有經過流產而產生裂縫，最終分手收場，對年青的演員而言，是有點困難，現在比較像一對拍拖不到3年的情侶鬧分手。

說話的聲音運用比較單簿，有時亦聽不清楚演員在說甚麼，這可能是咬字、理解及表述的問題。

全劇都在房子內的廳間發生，看來納豆劇場的空間，很適合直接使用，在演區後加了黑布，試圖把有個性的空間，變成一個好像劇場的地方來使用，這黑布讓人覺得有點多此一舉。

演出場地：納豆劇場

演出一開始，舞者之一「她」走在觀眾的前面，跟觀眾述說著舞作的形式，演出分四個場景，每個都需要觀眾移動觀看感受，放心的感受，因為有工作人員帶領我們。

進入有如一個儀式的開場，每人手中一滴精油，帶著大地的味度在掌心，如「她」所說打開感官，舞作開始。
人的感官有聽覺、味覺、嗅覺、觸覺、視覺。
除了味覺其他都在作品中出現。

從手心的精油嗅覺展開了出走的旅程，我們坐在外面，其中一個畫廊內的燈亮了，舞者進入，視覺開始凝視著舞者在空間清潔，把物件擺放，「人」定位，舞動開始。隨著音樂，舞動沒有停止，音樂也沒有停止，精油的味度也一直沒有停止過。

觸覺是第二場進入的，那段落名為「人群中的自己」，觀眾第一次移動，從外面的空間，移動到第一個畫廊內，因為人群在空間中顯得有點擠擁，其實可看到舞者的角度有限， 而擠擁讓人的觸覺開始發酵，觀眾就會自行決定在「人群中的自己」是怎樣的。

可惜，之後感官之旅就開始消失了，第二段後，嗅味、視覺、聽覺、觸覺都開始習慣了，舞者在眼前移動，離開，舞動，離開，都習慣了，習慣了。

最後一場，下雨，雨將舞者和觀眾的距離拉遠了，觀眾站在雨下，觀看他們在玻璃屋內看著旅行的出走影片。我想起林一峰的一首歌《離開是為了回來》，或者其實從沒出走過，想念一直都在。

其它意見：https://www.youtube.com/watch?v=DeGPXjZZdI4

演出場地：國立臺北教育大學南海藝廊

﹣演出全長45分鐘，在這45分鐘內看到舞者們努力的說著、跳著、表達一些些雜亂的拼貼，無論是主題上、語言的內容、空間的使用、身體的舞動、音樂的運用、道具的使用等，都有一種想太多的雜亂感。

以舞來說，作品中有幾段獨立的舞蹈組合，主要以一些基本的現代舞練習動作演變而成，但卻不能把想表達的主題突顯出來，或者說主題發展得太多，或者說沒有運用身體動作說話。其他的元素亦有太多的指向，沒有「專一」的把握主題。看來缺少了專心的力量。

最後不太讓人離開的演後座談，用意是甚麼？舞者們努力的自我述說著舞蹈的內容，膠杯表達甚麼......其中一位舞者穿白衣是表達甚麼......作品名稱萬花筒在舞中如何表達......主題「土地」又如何被表達......如果最後要用「說」來表述，觀眾才能了解，那為何要來看「表演」呢？看演出是來找作者的所謂標準答案的嗎？

如果要我這個觀眾回答，演出中大量的即棄杯與演出的主題「土地」的關係是甚麼？我會說：他們在破壞「土地」，使用他們的人，忘記了甚麼是「土地」。或者「土地」這個名詞已被雜亂的濫用了。

演出場地：URS329 稻舍