《癢和匯率》演出分作兩個部分，《癢》和《匯率》，各自在兩個不同的舞台面向演出。觀眾經由引導和座位的安排示意（高度階差的安排、入座的順序先後等）坐定後，等待眼前的演出開始，一會，燈亮，表演者倏地在觀眾的右手邊登場開始了演出。因為座位安排的關係，使我以為或許會兩側交錯的進行演出，在演出的前十五分鐘我都以轉頭的方式觀看演出，因為內心不太確定也看看了身邊的其他觀眾，大多是跟我一樣。戲再演了十幾分鐘，我想應該是我自以為是了，就索性整個人轉面向右手邊表演區觀賞，而因為原先面向安排造成了視線阻擋，不同座位間的觀眾為了看清楚演出而自行微調移動成了一種蠻奇妙的座位安排，觀眾們坐在為了Ａ面向而設置的階梯觀眾席，但視線身體全部朝向Ｂ面向，並形成了一個不互相阻擋的錯落群體，看起來很像一種行為表演的某一刻靜止。這是這個演出最讓我印象深刻的部分。

大概像是這樣：
───────── Ａ ─────────
↑↑↑↑↑↑↑↑↑↑↑↑↑↑｜
地板｜｜｜｜｜｜｜｜｜｜　　 ｜
低　｜｜｜｜｜｜｜｜｜｜　→ Ｂ　
中　｜｜｜｜｜｜｜｜｜｜　　 ｜
高　｜｜｜｜｜｜｜｜｜｜　　 ｜

其它意見：坦白說我真的不喜歡這個演出，甚至不覺得有任何可取之處，要不是演員都長得很好看（但一開口就壞）不然整個演出實在看不太下去。可是我不斷地想起我大學的時候也差不多是這樣，固執地寫自己看了會哭得死去活來的劇本，但根本就是一些贗品或抄襲模仿當致敬而不自知，陳腔濫調自以為很潮，讓演員講不是人話的台詞，明明也覺得好像蠻無聊的可是就覺得想這樣搞，老師說不行我就越要做，身邊學表演的同學也搞不清楚什麼是內什麼是外地亂丟情緒亂吼亂含台詞（沒錯是含不是喊），努力磨掉自己的鄉音但怎麼就是講不好舞台腔，最後連髒話都罵得吞吞吐吐；對音樂很敏感、對白T-shirt的版型很敏感、對褲口變寬褲長變短腰腺變高很敏感、對唇色要稍微偏橘一點的紅粗眉漂髮梳油頭很敏感、黑色涼鞋配白襪、駝色棒球帽配圓框玳瑁。但站到台上講話行走移動，寫起劇本設定角色，故事題材斟酌文字，到底是無感還是過於敏感，常常把自己也把別人搞得手足無措尷尬當有趣。從這個樣版變成另一個樣版。

私底下我閒暇之餘蠻喜歡亂逛臉書粉絲專頁連來連去，蠻早以前可能在年初的時候就有逛到裸體詩人劇團癢和匯率，這樣摸不著頭緒不知是什麼東西十分有質感又讓人想像無限的粉絲專頁，並按了讚，孰不知在瀏覽今年的藝穗節目時竟然看見了有演出，原來是演出團體啊太有意思了，於是毫不猶豫地選擇了。雖然看完演出後我是失望的，但若是這種時候不能失誤又有什麼時候能夠失誤？會出來做戲報藝穗的必定都是有熱情有想法的，在學校戲已經排得夠多了幹嘛暑假還要再來。越是被罵被不喜歡就越要繼續嘗試繼續跌倒，就算你找到自己的聲音了，知道自己在幹嘛了，還是會有人繼續罵你不喜歡你覺得你在衝三小。學會面對觀眾面對製作並不是容易的事情，戲劇系可能沒有在教這個，來藝穗節不就也是為了這個。

請繼續堅持，並在27歲───Amy Winehouse死去的年紀，我現在也差不多是───的時候，回想一下2015年夏天的自己，你會發現能夠擁有一間二手書店是怎麼樣的一件事情，你也會知道如何看待一個19歲的常客並知道想要把到他是怎麼樣的感受。臺幣匯率與股災在那時也將會成為另一種譬喻，如果我們都依然還在劇場的泥沼中駛船的話。

演出場地：穆勒藝文

清一色白踢雪紅短褲的制服服裝，可能有一種去個性或見林不見樹的意圖，就像高中國中國小一路以來必須穿著制服上學活動集體作息一樣。可越是大家穿得一樣，你就越能發現大家（與自己間）哪裡不一樣，胖瘦高矮，身體氣味，聲音長相，肢體慣性...等。除了脫個精光裸體，所有人都穿成同一個德性也是十分人類社會的事情。不過，我想創作者林素蓮應該只是覺得，這樣很可愛，這樣有點酷，所以把它放在舞台上。整個舞台與舞台上的發生也充滿著這樣的意圖和無畏／謂冒犯的直率。

說到素人，不只在《業餘人生》，整個臺北藝穗節絕對少不了。素人永遠是迷人的吧。PORN也是素人的最好看。高中的時候為了升學我去上了一個美術補習班，老師常說，畫畫跳舞唱歌是人生來就有的本能，小時候沒有人不愛畫不敢畫。但因為大人覺得你畫得不好，覺得畫畫沒有路用，覺得畫畫耽誤了該做的事（什麼事？），所以叫你別畫了。久而久之你就覺得自己反正不是畫畫的那塊料就沒再畫了，但人天生到底是該做什麼的呢？或許戰爭是天生的、割禮是天生的、臍帶血是天生的、藝術評論和聖經和醫生護士柯Ｐ也都是天生的。天生我材必有用。千金散盡還復來。人生得意須盡歡。莫使金樽空對月。

波多野結衣說她自19歲出道後就再也沒談過戀愛，或許當人開始跳舞後就無法想抖腳就抖腳，就像狗成為導盲犬後就不能想大便就大便。比起舞蹈（性）的意圖或其純粹，林素蓮與素人共同工作所共鳴出的迴聲，或許更多時候已經不是身體或舞蹈。太努力或不夠努力而到達不了的，來不及或早已遠去的，追趕不上或忙著等待，所以身體才必須一直動一直動一直動，為了找到，為了保護，為了躲起來，為了健康一點積極一點，為了留下來，為了拋下，為了更接近，為了好被看見。憋氣為了沉到水裡，吞口水為了不要耳鳴，笑為了不哭，蹲下為了跳起來，躺下為了好好躺著────不只是素人，誰不是如此？是什麼讓素人變成葷人？以前上表演課時徐華謙說，沒有原因的話人是不會移動的，不會起身不會舉手投足不會挪動他的腳，因為演員在台上總愛裝忙裝有事裝很在狀況之內。活動活動要活就要動。生活生活會快樂也會寂寞。人生就是充滿著因為所以吧，沒有原因的人生是否就是專業的人生？

────────擦乾淚。不要問。為什麼。

演出場地：臺北市青少年發展處三樓演藝廳

《網路解碼棒棒》使我有一個意猶未盡的看戲夜晚從開場超大聲爽嗨的夜店歌曲場上演員身穿花紋撩亂服裝與觀眾亢奮互動玩遊戲發送氣球非常具開場架式的開場語言多聲道節奏精確舉重若輕演員們施力得當寓言故事以皮影戲放鬆防備陳腔濫調借力使力最適合不過，進入主旋律關鍵字的聯想並使之對談與變奏超級比一比小副歌碧娜鮑許人與人之間的疏離與不親密或許才是常態探討其之為何也是常態（私覺der這段燈光嚎棒棒），最後把觀眾蓋在黑布裡面聆聽寓言的結局或番外下場那個時候我覺得滿足覺得安心一個假觀眾或假素人站在我們面前貼滿便利貼與戲中所有的關鍵字知道差不多要ending了假建立在我們確認過的真之上或是被主宰的真無能為力的真還有什麼是真的呢的真劉真的真。

演出有著古典的時間結構與敘事線條，有意識地調配其長短篇幅與時間感。在演出前導的視覺和文字宣傳，及劇名的開宗明義下，網路的主題當然是顯而易見的。網路的好網路的壞，網路的已知或網路的未知，我想現今的社會大眾沒有人不清楚這些事情，每一個人都是經驗豐富的體驗者和當局者，Before & After。在劇場裡談網路或以網路主題作為一種觸媒，《網路解碼棒棒》呈現了一個俐落完整的劇場敘事小品。讓我聯想他是否可能更小，更跳躍，更多歧義，能夠如同關鍵字聯想及溝通般，栓上更多頭的馬車，完成它的方式是讓馬車從不同方向拆解它，或僅只要讓馬跑起來，或是讓觀眾成為馬。在網路這樣的主題下其實我們沒有什麼不知道的，我們不會不知道要在開飯前拍照，在場上使用自拍的手勢與自拍棒早已是陳舊的象徵，對鏡頭或螢幕的另一端傾訴寂寞真性情與性也是一門有行有市的人際相處，意義則依賴斷裂來縫合。在小劇場這樣手工的場域，呈現如同草間彌生無限鏡屋的網路主題，《網路解碼棒棒》在關鍵字上找到了其中一個關鍵。

很難不想去問說，演員為什麼要藉著電風扇才能講話才能講真心話呢，電風扇是在象徵什麼。或許是因為比較起感覺風與風聲，比較能被感受的是電風扇的形體，或許因為演員拿電風扇的方式，或許演員無心地信口捻來幾句屁話被畫螢光筆了，或許Okay────就是要拿著電風扇才講得了話，（不）是為了一種手法的象徵這是因為我得了一種病就是需要電風扇馬。為了意義的精確傳達，我想可以（1）也給電風扇裝置收音麥克風放大其馬達聲與風扇聲，也讓演員的發話被收音進去一同擴大。（2）使用電風扇去做其他事情，譬如：使用旋轉的風扇切菜可以延伸一段料理節目，或是打手槍我聽朋友說過他曾在外國看過類似的小劇場演出獲益良多。（3）將風扇葉換作其他材質譬如說刀片或生肉。

搜尋的時候，當越是找不到想找的事情時，除了更換關鍵字外，還會加上更多其他的關鍵字，搜尋結果有時反而變得更多更不集中，有時是您所輸入的棒棒我們找不到結果請更換關鍵字或建議您試試看搜尋捧捧。比起最後我應該找到那個我要找的網頁或什麼東西，《網路解碼棒棒》更像是要鍵入關鍵字的那個框框，不一定是要讓你找東西，而就是給你看框框，框框框框框框。而劇評眾矢之的或溝通的無效本質大概就像長輩圖吧。1、笑只是個表情，與快樂無關。2、思想就像內褲，要有，但不能逢人就證明你有。3、純，屬虛構；亂，是佳人。4、我可以選擇放棄，但決不放棄選擇。5、以前，養兒防老；如今，養老要防兒。6、君子報仇十年不晚。小人報仇從早到晚。7、如今人們經常需要馬桶精神，按一下，什麼都乾淨了。8、眉毛上的汗水，眉毛下的淚水，你總得 選一樣。9、人家有背景而我只有背影。10、財富改變不了個性，卻可以讓人露出本性。

（荷葉垂露，蓮花盛開）

演出場地：牯嶺街小劇場

我有一個好朋友叫作小李子(化名)，小李子知道我最近十二個不小心第一次在當看戲大隊後，時不時會關心我寫看心心的狀況，因為他也看很多藝穗節很關心劇場但沒緣成為看戲大隊。有一天小李子又問我說，看心心寫得還好嗎？我嘆了一口氣（在網路 FB Messenger上）（像這樣）（嘆）說：

走過的路　是一陣魔術
把所有的 好的壞的 變成我的
心裡的苦 就算不記得
都化作這目光 吟唱成一首歌。

這要寫起心心來實在是好難寫.............。

（送出一個貼圖）

────────聞名已久卻從未親臨現場的鳥組人。精采可看，有哭有笑，實在沒什麼可以多說的，爽。期待前往更大的舞台。以上。

其它意見：在場景陽春但髮妝到位的歌舞演戲狀態下，讓我莫名聯想到拿手麥唱演的野台歌仔戲，說來就來，無懼無畏，覺得不失為一種路數發展的可能想像 <3 <3 <3

雖演出的現場極度陽春又一堆技術狀況，但Ending安可演唱聽了鳥組人第一小生程阿介一句雖然我們今年藝穗平均只有x顆星，但誰管他呢我們知道我們自己在做什麼，眼神的光穿越厚厚假睫毛直射觀眾席向小碧潭和烏來無盡噴發，養好戰力呀鳥組人無愧於己，就是這款氣魄啦阿撒！！！！！！！！！

演出場地：國立臺北教育大學南海藝廊

潮潮的。

關於入口的引導和標示可以再清楚些，可以讓人毫無猶豫地確定──到達了──的程度。

演出充滿美麗炫目的畫面，開放拍照錄影是美意，但希望創作者要意識到手機與相機的螢幕是很無法忽視的存在，有些人會想拍照但有些人會想好好地品味演出，如果他人的拍照可能造成部分觀眾觀賞上的干擾的話，也會破壞作品的完整性；把拍照這項行為或動作以及相機手機的體塊和光源，考量為演出的一部分會是一種可能的解套（雖然演出場地本身即是一個攝影棚）。

這實在是一個很美很養眼的演出，眩光多彩，很多時刻我無法直視（那些燈光和變幻，尤其在全白的場地之中，顏色變得更飽合甚至螢光），直接地攻擊或湧向了我的感官。於是我會對某些其他部分明顯感到不足，像是：重低音不夠殘暴、換場間的人員進出不夠俐落打斷了被撩起的意欲和感知（可能要思考沒有換場這件事／換場也是表演的一部分，的可能性）、場上舞者明顯以模特兒或是展示中的人體（或不具生命的物體但被展示著）作為主要Image但看起來好像依然擔心著什麼不確定著什麼。如Lady Gaga或Nikki Minaj或眾多時尚秀場上的男模女模們，那種自溺溺死自己還要溺死所有人那種天下唯我SM中的S可以把身體全部開放出去的動能和投射，在搖擺写真中是再適合也再需要不過的。人們就是因為寂寞因為羞羞臉因為不敢承認所以來到了這邊，然後感謝你這樣地糟蹋他他又可以心靈富足地回去人類世界過下一個星期一和下下個，要用這樣的心情甩頭髮轉身和扭動啊～～～～～。演出中是大概有過七八個這樣的瞬間，不過我大概就是那種慾求不滿的人類阿內所以想要一直續杯。

談愛這件事，得更ㄎㄧㄤ，更從腺體這塊下手才行。

一個因空間而生無法再別處複製的舞蹈創作。期待搖擺寫真能夠在HAUS Studio繼續工作出更多無法在別處複製的，並在他處生產出更多的其他的。

其它意見：分享一個youtube給團隊，搜尋Dumd Type「OR」。

演出場地：HAUS Studio

因為某些緣故不小心得知這個演出的文本創作啟發自《游泳池（沒水）》，於是在看戲的當中會不斷將兩者相比對參照，或是自己尋找一些線索or可能的對應拉椅子坐坐坐。想將它拔除掉或不作他想實在是完全沒有辦法。但即便如此（或可能因為如此）這個演出依然是不失其精彩與他所想訴說的，不過我真想毫無所知地接收理解《集體恍惚（在她不吃香蕉以後）》（或許這個前提是一場誤會，是的話就請Skip）。

劇本對我來說蠻智障的，一直用「香蕉」來指稱或替稱手機、智慧型手機、通訊產品平台、網路、APP、自拍...等等諸如此類的東西，從頭到尾。在入場時觀眾們也都獲得了主辦單位發的一人一根真實新鮮的香蕉。不過似乎就正因為我們都心知肚明「香蕉」在指稱什麼，這一個概括的稱呼或者是代號，反而在閱聽的想像連結與表演的呈現上，成為了一種童話故事式或冷笑話式的異色幽默，太過認真投入而呈現出一種孤僻的輕浮（或輕浮的孤僻），進而在積非成是的演出進行上，演變為一種輕巧而確實的疏離劇場。表演者也在這樣的策略上盡情釋放和投入，開頭時我偶爾會微皺眉頭地覺得有些時後的表演太造作或太OVER了吧，整個演出結束後縱觀下來倒覺得一切合度，假得剛剛好，弄巧成拙得剛剛好，畫蛇添足得剛剛好。演員整體呈現出一種調配得宜的tone，各自看有其出色獨特，全體看又缺一不可，演出全程游刃有餘，默契熟練，看來應該有下功夫花時間確實排練（如果也是誤會的話或許整個劇組上輩子有互許胭脂扣吧）。

作為開始獨立創作或面對外界發聲表演的起頭，斧鑿的痕跡可見，還有些不知如何放下的包袱，及尚在摸索中但願搏全力的現場氣氛。一個劇組是否是在同條船上從進場人員的引導語氣就能夠感覺到。整個演出看得我眉開眼笑，無聊和不耐煩也覺得舒適，即便生嫩但看見表演者無一時一刻不清楚自己在說什麼在做什麼，真摯且全然，真的很舒爽。

其它意見：不知道創作者如何看待空間的，但個人私以為這個作品在這樣一個全白的畫廊作為一種劇場空間的替代來演出是非常合適且對味的，若它是在黑盒子演出的話可能就沒那麼有趣了，小小分享提出。

演出場地：Woolloomooloo Xhibit

演出以莎士比亞劇作《奧賽羅》為基礎，獨角戲的演出形式，表演者以第一人稱的奧賽羅現身；講述、宣告、表白、控訴、張狂、叛背、悔恨、示弱、召喚、辯駁等，關於奧賽羅的經歷與內在聲音，那些（創作者認為的／著眼的）高峰生命時刻。全程主要由表演者朱正明一人擔綱演出，時而穿插現場樂隊演奏與一些經過安排的意外事件，由一名將臉面塗為全黑身著白色西裝在旁觀看聆聽一切的，分身，或是監視者，或是冷眼旁觀的神／主，或是導演，或是走 Que 的人，或是奧賽羅本尊，控制或號召帶動（由柯德峰演出）。

序幕由表演者朱正明與柯德峰的登場更換裝束揭開：柯德峰的身體高瘦不至嶙峋，灰白的長捲髮披散肩膀像老嬉皮，穿上白色的上衣與西裝褲，背對著觀眾將臉面塗抹盡黑；朱正明有著典型的亞洲勞工體格，濁黑的膚色與壯碩的胸背，肩膀偏窄體脂肪偏高，大的肚腩與相對細的雙腿，油膩的黑髮鬍渣與臉上的紋路看來經過許多曝曬風沙塵灰雨水，他脫下全身衣物內褲至全裸，皮膚上的色差讓你知道他常穿哪些衣服做哪些事情。這樣的兩具軀體和他們的樣貌，看得見那些不再盛年的無法紓洩的經年累月的等待著什麼但無從運行的生活種種。當他們一語不發安靜的待在原地，彷彿即是《【他說你今天很美】---看見奧賽羅》一個寓意暗湧的靜態景觀。當他們開口了，移動了，一字接著一字，一句接著一句地開始說話了，「故事」也就開始了。陳述，說故事，就（依然）成為這個演出再明顯不過的主要行動。作為看故事聽故事的人，我看見圍著我們的白色布幔隨微風擺動、我看見一些布幔間的進出場穿幫、我看見表演者的口水噴出、頭髮因為汗濕一條一條黏在額頰上、我看見汗水的流動和痕跡在身體之間、我看見身體的重心轉移，我看著因為腳步移動而產生的地面上的布的漣漪、我看見飛機從天上飛過；我聽見很多聲音，像是：在一旁大聲地無法忽略的水塔馬達聲、現場的樂隊演奏有的時候近有的時候遠、被允許拍照的觀眾在拍照時的相機喀擦音效、作為暗示暴風或浪潮的抽風機轟轟轟隆聲、遠方的路上有救護車或垃圾車經過，我聽見台詞，一句又一句的，台詞，書寫或改寫或截取自文本《奧賽羅》的台詞。

獨角戲表演的語言狀態／內容，時而說書，時而當局者，時而局外人，時而內在燈火闌珊處，時而天下我獨醒，衝突矛盾和解，時不時想一頭撞死戲劇張力之頑強，是常態也是必須，其精采之處也出自於此。在裸身表演加上高濃度語言的表演之下我們能夠更清楚地看見這些事情。主飾奧賽羅的裸身表演者朱正明，在情緒情感肉體能量都已完全無所保留的全然之下，讓我更期望看見語言（台詞）同樣地全然釋放。或者說我更期待聽見真實的出自我們的身體的話語而不是具翻譯感或 so called 詩意的台詞文字，作為眼前人物的語言，那些菸嗓和咬不緊的尾音，混淆的ㄓㄗ和ㄢㄣㄥ，與皺黑的懶毛下體身上的繭與傷痕和肢體慣性一樣重要可看無可替代，不應該被那樣的台詞文字給束縛馴服。

「今晚的演出，將會有三次暗燈。」

整個演出有著好品味，剛好的時間長度，用在刀口上的氣力與暴力，意念與行動並行的演出呈現。剛入夜的演出時分，驟雨停止之後的城市人聲車聲跟著還未散盡的濕意與積水隱隱浮動著，空場的屋頂地幅與天空寬闊，幾乎一點風都沒有。

其它意見：在完全無有庇護的裸體狀態下，身體的種種在劇場時空中的檢視會極度放大，身體什麼時候不確定了空掉了不誠實了都會清清楚楚。很多時候觀看一些裸體的演出更能夠感受到演出者的偽善和不誠實，裸體只是他美麗的高帽和手段。（這是一個分享，無關此演出或最近的輿論事件）

演出場地：空場Polymer四樓 - 室內或露臺區域

展現技術技藝與身體美的演出，表演者要再更放心地撒野，稱霸舞台唯我獨尊的DIVA氣勢，我們都是你的，請盡情地糟蹋和征服我們吧阿啊啊嘶。

主持人抑是，時間和場子都是你的，觀眾都是自願進來圖爽快的小白兔，一直對不起對不起不好意思一直讓大家看到我啦蘇咪嗎SAY，其實反而蠻失禮的，也無法達到緩和調劑場與場間的氣氛之功用。成發性質的演出介紹工作人員是合情合理的事情，一直出現一種現在不知道要說什麼耶詞窮啊我們有工作人員啦可以跟大家介紹一下，也讓我覺得阿嘶好像被敷衍了有點失禮的感覺哪。我我我我們都是你的，今天您上台來無牽無掛讀九九乘法表光聽數字也是可能會讓觀眾酥軟不能自己的阿啊啊嘶。（演出結束掌聲將要消失之際主持人就可以在黑暗中先開口了，銜接間始終有個空拍說實話很難不會覺得解解的啊啊啊嘶QQ..）（主持人頗有清朝姐風範以上相信完全不是問題٩(｡・ω・｡)و）

上述的事項我想跟此場為首演場有很大的關係，相信各部門在調整工作後的周末場次會非常通體舒暢。整體走向若更往晚會或趴踢的方向營造的話會讓人更加放鬆享受。

亮亮美艷如昔。是愉快輕鬆養眼的晚上。人的身體真美。也也會有點想學鋼管啊啊嘶嘶嘶。

演出場地：華山1914文創園區 果酒禮堂

演出使我聯想到《Play Games》、《晚安母親》、《孿生姊妹》、《女僕》等，以兩個女性為主要角色開展而出的小品。（情同）姊妹、母女、情侶；分裂人格、內顯與外顯、不同時間點的自己等。可衍伸的情節常見如：各種角色的扮演切換、遊戲、權力關係、親密關係、對於種種不在場或無法在場的第三（或以上）者的連結想像與可能的再現。感覺也像是啟發自上述作品們的創作嘗試。

空間不大很近很白很亮，演員的表演看起來過大過於「舞台」劇（抱歉這可能是個矛盾的形容），但是能量又僅/緊鎖在觀眾席前緣馬克線以內，講話大聲但行動動力很不篤定，兩人的親暱表現僅限於符號性的肢體姿勢走位與表情和台詞揭示，看起來不熟。互相的依賴或具無名默契的身體感應該是處理的首要重點之一。劇本看來無任何時空指涉所以這樣的基礎行動和基礎情感是凡人皆能為之的，演員看來端正健全能力無虞青春正盛，作為表演者另一雙眼睛的導演或表演指導要再多琢磨。
　
當日演出前似乎有技術問題，將開演前已Setting在舞台上的吉他與音效電腦等移往觀眾席後方，事後想來是比較好的位置，這是一個需要進入幻覺和感受的演出。各音樂和音效的質感粗糙，原以為可能是場地音響的條件限制妥協但結尾的木匠兄妹音質流暢清晰所以應該不是......

投影機的開機畫面文字或藍屏沒有方法避免的話就要想辦法運用在情節中。

可見的問題（如以上及未詳述於文的），我想作為戲劇系的孩子應該都能夠有意識和能力去處理（也必須要有），只是時間的問題。演出中的主題關注讓我思考的是，關於相親、女女戀、星星太陽系列的比喻、自我選擇的價值、值得回憶的事情都發生在海邊、物件家家酒、控訴吶喊配毀滅吉他效果器、水面下的意象、竹科工程師…，很多主題是永恆的長久的因為人類不曾有所改變，但永恆之所以永恆是因為我們不思悔改，還是也在刻版印象中被制約洗腦。反省別人反省過的，後輪的痕跡就是會壓在前輪上。以練習為目的陳腔濫調換句話說，創作都是從模仿開始。我們都會變成更好的人，像開始之前一樣完好如初。

其它意見：如果故事是形式，那形式應該？如果形式是故事，那故事應該？

色片投影的燈光運用單獨看來蠻有意思的。

今天剛剛好是星期二。

演出場地：A House