一走進舞台，便被這個有趣的舞台設計所吸引！

我之所以喜歡觀賞藝穗節的節目，除了能夠感受小劇場豐沛的創作活力之外，就是喜歡看不同的劇團如何和各式非典型的表演場地結合，做出不同於大舞台的演出效果。遠處的竹筏，長滿樹葉的樹枝，兩位打擊樂演奏者如同旁觀的神祗靜觀全場的演出，沒有輪到上場的演員也在旁靜坐沈思。這樣的安排，為整場戲樹立了特有的一個氛圍及基礎！在演出進行當中，樹枝和演員的互動讓人覺得相當有立體及臨場感，輔以原住民打擊樂不時有意向的出現，在氣氛的烘托上，是有相當的效果～

對於文本的設計，我基本上沒有太多意見！大量的教條式台詞有時讓我感覺彷彿在觀賞古希臘悲劇，但用心的原住民服飾及圖騰卻又給我一種時空交錯的感受！飾演祭司的演員表現不錯，在劇中前後的轉折清楚地呈現讓觀眾能夠更深入地瞭解其意涵並有別於其它類似題材的演出！

其它意見：部份走位及武打部份可再精準一些；演員的能量在放的部份大多很足，但在該收的內斂之處，細膩程度如果能再多一些就更好了！

演出場地：華山1914文創園區 果酒禮堂

罪惡之城索多瑪被移植到故事裡，成為那一座資源不足的部族；典型惡人形象的祭司掌握權力，將民眾對於生存的危機感成功地導入信仰模型，加以狹持並控制。本應屬於伊甸園的亞當作為男主角，卻是從索多瑪城被逐出，索多瑪的少女與母親唱出的歌謠是台灣原住民的「ho-hai-yan」，這些並無明顯指涉意味的「引用」或「借用」，都讓整齣劇充滿了混淆的意識型態。只能想著也許這故事發生在巴別塔尚未建立、大陸尚未分離的時期吧。

故事的主軸便是藉由背叛者亞當（因被選為祭品）的叛逃作為引子，而由不服從的少女（即將代替被選為祭品的哥哥）拉開序幕。不服「天意」直接導致挑戰到心中對神的信仰，人的痛苦於焉產生。信仰衝擊貫穿全劇，最末，大概是因為男女主角之間的愛情、或者因為被神選定的男主角如命大九尾狐般不死之身、又或者因為祭司最後忽然地悔改......那因世俗權力而生的強大信仰系統終於潰散。然而男主角又在這個終於獲得自由解放之際，選擇自挖雙眼（並始終不正面回應女主角的求愛）殘了餘生，徒留一個與戲劇主軸（信仰、命運的辯證）並無太大關連的悲劇。

雖然單就故事來講，坦白說不是太吸引人，且有點過於典型（typical），戲劇的意識型態部分作為表演的精神所在，也是可以持續再思辨的。然而整齣戲劇在導與演的表現上，還是有著頗不凡的表現與用心，讓這個不是很有說服力的故事變得有力道。

戲的開場在一個未知名遠古部落，當時人與人、人與自然之間的連結，都和現在不同；舞台的規劃、設置連同服裝、演員赤裸的身體以及大塊的圖騰刺青，種種設計所呈現出的視覺效果成功地將觀眾帶回了那樣的時空。然而序幕開啟之後，過多的台詞以知識化的措詞和口吻被演員們一一道出，多少破壞了那樣的時空臨場感，給這齣戲帶來了矛盾的文化混雜。這在戲的前半場是製造了焦慮與干擾的。

並非說原始部落的人們在語言使用上就必定得素樸，而是在觀賞一齣時空背景設定在較之現代社會更為原始的戲劇時，我們期待舞台上的身體展現能讓那樣的設定更加自然成真。遙遠的人們在生活之中所建立且內蘊的「精神」，因為與現今思想中流傳的概念已經有所歧異，這些「不能說」也說不清楚的內涵，透過身體與儀式反可以適當地將其展開與傳達，而讓觀者了然於心。然戲劇中太多人物的內心輾轉，皆是以長篇大論且深奧繞口的西方古典哲學或是希臘悲劇詩句加以「解釋」。效果上便另我感到「解釋」過多，而破壞了戲劇設定本身的合理性與流暢。

舉一例來說，當獲救的主角少女在男主角亞當獲知父親之死並透漏內心脆弱的夜裡，少女對亞當動了側隱之心，也許也動了男女之情，這時少女（一個在故事設定上是不擁有權力的平民、且是能以「哥哥是家族命脈」為理由而被支配成為祭品的孱弱少女能夠忽地）以「人生、信念、苦難」等等說之以理，也暗埋了一條未來男女主角相戀的故事線......這樣的敘事手法，儘管演員本身十分投入情感，卻仍在一瞬間令我感到似乎在觀賞好萊塢式「西方文明視角」詮釋傳統部落故事的窠臼。然而當少女輕輕將亞當擁入懷中，以也許是童年母親安撫惡夢時的搖籃曲，也想安撫亞當，這時男女主角的親近又自然成真（落回到我們所能同感的少女的世界）了。

總體來說整齣戲劇的敘事手法不斷交纏於文言解釋（一個「文明的他者」之視角） vs. 身體開展（故事主體的視角）兩種觀點（以及觀點所影響到戲劇形式的選擇），令人感覺尚未找到一個系統性的觀點放置，或者更多是受了西方大銀幕敘事型態的影響，不自覺地多採取了前者。而後者則有些可惜地，似乎僅是用於展現戲劇張力了。

但恰是這用以表現戲劇張力的手法，是我在觀戲過程中非常喜歡的。導演簡潔有力地處理許多走位與換景，打鬥與追殺的場面除了充滿原始的肉搏感（這些真的也感謝演員的表現及肉體）之外，在肢體處理的手法上也使用了許多拼接手段，提供視覺效果上的拼貼剪裁感，給予觀眾節奏明快的想像空間。

大量追殺場景都伴隨有兩位樂手的現場敲擊，演員們在表現短兵交接的緊張感時，排出陣勢，舞步與鼓擊呼應，這也都是耗費大量排練時間所培養的用心與默契。

雖然沒有看過flavors劇團的前兩部作品，但從〈英雄〉這部作品中可以看出該團擁有豐沛的身體性潛能，令人期待也許能迎來脫胎換骨的敘事功力。

演出場地：華山1914文創園區 果酒禮堂

誠意而不嘩眾取寵的製作，回到古希臘悲劇中神對人命運主宰的探索，但也試著通過主人翁的際遇做出質疑詰問，若叛逃成為獻祭品的亞當一角，能夠將他叛逃的動機，以及後來為何又歸返，乃至臨危前挖下自己雙眼的內心掙扎衝突處理得再細緻清楚一些，撼動人心的力量會更大些。

全劇儀式氛圍的掌握得宜，融合西方原住民圖騰及台灣泰雅族文化特色，加上一點創新拼貼的元素，舉體表現在服裝造型、音樂、舞蹈等方面，有幾分跨文化的想像趣味。

一群年輕演員在這齣陽剛味頗重的戲中表現稱職，然而要特別點名批評飾演索多瑪戰士和東來族戰士的廖偉豪。開場時全體吟誦台詞時，卻不專心的沒跟上台詞節奏，下場時竟還自以為是明星般地對著觀眾席某方向觀眾做出微笑、放電，手還差點要舉起來揮手。他的閃失，不幸被看到，若其心態沒有調整，勢將成為這齣戲最大的敗筆。

演出場地：華山1914文創園區 果酒禮堂

每個人的心中都有著一位英雄，在你心裡的英雄又合該是什麼模樣？

戰鼓聲響敲醒演出序幕，本劇以一個封建式的部落族群為主軸，部落祭司相信以活人獻祭能將會換來部落的和平，否則將會發生難以言喻的重大災難。一名女孩被迫替代自己的哥哥成為祭品，從懸崖落下幸運的逃過死劫，被差點同為被獻祭者的男子亞當所救，亞當的父親為了不使兒子喪命，反變成部落裡的背叛者，在祭司的指示下被當作活人獻祭的犧牲品，女子與亞當前後分別回到部落，卻遇到東來族侵襲，對於神開始發出質疑的，除了女子與亞當外，就連當初信仰神而選擇活人獻祭的祭司也發出了疑問，究竟他們所信奉的神，真的是眾人心目中的英雄嗎？

演出人員皆為台藝大出身，演出水平一致性極高。音樂與道具的一體多用，是本劇最令人驚艷之處，音樂著重在打擊樂器上，營造出戰鼓的緊湊感，配合人聲搭唱，在幾幕戰鬥場面的氛圍營造渲染相當完整；人工樹枝與演員間的搭配，木筏可以是山坡道路與懸崖邊緣，化繁為簡的想像運用免去了大量的換景時間，三位民眾演員以對話講述劇情的手法，使觀眾可以把重心完全放在演員的表現上不致拖泥帶水，劇情流暢緊湊，兩側觀眾席可由不同角度一窺演員的賣力表現，著實是相當妥貼的安排。

《Hero》本以劇中部落所信仰的神為領頭英雄之意，但在演出中逐漸被挖掘而出的是，當人對於所信仰的方向產生質疑的時候，神是否仍然可以被信任，在劇中發出了許多的問號；更深入一層的用意是，劇中人對於神的詰問，也是對於社會當權者的所做所為，及未來將何去何從所發出的反問。

演出最終以亞當選擇自殘雙眼，保住女孩性命的行為，與女孩開創出一條屬於自己的未來新道路，創傷後展延新未來是必然的結局。雖少了點新意，但過程中的幾個觀點，倒是適合觀賞本劇的觀眾們在看完本劇後，能有不同的思索方向。

其它意見：1.只要是特定的角色，就該有個名字(除民眾及戰士等多人角色之外)，雖然可以理解編劇試圖淡化其他人的痕跡，以亞當做為翻轉事件的契機，但最大的變動因子實則存在於該劇被活人獻際而倖存的女孩身上。她或許不重要，但也該有個名字。擁有屬於自己的名字，靈魂與外在形象也就隨之豐滿飽實。

2.對話部份不要使用太多至理名言式的類型，容易陷入一種宣教式的情境，少了自然對話中的樂趣，透出一種刻意為之的做作與匠氣。

演出場地：華山1914文創園區 果酒禮堂