沒做功課，來到場地，嚇了一跳，小小場地，表演區大約單人床大小，放了紙箱當桌子，三個演出者坐在台上準備，等到燈暗，手電筒亮起，才知是偶戲。

有著淨琉璃的形式，不同的是：主操偶師右手執頭，左手當偶的左手，整個顛倒，第二操偶師的右手當偶的右手，因此兩人的手打結交叉，默契更顯重要，也象徵了整個演出的糾結，由於偶沒有表情沒有台詞，情緒得靠手來呈現，雙手抱頭，單手觸額等等。

另一位演員負責手電筒照明，上下牙床的磨合，與丟出新的信封。這齣戲呈現不斷將信封蓋章分類投入袋中，那不停不停重覆蓋章的動作讓我想起黑澤明「生之慾」，志村喬飾演的公務員一生都在蓋章的無奈，偏偏這個偶頭充滿東歐的風味，像是揚斯凡克梅耶動畫中老頭造型，結合了芝麻街的青蛙大嘴。

由於一直在期待那一雙牙何時會進入偶頭的嘴巴中，對於磨牙帶來種種的內在影響反而毫無感受到結束牙齒都沒歸位，加上太過單調的演出，撐到最後，也無驚奇或扭轉一切的轉折，有點帳然若失。

演出場地：52Hz Coffee Bar

自創劇本很容易碰到只處理主線與在乎的題材，而忽略支線的因果，終將反撲回主線。以及總會碰到企圖在劇場的單一空間中，運用電影蒙太奇的手法。導致太過零碎片段，這齣戲在一開始犯了這個毛病，童年與現在，回憶和過去，本我自我超我，父母吵架離異，姊妹相處，太過零碎而鬆散。

漸入佳境的是導演手法逐漸成形，安排三個人來演妹妹的角色，運用舞蹈來呈現內在狀態，不只是舞者，連父母吵架時演員也融入舞蹈動作，這些都非常棒。演出到一半後，演出的空間，劇場感才真正出現，幾乎在同一空間的獨幕，衝突與張力，戲劇的魅力展現，對比剛開始空間的不確定與剪接般的跳躍，演員的靜默醞釀變得全無意義，可以想像若用獨幕劇的形式，開頭的故事要怎麼說才能維持一貫性。

開頭與結尾時，如主題曲般的歌聲動聽，但唱歌的男生，一路罰站到結束，好可憐。

演出場地：藝・風巷

看完後滿滿感動，藝穗十年耕耘有成，沒想到才十年就出現這樣驚人的創作。

還記得藝穗節何時開始有阿卡貝拉的節目？什麼時候從阿卡貝拉結合了中文音樂劇？帶動了新的表演類型。「A劇團」一次次挑戰各種不可能的任務，這次藝穗十年，將參與藝穗節的種種面向入戲，儼然成為藝穗節大百科。七點半的戲，七點鐘的排隊人潮已經很驚人了，觀眾都非常厲害，搶票不落人後，還知道要早點來搶位。

這個演出其實是概念先行，先堆砌關於參加藝穗節的種種遭遇，再轉化成情節故事，強調文本之下，導致在阿卡貝拉的技巧上偏弱，音樂的設計多元卻不突出，而且關於文本原本應該出現不少拉扯，要反諷還是歌頌，基於各種掙扎考量後，才有我們今天看到非常「和平」的作品，為了慶祝藝穗十年，十段格局讓全劇長達兩個小時，筋骨酸痛耳朵也疲乏，但是這一切都非常值得，我看到了ㄧ個在藝穗奮鬥多年的團體，在累積強大粉絲後，對藝穗的回饋。

演出場地：大稻埕戲苑-八樓曲藝場

這是藝穗的奇葩，一生只能成就一次的演出。
當濕地地下室的幕拉開，是的這裡真的有幕，我看到的是……留著jim morrison頭髮的David Bowie嗎？但沒有那麼邪氣，也沒有那麼狂野，只穿有著隆起的緊身內褲，和隱形螢光刺青，用那變聲期沒變過來的聲音，唱著自創的英文歌曲，描繪著他的心境與吶喊。

整場演出彷彿紀錄劇場般描繪著演出者「陰男Fanyu BUBU」的奇特生命篇章與藝術才華，奇特主要是關於性別，男身女聲，他的身體是男孩的身體，扮成女性也剛剛好的膚質，當他以女裝出場，是美麗而非扮妝皇后那般誇張。演出中除了展現那搖滾主唱的英文詞曲的創作才華與自彈（Keyboard）自唱之外，巨幅的繪畫創作、奇幻的繪本創作，一股腦的要將自己美麗的不堪的全部推出與觀眾分享，在編導黃法宓的結構下，共同參與了Fanyu BUBU的奇特生命經驗，

Fanyu BUBU展現了獨特的魅力，能讓人目不轉睛的舞臺能量，同時也讓我感受到這些年來性別議題的逐漸友善，在我那個年代，跟Fanyu BUBU同樣男身女聲，同樣有歌唱與繪畫才華的學長，在備受歧視與霸凌的環境下，跑到海邊故意喊破嗓子，大學過得風光，畢業進入體制後為了飯碗不得不剪去一頭秀髮，看到Fanyu BUBU能在劇場自在揮灑，坦然面對自己，即便家人這關最困難，但整體的環境已然改變，感到欣慰！

濕地地下室的空間非常酷，長方形空間，舞臺深度很深，巨幅繪畫在最最後方的牆上，投影用了雙機，都投在側面投影幕上，我的座位可以看到，看靠投影牆那面的觀眾，可能看不到投影的內容。

我不知道「陰男」是什麼意思？是命理中的「陰男」，像大衛鮑依般雌雄同體？還是性別的分類之一呢？

演出場地：濕地Venue- B1

「反面穿舞蹈劇場」主創張家豪，去年以「自由雞」報名藝穗，作品「洋蔥」以二男雙人舞獲得佳作獎，但另一名電腦工程師工作壓力大而退出，改由楊涵羽加入，獲得台北藝穗節的推薦參加了深圳藝穗節，去年也在空場LAB公演一場，今年獲選為兒藝節的團隊，演出「 圓石頭」。

會這麼密切注意這個團的動向，是因為去年看了「洋蔥」，有勾起了為什麼喜歡現代舞的初衷，這些年看舞，舞者條件越來越好，技巧越來越高超，當代舞的潮流多元豐富，但是「反面穿舞蹈劇場」的兩位舞者都非舞蹈科班出身，沒有高超的技巧，完全沒有芭蕾的訓練，有的是對現代舞的熱愛，將身體能力所及的各種連貫動作的變化，反覆嘗試，沒有專業舞者的包袱，他們動作組合流暢可愛，又俏皮又具深意。
這次作品來到了專業的牯嶺街小劇場，用了現代舞來勾勒愛情的主題，搭配了許多物件，將舞臺鋪了一圈的火車軌道，火車如時鐘般繞行，到最後脫軌直行，消逝在牯嶺街劇場後方的監牢，意象極美，也用了漁網相互捕捉，套在頭上宛若面紗，用了切半的水果當成擲筊、還有蘋果雞蛋等等，豐富的物件利用，以及有趣與異國元素的音樂都是這個作品的特色。

另外我也喜歡男舞者穿群子舞動的部分，但這個作品在幾個地方，感覺在等音樂或是再等燈光的CUE，而使得節奏感突然慢下來，可以再緊湊些。

演出場地：牯嶺街小劇場一樓實驗劇場

這個演出的成功，主要歸功於劇本，以後設的手法去解構卡夫卡的變形記，讓角色與說故事的人對話，甚至也挑戰了後設，到底角色是虛構的，還是說故事的人其實只是角色的想像？

我認為最精彩的部分還是那段反諷到台灣今日種種現象的段落，非常痛快，但這麼潮的劇本，卻用了30年前的蘭陵風格，那個服裝與CUBE，有點反高潮，導演玩了不錯的手法，一開始舞蹈般的肢體劇場，讓兩個角色由六個人來演，簡化故事的重複，六個人分接台詞，以及最後一段3個男生飾演阿明，三個女生要阿明反抗這一切，這裡的安排很不錯，但對照到中間那段，角色回到兩人身上，蠻長的一段，其他四人都無台詞也無動作安排就顯得有些尷尬。

其他還有些我個人覺得還可以更好的地方：有些演員的聲音還要加強，當情緒到位，台詞就聽不清楚，有時故意用力以耳語唸出，也都聽不到，若是在玩聲音在空間中的層次變化，讓觀眾聽到在講什麼應該是基本要求。說台詞時的身體都保持雙手下垂的狀態，不知是否故意安排，使得整體畫面有些呆板。

演出場地：Woolloomooloo西門店WOW

這個在華江整宅的演出實在太讚了，天時地利人和，完美的搭配！

如果稍微追求安逸，在台北水窗口裡面或是迴廊邊演出，格局可能因而受限，「即使我們生無可戀」團隊將戰線拉大，運用了台北水窗口兩邊的天橋，這當然需要冒險，萬一下雨，太熱該怎麼辦？用到天橋，沒有燈具照明，只有路燈，用到天橋，那居民要通過的路權怎麼辦，一切都考驗著售票演出的要害，但是不冒險不放手一搏，就不會成就傳奇。這場演出也許將成為經典，讓我想起卅年前解嚴前後前衛劇場的衝撞，那種大膽不顧一切的生猛，記憶猶新。

我大約7：10抵達水窗口，兩位女舞者就已經跨坐在兩位猛男的肩膀上，宛若門神，守候在天橋與水窗口之間，女舞者雙手持著手機，360度紀錄著周遭一切，猛男維持這樣的姿勢狀態超過半個小時，幾乎沒給觀眾什麼指令，自由遊走於兩座天橋，愛怎麼看就怎麼看 可以拍照但不能直播，天橋欄杆上點綴著燈飾，有各種裝置，調掛衣物，夾著圖片、各種物件，要說精心布置，其實是破爛一堆，但說完美演出其實可以挑出各種缺失，但瑕不掩瑜，反而在這都市被遺忘一隅，這些頻率恰好共振。

光是渾然天成是不夠的，靠著小聰明可以成就些什麼，來看看舞蹈的內容與本質，舞者幾乎全著胎衣，從一開始由宮廟文化尋找著魔的身體，到最後如遊戲般的指令變化，都有著紮實的訓練與嚴謹的結構設定，卻保留著很大的彈性空間，舞者有很厲害嗎？也許離專業舞者還有段距離，但在這種水泥地中跳舞，旋轉，瞬間要趴在地上，打滾、翻覆，瞬間要爆發彈跳，如果有要求整齊音樂也對了，也許就變成侯非胥也不一定。

現場的音樂伴奏，在這樣的空間分外有趣，也一直出現錄音帶磁帶的快轉聲，也加深了奇特的氛圍。也有戲劇的段落，用舞蹈包裝，只是多了台詞，那段在天橋上的舞動，整個天橋都搖晃起來，用陰性念白的男孩，好像隨時都會跳下天橋，猛然變成低沈男音也帶有幾分淒厲。後來的指令那段非常有趣，像是通關密語，也很好奇那先指令的由來，每道指令都有相對應的人或動作，群體中有異有同，快速在兩座天橋間穿梭。結束後別急著離開，還贈送安可。

好像也只有舞蹈的節目能這樣玩。
而舞蹈能玩到這樣的程度，豐富的創意與能量，原本擔心疲弱的編舞人才，在看舞的當下，有了心安的感覺。

如果最高只能給五顆心，那我之前看過的通通都要再減半顆心了！

演出場地：臺北水窗口 (華江整宅)

這齣描寫女孩心事的舞蹈，編得俏皮可愛，舞蹈可以編得好看，對於要傳達的意念想法缺乏信心，於是很聰明地加入了戲劇的成分，想藉由語言與表演精準傳達想法。

對於拿手的舞蹈設計，的確傳達了抽象的情緒，戲劇的部分卻缺少了好的設計，導致演員有超過一半的時間尷尬站立於舞臺上，還遮住光線，後方舞者豐富肢體，成了演員的內心世界，等到輪到演員發揮時，卻又不是獨角戲的發揮，而是有個不存在的對象，或是空氣或是錄音，獨角戲需要演員有強大能量來凝聚觀眾，或是厲害的對白腳本，社交聊天或是父母間對話壓抑，都過於簡單直白，只有到最後的好聽歌聲才有所發揮。

舞蹈的編排還算不錯，雙人或三人都好看，在不大的空間中身體的掌控能力也不錯，但是有幾段搶東西爭奪玩鬧的片段，舞者的身體就回復到一般人，真實的玩鬧少了舞蹈的技巧與設計，在狹小空間中看來像摔跤比賽。

這是藝穗節唯一團隊有找記者報導的演出，所以可以了解創作者來自不同背景，雖然沒有繼續走舞蹈路，但仍熱愛著舞蹈，那藝穗的舞臺就是為你們而存在，希望繼續努力，玩得開心。

這場有很多相機在拍攝，快門聲關不掉就算了，可以關掉的有對焦聲，以及對焦輔助燈，通通都不關，對焦聲輔助光然後是快門聲，不但拍演員也拍觀眾，輔助閃燈在黑暗中干擾演出也干擾觀眾，麻煩請在設定中關閉它，或請換S牌新相機完全沒有快門聲。

演出場地：濕地Venue- 3樓展演空間

這個演出我還蠻喜歡的，手法成熟，劇本有打到我，一下將我帶回「七個畢業生」的回憶中，這是1985年的電影，要有點年紀的影迷才會知道的電影，黛咪摩爾大約才20出頭，內容描述性格各異的大學死黨，平日喜歡聚在學校附近的「St. Elmo's Fire」酒吧哈啦閒晃，畢業後面對現實世界考驗，有人如魚得水，有人迷失方向；歷經波折後，他們最後還是在彼此友誼中 找到了人生方向，也找到了面對生活的勇氣。

這部電影很紅，後來只要類似這樣劇情的電影，都會被編為「St. Elmo's Fire」類型電影，像近期將映新片「閨蜜假期」，也是這種類型的題材。這齣戲也是這種類型，不過非常聰明的，在「St. Elmo's Fire」類型外的變化，用了四個男性室友，安排了好幾個同志嫌疑的動作停拍，但卻又不明講之間到底有沒有愛戀關係，青蛙的好女色是否為了隱藏同志傾向，在失落的表情在不言語的靜默中，一切都朦朧曖昧，甚至完全沒有要處理這塊。

相較於藝穗其他那些將各種場地當成鏡框劇場演出，不斷換景的演出而言，這齣獨幕劇的舞臺是我所喜歡的，只有ㄧ個由巧拼與紙箱建構成宛如垃圾堆的男生宿舍場景，亂中有序，所有故事都在其中發生，只有幾段領獎致詞、面試、上電視甄選透過麥克風與光圈來烘托。

演員忠實呈現出各自性格，以及畢業前後的徬徨，也發揮了音樂的專長，真的要挑缺點的話，將近100分鐘的戲太長，連累了節奏感，第一次麥克風失靈，應該是技術上的失誤，還有投影為何出現梯型呢？

演出場地：Woolloomooloo西門店WOW

今年藝穗看了好幾檔認真製作，卻企圖在非劇場空間打造黑盒子鏡框劇場，嚴格遵守各種不穿幫的規矩，偏偏劇本又把劇場當電影場景來用，疲於暗燈換景，當然這齣也是案例之一。

如果場景變化多，卻又多是主要兩三個場景在做切換。既然都在非劇場空間了，又是在排練場，其實可以規劃成兩個空間，ㄧ個當成客廳，ㄧ個當病房或其他，當演員在客廳時，另ㄧ個空間就可布置下個場景，根本沒有穿幫的問題，這又不是鏡框劇場。

今天還是花了許多時間在換景，燈暗，演員離場，演員離場結束，才開始換景。明明都燈暗了，演員離場同時不就可以開始換景了嗎？為何要堅持演員離場完，舞臺都黑黑的阿，
阿公說台語，阿媽卻說標準國語，爸爸國語有客家腔，那為何要走一種寫實基調？一家人沒餐桌，圍在客廳茶几吃飯，一桌豐盛佳餚香噴噴，都傳到觀眾席，阿公持遙控器開電視，台語新聞播報當背景音，阿公中午可能沒吃便當，嗑完一碗飯還舀湯來喝。要走寫實容易出現破綻，因陋就簡，要合情合理，不要憑自己的以為來假想簡化。
劇本也是大問題，說八點檔一點也不過份，完全可以猜中接下來會怎樣的八點檔。什麼都想觸碰，重男輕女，三代同堂紛爭、婆媳問題，母親就業，繼承家業、毒品問題，親人死亡、心理疾病、追求理想等好多議題，卻只處理了理想受阻與實踐，其他都無進一步發揮。是否刪掉一些議題，能有效縮短演出時間呢？若用雙舞臺來場面調度，可以省下十分鐘，刪掉一些議題，可以再省10～20來分鐘。

演出場地：莎妹劇團「自己的排練場」

是ㄧ個很靦腆可愛的演出，是ㄧ個分享孤獨的獨角呈現。
卻也呈現創作中的政治不正確，因為嚴重的車禍打壞了人生的計畫，甚至也影響了計畫的勇氣，但裡頭出現正義魔性的咄咄逼人，得理不饒人的態度，如果只是呈現當時的內心狀態我可以接受，當身體日漸康復，到今天可以站上台來面對觀眾，人生有如此轉折考驗，應該要抱持感恩之心，而不是獲得合理賠償金後對自己好的爽爽人生。
你要感謝的不只是上天，更要感謝的是爸媽，是任何幫助你或是不幫助你，甚至是撞倒你的人，為什麼會覺得全世界的人都要幫助你？因為你受傷？憑什麼？若未來作戲票房不好要怪誰？這樣的政治不正確，即便真誠，卻也只會獲得討拍的反效果。

撇開內容的政治不正確，再來談談表演，口語的表達在獨角戲中算不好的，表演中也少了自信，無法掌控全場渲染觀眾的氣勢，就這場演出而言，演自己的故事還演成這樣，完全不是演員的料，但是…就說故事的鋪陳角度，對劇場空間的想法，CUE點，光線角度、投影等等的運用很不錯，則完全是位編導的人才，不要再演戲了，要不然得好好訓練一下聲音技巧與特色，找到自己的獨特性。

說到編劇，在描述人生經驗的同時，安插了幾段看似無關的片段，山神的故事、與父親對於服從的看法等等，當下會覺得離題，後來想想，就像是紀錄片在拍攝主軸事件之餘，有時會帶到空景，或是物件風景，作為調劑轉場。而一口氣要說完事件會產生疲乏感，適時安插無關的段落，是聰明的安排，看似無關，卻是建構起角色個人特質與信念的關鍵，同時也呈現那種不被全世界理解的孤獨感。

建議：政治不正確這個很好改，可以讓演出變成完美，但不希望是偽心演出。
好好當編導就行，也學習如何物色激發演員的潛能。

演出場地：納豆劇場

這是個中規中矩老派的演出，燈光舞臺音效服裝一應俱全，甚至還有TD。40分鐘的戲，兩個場景，卻有6個演員，7個篇章，1995漢堡餐和經典皇家早午餐一共出餐兩次，但1995漢堡在劇中台詞出現超過十次，遠勝過經典皇家早午餐，但劇名取為「經典皇家早午餐」，劇中引用了酥皮濃湯，我們被表象所吸引，反而忽略內容。

將拆成七個章節的內容統整起來，大概就是妓女出了一本書，內容有些是訪問，有些是在餐廳偷聽別人聊天的內容。別人聊天的內容有某段要選哪位當總統的，也是抄自網路上的故事。

明明是自創劇本，不知為何演起來卻有些翻譯劇本的調調，劇本是一大問題，順便做一下廣告，建議可去看一下近期上映電影《她的應召日記》，帶觀眾一探爭議小說《妓女》作者妮莉阿坎流星般香消玉殞的一生。她將其妓女的經驗以半自傳式寫成了暢銷書，內容大膽香豔，妓女們每天會上網去看「嫖客看心心」，看嫖客如何對妓女們品頭論足，功夫細節的品味介紹心得，寫到這就好，就知道這劇本的欠缺，與以管窺天的貧乏人生經驗，更不用提那假惺惺的哲學辯論，戲劇不是要呈現劇作家有多厲害，而是要能先感動自己再將其轉化撼動更多販夫走卒。

舞臺技術還可以，自己搭了兩桿燈竿，皆以軌道燈攝影燈為基礎，多了樹影GOBO，霍普式百葉窗光影，雖然擺脫了劇場燈具，但整體設計思維卻還是一一樣，只是為何執著在那Fade out，明明DIMMER太低電流突波會穿，就直接拉掉就好，硬要走滿十秒，閃閃閃變成鬼屋變成主秀？戲完兩秒內燈暗，沒有餘韻不需回味。

看完後好想吃1995漢堡和起士蛋糕～還沒吃晚餐看演員在台上各吃兩回合，太過份了！！
票根送咖啡，再送半顆心～

演出場地：空場Polymer

快來跟葉小姐度過一個愉快的夜晚吧！
然後我就跟葉小姐度過ㄧ個愉快的夜晚

葉小姐是個創作型歌手，但我不是我是歌手的導師，無法判人生死，音樂也不是我的守備範圍，在音樂的創作領域無法給予任何意見，但反過來思考，今天如果是張懸來報名藝穗節開演唱會，結果會如何？看戲大隊會買單嗎？

葉小姐是學戲劇的，所以找了學弟導演想安排戲劇的成分進來，但碰到了兩難：要滿足歌迷還是要滿足藝穗節？網路上看到葉小姐四月開的演唱會，因為時間夠長，玩得很HIGH，而今晚因為時間的關係，為了滿足歌迷，就少了好玩的部分。學弟透過旁白，勾勒了葉小姐童年與成長的回憶，ㄧ個段落一首曲子的結構，構成今晚演唱會的格局。但童年與成長經驗和大多數人一樣平凡無奇，即便努力寫成文本，也無加油添醋，呈現大家都差不多的平凡經歷。

真誠隨和的性格流露出真性情，沒有腳本的言語像鄰家女孩聊天般鬆散與跳來跳去的思緒，唱起歌來卻判若兩人，歌詞也推動著經過她拾穗後的人生吉光片羽，節目緊湊，少了花樣驚奇，本質上還是老老實實展現演唱功力的演唱會而已。

演出場地：後台Backstage Café

「人」「畏」為「偎」，人因為有所畏懼而「依偎」在一起，「依偎」很抽象，但這個演出將其化為實際的行動。

兩組男女的組合，以舞蹈的紀錄劇場方式，呈現彼此的差異性，Da Kanaw展現其原民特色的好玩口音，與其所受的舞蹈訓練，現代、街舞等等，都和原民舞蹈渾然天成的融為現在的他，雖然不知他是哪一族，但從他那南島的體格與名子，我猜是魯凱族吧！
第二位是來自義大利的Mauro Sacchi，毫無贅肉的完美體態，像是PRADA還是BOSS裡的男模活生生走出來一般，他在台灣11年用台灣腔的華語講出他的生命史，他熱愛籃球與唸書，拿了獎學金去美國追夢，後來來到台灣學佛學舞學中文談戀愛，從北藝大畢業，父親過世等等。
兩位女舞者則展現了當代台灣舞者的水平，像大數據一般呈現出各自所代表的認同族群，台灣女舞者話不多，在台上就是do the best，三段非常誠實也非常個人特質，然後一起舞蹈的部分也非常成熟。作品最後實踐了「偎」的溫暖與溫度，四人各擇一區，與觀眾依偎擁抱，Da Kanaw則一一邀請了觀眾上台跳原民舞，台下的觀眾輪流去擁抱舞者，從依偎中去感受到溫度關懷與安定認同的能量。
這已經超越了視覺與感官的體驗，是難得一見的成熟演出。

建議：這個場地原本是攝影棚，曲面的牆壁可以造成奇幻的視覺感，若搭配攝影的燈具以及地燈加強，會讓視覺更加時尚感。

演出場地：HAUS Studio

這是亞洲寶貝蘇美艷第四度登上藝穗節，印象中第一次來到藝穗節好像是2013年，單槍匹馬ㄧ個人一台投影機，完全無法歸類的獨角秀，開始了她個人生命史的軌跡，從童時光到成長歲月，每一句話都滿載能量，每ㄧ個表情、眼神、動作，都好像精準設計過，挖苦諷刺自嘲模仿，自信滿滿到可以感染到在場的所有人。

停了一年去北京中央戲劇學院唸書，隔年回來就以兩地的求學與生活經驗又做了一段演出，連續四年來的演出，都是出自於她真實的生活經驗，透過轉化精鍊成一晚滿滿笑料內容的秀，投影也在她的秀中扮演功不可沒的角色，CUE的精準，是那種搔癢正中下懷的爽快，不像一般漫才的段子，她的內容都來自於生活經驗融入個人特色之中。

而她選擇以「舞臺演出」的形式來呈現她的喜劇才華，也充分掌握到劇場的空間，與觀眾的互動，這也成為她的優勢，以及無法複製的個人魅力。這次的主題以學校老師的經驗作為發展，雙關語、模仿與事件的設計等等，還有關於教育被比擬成「我不入地獄誰入地獄」的失落，也都在笑鬧之餘，帶來收尾的溫暖，我們又再度共同參與了蘇美艷的人生篇章。

演出場地：77 OMG 文創中心- 3F Studio

先談談這齣看完很開心的作品優點：
1.角色設定的成功，裝扮與形象上的落差與之間的對比，一出場就很容易造成喜感。
2. 得靠實戰磨練的臨場感不錯。
3. 空間利用活潑，從樓下爬上樓，或是穿越觀眾區域
4.手電筒那段非常好。
5.音效的處理不錯，配樂則太強烈，強過所能勝任的表演。

再來是一些建議：
台灣的小丑有濃濃的法國默劇傳承，從馬馬到姚尚德，都有著紮實的基本功與各自風格，還有強大的內在動機，他們都從自我內在出發，從「小」開始，在「丑」的領域中追求真誠的感動。「丑」功先不提，來日方長，先從創作來談，一下子想要挑戰如「基頓」式的冒險，「法櫃奇兵」般的內容，會像小孩架大車般不易掌控，像是最後想要呈現共患難相扶持的情感，就無法很深刻，被太多東西佔滿削弱。最後只剩下像手電筒那段，因為那無關探險無關旅程，只要一進入旅程，就只剩下「特寫」，划獨木舟，過懸崖峭壁，只有一站一站的跳躍，缺乏那化險為夷、陰錯陽差的連結，更不要提「遠景」或「中景」的處理。

說故事有時候要鎖定對象，雖然小丑老少咸宜，但要處理這樣有劇情的長篇實屬困難，對象就要分清楚，劇中出現巫師時，現場的小小朋友完全不敢看，要不然不要太貪心，故事先從「小」累積，長篇或是大規模的戲，來日方長。

演出場地：臺北市社區營造中心-仁安醫院

在這次藝穗節中，心心給得少的，大多屬於內容貧弱的演出，偏偏內容越貧弱，演出就越長。為何內容會貧弱？通常是因概念先行，先有了個想法，然後從想法去延伸變奏，兜出結構，輔以形式，少了劇本的設計與佈局，少了語言的琢磨與韻律，通常就會變成好像是集體創作式的玩樂，想法不斷堆砌，過程充滿歡樂，和嚴謹劇本的先苦後甘大相徑庭。

「國文課」本身其實與國文無關。跟「課」比較相關，探討的就是課堂間的學生霸凌，未命名工作室為演出形式定調為「任務劇場」，觀眾在進場時要抽籤，每個人都被賦予一項任務與國中制服或小學生帽子等裝扮，指定到特定座位，觀眾席分成三區，ㄧ區是國中生教室，ㄧ個是小學生教室，一區是家長/老師區。恕我無知，我知道有互動劇場，但不知什麼任務劇場，有能力讓「互動」變成你的「任務」那是各憑功夫，指定觀眾變成演員完成交代任務，觀眾是有票房拆成嗎？最倒楣的觀眾就是被霸凌那位，有一段時間被帶到幕後交代事情，那之間的戲全都沒看到，同樣花錢買票進場為何有差別待遇？若是要觀眾參與任務演出，是否賣票時要註明清楚？要不然請拿出實力讓觀眾自願配合而非指派。

說到霸凌，但演出來的只是造謠排擠而已，只是霸凌的幼兒園程度，霸凌中還有人性中恐懼與懦弱的一面，完全感受不到，唯一值得嘉許的設定是：國中教室逞兇鬥狠霸凌別人的老大，原來是在小學教室中被霸凌的那位，有了一種奇幻的時空感。另外就是演員特別辛苦，得保持興奮穿梭在三區觀眾席中，不斷鼓譟來帶動觀眾。

演出場地：77 OMG 文創中心- 3F Studio

農曆七月來看鬼屋，恐怖喔～
若提早來到仁安醫院，在樓梯口下方就能感受到樓上陰風慘慘尖叫連連，不時有靈堂前的誦經圍繞，當然還要取決你同梯的隊友，將會決定鬼屋的恐怖指數還是歡樂度。

印象所及，藝穗節好像從未有鬼屋，的確鬼屋製作成本驚人，不知道是不是也有四小時換場的規定，佔地不大的仁安醫院，如何搖身一變成為有各種關卡體驗的怪怪屋，由同志團體不惜重資，動員人力，透過鬼屋的包裝，四段沉浸式小劇場的呈現來傳達理念的手法，的確讓人充滿驚奇。第一個視聽小劇場，原本以為滿地落葉，坐下來才發現是滿地蟑螂，有人老僧入定有人尖叫彈起，膽小的人好適合來玩鬼屋喔～

我好不適合玩鬼屋喔，看到牆壁縫伸出一隻手，想跟鬼握手，對方卻嚇到縮手，女鬼看到大叔都會退散，男鬼也不來捉弄，只顧著欺負膽小。醫院鬼本是良善之人，肌肉猛男等等。既然鬼見愁，只好體驗一下老醫院的新隔間，鬼屋的佈局。

嚐鮮指數：4
驚嚇指數：2（來自隊友的貢獻）

建議：要搭配最近電影熱門角色，紅衣小女孩、怪怪怪怪物、安娜貝爾...
或是看看《約會不看恐怖電影不酷》，學個幾招～

演出場地：臺北市社區營造中心-仁安醫院

「瞎密～～這些演員是配音員」
「廢話！門票上不是有寫」
「南無隔行如隔山菩薩摩訶薩」
The end

這場的演出形式，就像是「亞洲寶貝蘇美艷」第三度榮耀回歸藝穗節的演出，好巧也在同樣的場地，同樣的舞臺面向與觀眾席擺設，同樣個人生命史的呈現，同樣的個人脫口秀，有其他人幫忙演出。當第一位配音員上台描述他的軍旅生涯時，我就一直在等蘇美艷登台，很可惜地，這場只有形式類似，其他完全不像。

同樣靠語言說話，內容卻非常不足，無法吸引人，無法產生畫面聯想。應該是強項的語言，卻成為敗筆，口說無憑蘇美艷今年一樣有參加，去看看就明白。再把門票拿出來看，「我的雪特時光：在成為配音員很久之前的人生」，突然豁然開朗，「響亮亮的配音員們」真的用心良苦，不惜扮醜扮弱，也要忠於原味，呈現在成為配音員很久之前的人生，非常雪特的時光。

但也希望「響亮亮的配音員們」下回能展現配音員的真本事，告訴我們配音員的人生甘苦，讓我們都能靠聽戲進入耳朵懷孕的狀態。

演出場地：Woolloomooloo西門店WOW

這齣戲有很多值的誇獎的地方，對於直播潮、星座熱的快速使用在劇情中，星座大師白淑麗直播時還有很多愛心與哇的表情符號一直通過（但為何沒有讚？），善用了微遠虎山的空曠戶外，演員會從四面八方冒出來，甚至還有機車衝出撞倒演員，創作中也有提及時事、探討迷信與自信，也有不少不錯的對白。

但是太過簡單貧弱的劇情對比設計，太長的篇幅，以及空間太廣帶來的不緊湊，都讓這個認真的演出打了折扣。雖然放在喜劇類，

由於一半以上都在戶外演出，觀眾坐在雨遮棚下，前幾天太陽毒辣，今天下大雨，演員們就在雨中演出，不但要淋著雨，音量還要對抗雨水打在雨遮棚上的滴答與流水聲，看了都好心疼，還有兩場，希望演員們不要感冒，用了苦肉計，只好再加點分。

演出場地：微遠虎山

挑選這檔節目時，想說電影導演林孝謙跑來執導，一定要來看一下啊，看完才知道原來只是同名，看完之後才知道這是2015年拿下藝穗原創精神獎的裸（R.O.D）劇團的新作，而且今天一天內連看過去兩年拿下原創精神獎的團隊作品，真是失之東隅，收之桑榆。

這個舞臺空間極簡風格完全是我的愛好，全白的空間屏風與家具，兩邊高中低各三條LED向前方延升，為了不破壞古蹟的橫樑，拉了張力索來固定3*3盞日光燈做為場景的照明。但出現這樣的結構時總會勾起我的數字魂，3*3矩陣亮暗間的符碼，與左右兩邊牆面各三條LED光束會有什麼正相關….，但好像沒有，反而日光燈有依場景而變化，LED有一種時光隧道的未來感。

雖然不知為何以日本人的名子來演出，要製造疏離？還是故事來源有所本？但在我還不知這齣戲在講人格分裂前，在我的筆記上畫的是角色彼此關係圖，或是時空上的事件，（悠介/母親/老師/師母、家/學校，學校寫作業/化妝/熱水燙/打掃/性侵/交往/反抗/分手….等等。）以我的理解是三個角色（悠介/母親/老師），而且導演很聰明的用了我所喜愛的手法，同ㄧ個角色很多人同時飾演，強暴戲那段的視覺結構也很棒，暴力歇斯底里的摔桌椅，還有LED帶來的未來感可以扭轉時空等等。但是，結束後看了節目單…

原來都是ㄧ個人啊，雖然沒有很瞭解解離性人格病患的世界，但同一人之間的不同性格會相互愛恨嗎？會發生像劇中那些事件嗎？原本以為很明白的戲，突然之間又不明白了。那些我認為很棒的手法其實是為了處理人格分裂的轉換嗎？好想知道其他看戲大隊的想法，但我還是決定撇開節目單與創作者自己的設定，相信我自己所感受到的。

演出場地：URS127玩藝工場

雖然演出是在新芳春茶行裡半戶外的空間演出，其實幾乎就是個戶外演出了，會受到天氣極大的影響，今天晚上秋高氣爽，比起前幾天下雨又悶熱截然不同。

雖然是「漫才新秀」爭霸，完全是「魚蹦興業」標準版的演出，新秀們個個台風穩健，搭配組合，一逗一搭之間，默契十足，精準掌握笑點的節奏與Timing，看來是下了苦功練習再練習。

相較於《我們在M型社會的這裡》的觀眾大多是鐵粉，這場《漫才新秀爭霸戰》的觀眾也大多是新觀眾。既然是爭霸戰，舞臺是殘酷的，最後由觀眾當評審選出今天晚上四段演出組合的冠軍。《漫才新秀爭霸戰》感覺是古典套路的「魚蹦興業」，段子的設計相對保守安全，穩紮穩打，不出險招，所有的笑點都在控制中的精準，也許還不到團長惡魔那般行雲流水，隨便幾個笑話暖場點綴的火後，但以新秀這般的表現實在可圈可點，期待這些明日之星日後有更多更好的作品，為觀眾帶來更多歡樂。

演出場地：新芳春茶行-1樓

藝穗第二輪挑選節目時，想說為什麼這場我不能選，後來才發現這場是我的驚喜場，也真的太驚喜了！

劇本超強，前半部是在海邊走私，等待船夫出現交貨，船夫一直不出現的「等待果陀」，卻在第四位演員出來時來了個大轉折，原來只是戲一場。所以演員有戲中的角色與真實的人生，不，應該說是戲中戲的角色，與角色的真實人生。

演員扮演這兩種角色，同樣諷刺現實世界體制中的階級，老鳥菜鳥，潛規則與學院派，戲中戲的角色古惑仔或打工仔的世界相較於複雜真實世界，變得好單純好美好，那沙灘前打發等待時間的世界好美好好純粹，但現實中每個人的人生都困難重重，上一代的循規蹈矩、新世代的造反有理，童星再復出拋不開的過去與尷尬無隱私的成長過程，透過一場拍戲過程，勾勒了ㄧ個產業，甚至隱喻到整個世界的運作法則與權力遊戲。

於是下半場的果陀可能是導演，可能是財團、國家，因為位階太低而不知是什麼樣的存在，也是我們大多數人的狀態。相對於不存在的船夫與導演，左下舞臺的一堆飲料瓶罐，是一直存在，不管是走私現場還是拍片現場，就是一直的存在，跟觀眾一樣。

劇本極好，相對於演出空間的受限，無法營造出走私海灘或是拍片現場，有點可惜，不過對於聽不懂廣東話的觀眾，還是得緊盯著滿滿的字幕。

演出場地：大稻埕戲苑-八樓曲藝場

六齣完全無關的搞笑短劇兜在一塊，到底可不可以算一齣戲？
那把網路哈哈台連放六齣，也可以成為一齣戲囉？

六齣內容完全無關的搞笑短劇，起碼演員是相同的「01010」三女二男，如果角色性格相同延續不同內容， 那「戲」還是可以成立。
如果角色不同，六段的內容有著明確統一的方向，那「戲」還是可以成立。

這場演出就是六段集錦加上一段也不太明白的投影，換場之間有點不必要的拖太久，笑鬧的節奏又太趕。上舞台中間放置了製作精美的不同顏色標記的四道門，讓人充滿了期待與想像，每道門都可獨立可移動，正反旋轉的景片道具門，但看完後卻納悶這好看的四道門，到底功能何在，有點大材小用。

其實演員的表演精彩，肢體也很放得開，笑鬧的部分有時也反應現實，但就是少了最重要的主幹與結構上的設計想法，還不如直接拍成系列搞笑短片放上網路博點閱率。

演出場地：信誼好好生活廣場知新劇場

這齣不論是在演出形式、內容、導演手法等都投我所好，應該可以作為藝穗節當代戲劇的典範，但是總覺得輕了點，各方面都很聰明，各方面都少了點而不紮實，以舞臺美術來舉例，以水管建構作為統一材質很聰明，但那樣的跨距要支撐窗簾稈，又顯得軟趴趴，還有ㄧ個展示櫃還加了斜撐，用視覺比較好舉例，其他面向都適用，各方面都差一點，那種差一點就完美讓人很傷心，差一分就過了，結果就留級了跟考零分留級，雖然一樣留級，差那一分的讓人更扼腕。

這個演出的優點非常明顯，場地空間的調度與運用非常活潑，舞臺設計的統一風格、音效對於劇情凝聚與推動也很有幫助，黑色喜劇為基底的劇本，對於「英雄」的執著與多重觀點詮釋，同時加入時事嘲諷，都非常成功。

缺點也非常明顯，演員的肢體與口條是大問題，大哥一出場，就非常吸睛，就服裝上的打扮與之後的對白中可以判讀應該是台味十足的大哥，但一開口卻是文青，但劇本原本就是文青的劇本，開口後的疏離總是免不了。女生的音量偏小聲，國中生咬字含糊聽不太清。劇本有時只顧著表白核心的英雄價值，拖累了節奏感，搶金店的橋段中為何出現警察則交代不清。

建議1.在逃獄那段，演員穿越觀眾時，可以做更多發揮，如匍匐前進或攀爬樣貌慢慢穿越觀眾。明明安排了這樣的觀眾座位，明明最接近觀眾的時刻，卻都快速飛奔而不做安排，甚為可惜。2.既然劇本都很文青了，可以再融入古典文學的典故，加深對英雄的歷史詮釋。

演出場地：Woolloomooloo西門店WOW

這是藝穗節中少有的中生代劇場工作者的創作作品，同時碰觸到面對死亡這樣的嚴肅議題，議題嚴肅，卻處理得極為巧妙。

第一段思念不在的母親，以輕薄記憶片段來呼喚沈重，兩個演員互為母女、姊妹、阿媽與孫女，最後還有一位小女孩參與演出，誠摯的情感流露，以時光為軸，思念為緯，串起令人動容的篇章。但這段的問題在於回憶中的時光太過片段，切換的過程不斷暗燈換場景，每一小段才剛醞釀起情感就暗燈轉換到下一段的情緒，以電影的剪接轉場來處理劇場，氛圍全被打斷，20分鐘暗了七八次燈，換了四種不同關係，每一段都太零散容易流於形式，而少了內容的鋪陳醞釀。

第二段頗有創意巧思，透過接續起小王子之後的人生歲月，他重回星球，照顧病危的玫瑰，以及其他星球的歷險故事，其實卻反映了真實人生中的困境，是中年小王子的煩惱。我喜歡第二段中的頭尾兩節，ㄧ個照顧病危的親人，ㄧ個處理面對死亡的情緒，對於很難觸碰的議題，要透過獨角戲來呈現，的確有不足的地方，但人多也不見得有幫助啊

劇場中生代回歸到生命本質的純粹，不再好高騖遠，根植於生命與日常經驗，平淡中卻帶有重擊的力量。

演出場地：77 OMG 文創中心- 3F Studio

這真是一齣好歡樂好認真的演出。因為好認真所以好歡樂。

一進到演出空間熱到不行汗水直滴，但看到演員還穿西裝打領帶穿旗袍正襟危坐，這麼敬業的演員們也只能認了。開始十來分鐘後，大概已經暗燈換了三、四景，每次都花大約花一分鐘，是A換B，B又換回A，起碼四個CREWS，搬桌椅留聲機，鋪桌布，放碗筷酒杯等等，非常認真敬業。

之後只要一暗燈我就開始笑，忍著笑腹肌都出來了，才講了三句台詞又要換景囉，CREWS真是好辛苦任勞任怨啊～好想去後台參觀啊！一開始換景時有個規矩，演員不用幫忙換，下場要走直角，因此在昏暗中人馬雜踏，其實也不昏暗，下午場還打了一棵PAR作為換景燈。

桌上那瓶威士忌還真的倒光喝完，下一場怎麼辦啊？服裝很講究舞臺美術也不含糊，還用了現代舞來揣摩內心戲，只是百樂門酒家的桌子怎麼用拜拜折疊圓桌啊？這麼寸土寸金的演出，第一排觀眾席坐的是演員，我前方兩位穿旗袍的演員，真的做有坐姿，背桿打直屁股坐1/3椅面，完全沒靠椅背，但也因為這樣的安排而產生如下的趣味：龔太太在台下看著龔先生在台上花天酒地。

要演古裝真的不容易，想走寫實風樣樣要考究，實在完全不到味，連提都不想提了，劇中時代離年輕演員實在太遙遠，但卻緊守著三四十年前鏡框劇場的老行規，若場景這麼複雜，長方形的演出場域，為何不分左右舞臺，中間留過場戲，道具通通放在台上，有需要在擺上，完全不用暗燈也能流暢演完，演出長度將近一小時吧，換景大約又多花了20多分鐘。

回家很好奇看了劇團的臉書，又更歡樂了，演員非常認真作了角色功課，原來鞏太太與景行有同性愛的關係，什麼！！她們才只有兩句對話耶～

謝謝劇團這麼認真，這麼嚴守過時的劇場規矩，讓我度過歡樂又炎熱的午後～

那《娮》到底在演啥～算了！那不重要，就當作歌唱比賽選了一首連自己都沒聽過的歌，還是很認真很本分的把它唱完。

演出場地：濕地Venue- 3樓展演空間

這其實是一齣甜美有趣、可口又有新意的演出，透過將人類擬動物化，探討平凡人對於交友與愛情的懵懂。

但卻也是單純、腦殘到不行的作品，到底現在年輕人在想什麼？擬動物化是什麼概念？有比較簡化複雜的成人世界嗎？不同綱目的動物對照到人類世界，還是同文同種嗎？劇中的這些愛情經驗，到底是親身經驗還是受到無腦媒體下標的影響呢？戲劇何時變得如此不堪？

撇開編劇的問題，導演的手法更令人扼腕，明明有了漂亮的設定與扭轉編劇簡化的可能，卻白白糟蹋。七位演員，只有ㄧ個主角，其他六人都是圍繞著她轉，因為她而存在。有了漂亮的舞臺，有了漂亮的安排，所有演員都在台上，看起來就像是林奕華作品的設定，飾演獅子的角色一直在後面舉啞鈴，這些畫面營造都成功了一半，本以為這些在台上卻不在戲中的演員，彼此都有交集或個性，但是他們的存在只是為了增加主角APP約會的經驗，只為了有幾句對白而存在。雷聲大雨點小，白白摧毀了漂亮的設定。只是為了幾句台詞，幹嘛整場都要在台上呢？

演出場地：77 OMG 文創中心- 6F Bistro

這個由舞蹈系科班七位舞者的現代舞演出，充滿著青春與俏皮的氣息，四套服裝串起四段演出，每一段都有一位不同舞者坐在舞臺上的一側，想是舞臺上的觀眾，看著觀眾，看著作品的演繹，這樣的安排使得作品有了一種文學感。整個的編舞流暢，節奏快速，充滿變化的物件運用，還有片頭投影的時間倒走，都讓整個作品充滿巧思賞心悅目，但是還是有著以下的缺失：

1.OMG 3樓原本是個畫廊，投射燈與假牆還有木板地板，應該都很適合舞蹈演出，但面寬（鏡框）太寬，觀眾太近，以致於觀眾顧左失右，有不少分散在左右兩邊的演出，建議可以集中一些。

2.也許穿了襪子的關係，有一些節奏很快，動作卻跟不上，以致於沒有做全又趕著下一拍的動作。

3.桌子做為物件運用，充滿變化與巧思，是這個作品中最大的亮點。但桌腳很高，又要承受兩位舞者重量，感覺結構不是很穩。

4.演出中途的影像，以為飾演出的延伸，沒想到卻是演出的解釋，解釋太多餘，幾乎是整場演出的敗筆。

5.音樂可以再加強。

演出場地：77 OMG 文創中心- 3F Studio

知新劇場的三面舞台中，舞者以超親密的距離LIVE吟唱阿美族古調，深遠悠長伴隨著觀眾入場，還有眼前像是豐收的小米穗串成的垂簾，帶來強烈原民文化的韻底。

不過不像蒂摩爾古薪舞集去拆解魯凱族舞蹈重組拼貼，不像布拉瑞陽舞團去挖掘舞者生命特質，夢遺少女的劇場則是結合了原民舞蹈與街舞，比起最近上映的電影街舞融合印度舞《舞動心跳》，更佳青春洋溢也更貼近我們。但是這樣的嘗試也有基本的風險，會是以街舞來消費原民文化？而這之間如何切換如何融合，都得小心拿捏。

因為不懂演出中的阿美族語與歌謠，也分不清舞蹈是迎賓還是祭典，有時只能透過歌聲中的情緒來判斷，以致對於轉場到街舞時的動機不明，不知那之間的相關性，不過對於原民舞蹈結合街舞freestyle或是fighting，身體技巧的轉換，音樂的變奏與所展現的創意與自然，非常喜歡，而作品片段呈現出來的部落童年與成長經驗，或是戲劇化的橋段等等，都豐富著作品的構成。

對於來自不同領域，不同背景的演出者，要將身體調成可以跳原民舞蹈，可以跳街舞，都能不違和，想來是下過一番苦工，忍痛做過取捨，街舞VS原民舞感覺還有很大空間可以去探索，期待繼續加油！

知新劇場的挑高不夠，舞作大量使用背光而少面光，背光的高度不夠，幾乎是直射正面觀眾，兩邊逃生的安全燈光太亮，幾乎可當面光使用，也使得劇場無法全黑，建議可以學以前新舞臺用布遮住

演出場地：信誼好好生活廣場知新劇場

喜劇在藝穗節向來討喜，插科打渾之餘，評論要和嚴肅面對？

這次終於逮到ㄧ個機會，粉絲無數經營多年的魚蹦興業，這回推出了ㄧ個嚴肅的命題「我們在M型社會的這裡」，把嚴肅變成搞笑，是魚蹦興業團隊的拿手好戲，但這樣的命題有沒有辦法碰觸到核心與深度，這就給了評論發揮的空間。

其實評論一點都無法發揮，好笑是必然，不好笑就不應該，「M型社會」就只是個名詞，是掰的很硬的題目，就只是其中ㄧ個段子，阿量看著手機唱的一首饒舌歌，是的，是看著手機唱的，不知是不是因為首演的關係，還是準備不足的心虛，感覺身經百戰的阿量與喬瑟夫在這第一場都有點心虛緊張。

要到最後撐場面玩起比手劃腳的猜謎對抗賽，還完了兩輪，再加上你畫我猜，才恢復本色演出，但也不瞭解這和「我們在M型社會的這裡」有什麼關係？要馬就像伊歐涅斯科「禿頭女高音」一樣完全無關，那就很屌，起了ㄧ個頭，無聲無尾的結束，感覺很悶，不是不好笑的悶，是丈二金剛摸不著頭腦的悶。

首演的狀況很多，觀眾席剛好是在茶行的天井位置，大雨剛好下到七點半開演前停止，在半戶外的空間演出，燈光的高度不夠，幾乎是直射著演出者，也照著觀眾的頭，影子全落在背牆上，音響的聲音也是一直悶悶出不來。

演出場地：新芳春茶行-1樓

這是「愛‧夏威夷舞工作室」第二度參加藝術節的學員成果發表會，查了一下，兩年前參加藝穗節時，果然完全沒有看戲大隊挑選這檔節目，是老師與學員們的同歡節目場，貪小便宜的借用了藝穗節的免費場地來推廣招生。

學員成果發表會不是原罪，貪小便宜那個團隊不是，不同領域來參加藝穗節應該都廣受歡迎，同時也讓不同領域的觀眾認識藝穗節，其實也是互蒙其利的美事一樁。

舞蹈的種類琳瑯滿目，各有各的學問各有各的專精，當然也樂於推廣茁壯，豐富我們的生活，但演出形式若還是如同三、四十年來前的成果發表模式，一段解說一段舞蹈，如同藝穗節早年被許多舞蹈班成果發表佔據一般的老套形式，就不得不出來說幾句話了。

各有領域的舞蹈，比方佛朗明哥、泰國印度舞等等節目，演出者邀請國際大師或是國內專家的示範演出，完全沒有問題。成果發表也不是不行，如果有好的創意好的結構重新組合，扭轉傳統印象，也非常好，我也在藝穗節看過將佛朗明哥編成舞劇，還設計了一套遙控LED的服裝，厲害到不行。

但是完全沒有燈光變化，沒有舞台背景，沒有新的創意，跳舞時的自信不足，台下觀眾瘋狂買單同樂，三四組的親朋好友攝影團隊，觀眾攜老偕幼紛紛拿起手機記錄拍攝，即便穿插了專家厲害的演出，還是很不OK，還是傳統老掉牙的成果發表。

藝穗的精神為何？藝穗鼓勵的是創新，提供年輕創作者第一里路的養分，半顆心是藝穗節的愛心，希望來年再見時能脫胎換骨。

這場演出空間與座位安排的邏輯實在是史上最怪，觀眾座位面向正前方卻往右傾斜15度角排列，演出卻是在觀眾席的右手邊，前排觀眾得把頭往右後方扭轉才能看到演出。

演出場地：77 OMG 文創中心- 6F Bistro

「現在。換我說」是由兩個短舞作所組成，第一支是「晚餐」，唯一具有晚餐意象的是舞台中間的一圓桌與圍繞的椅子，兩位舞者，一男一女、衣服一白一黑，連語言也是唱著廣東歌的對立，其實我無法理解編舞家想要傳達什麼？將滿台十五張椅子排列整齊，男女舞者各自圍繞在各自的生活圈旋轉若即若離，平淡而無激情。

第二支舞「21+57」，一開始不解舞名的意義，最後卻打動到我。
（以下有劇透，請跳過）
兩位女舞者一位躺在地上，一位坐在椅子上，開始陳述著自己的生平，如同紀錄劇場一般，當她說出，1960年閏六月她出生，心中還在想怎麼可能，但隨著話語帶來的線索越來越多，當她站起來時，才驚覺這真的是一位媽媽，描述著小時候想學舞卻沒學成，小學時我的志願寫「媽媽」，老師卻爆怒說沒出息，到口述到1996年女兒出生，躺在地上的舞者開始展現了替母親完成的舞蹈夢。

這是一齣母女共舞，非常誠懇的舞蹈紀錄劇場，母女共同經歷走過台灣當代舞蹈的歲月，站在舞台上的母女都綁著馬尾，像是姊妹一般翩翩起舞，或是媽媽坐在地上，滿心歡欣的看著自己女兒精湛的舞技，那樣的滿足與甜蜜。

舞台上母女同心，描述著母親用了生命來栽培女兒跳舞，這是在任何舞蹈演出都傳達不出的純真與親情。

兩支作品風格迥異，ㄧ個實驗ㄧ個寫實，卻理不出策展（兩個作品放一起）的邏輯。

演出場地：77 OMG 文創中心- 6F Bistro

「殺蟲記2.0」改編自卡夫卡的「變形記」，變形記並非劇本，改編的空間很大，這裡最大的亮點在於敘事的時間軸上，將整個故事倒過來說，透過日曆的的投影設定，我們先看到結局，然後一路回溯到開始發病的時候。如同法國導演Gaspar Noe的「不可逆轉」，將整部電影的線性時間軸等分成十段，然後倒著放，先給觀眾看最後的第十段，然後依序九、八、七…..最後才放一開始的狀態。

除了改編之外，導演的手法、動作的設計、選用的音樂與性別設定上的安排，是塑造這齣戲成功的重點，首先這一家四口全是「男生版」，包括母親與女兒。動作上的設計是隨著正常時間變化，演員身體從人性逐漸機械性或是偶化，時間序倒過來後，一開始的機械性非常明顯，隨著時間軸往前推進逐漸淡化，也考驗著演員的身體控制能力，對這群青少年演員而言，表現得可圈可點。

有幾個段落用舞蹈性的動作，來加深內在的抽象狀態，即便年輕演員皆無舞蹈的基礎，但在現代舞的動作設計與音樂貫穿下，比語言更能夠傳達卡夫卡的精神。

舞台後方屬於蟲的房間的不規則設計，像是怪石嶙峋又像是昆蟲甲殼，視覺強烈，謝幕時演員從慕哲咖啡階梯拾級而下一字排開，也相當不俗。

演出場地：左轉有書x慕哲咖啡

取莎妹排練室的中間為舞台，觀眾坐在兩側，進場前兩位表演者已在台上，面對面坐著，ㄧ個在玩手遊，ㄧ個對望。

節目開始時台下許多表演者一擁而上，在舞台上以不同步伐前進呈現著人生百態，離不開的手機平板或是自拍，我不喜歡表演者以空氣表演的方式來傳達意念，假裝在做一件事情的動作，卻因為沒有真實物件而心虛，或是因為這是舞蹈節目而非戲劇節目，動作越發簡化快速，空中亂比劃了半天卻無法呈現動作的企圖。

自拍結束後就轉進很久很久以前的童話橋段，轉折的當下有些突然，童話結束之後又回到開始的PRESET，有些牽強而無連貫。童話的推進結構是講一動演一動，演得不知所以的部分，還會有口白加強說明。童話中主要兩個人物，ㄧ個是全世界最美的女孩，卻極度自戀，ㄧ個全世界最醜的工匠，卻有一雙巧手藝。有趣的反而是其他不是角色的表演者，推動著劇情的發展。

搭配著現場的繪畫，手電筒照明的水波光影，加上發人省思的童話故事，整個演出唯一缺乏的部分剛好是舞蹈，這齣其實應該要報名戲劇類。以為包羅了萬象，其實是面面俱缺，以為跨越了界線，卻鬆散四散。

演出場地：莎妹劇團「自己的排練場」