真的沒想到會在藝穗節看到這麼鮮血淋漓、刀刀見骨的一齣戲。

全劇以謊言為題，共分為「善意謊言」、「真實謊言」、「氣話」、「場面話」及「真心話」等五個段落，穿插著演員以獨白本講述身關於欺騙或受騙的人生經驗。

在「善意謊言」中，女生因為害怕失去友情，選擇隱瞞對男性好友的愛；在「真實謊言」中，妻子因為發現丈夫說謊，對他的信任一夕崩盤；「氣話」裡的母親與女兒，因為溝通失能，陷入了不斷用重話傷害彼此的憤怒迴圈；「場面話」裡，人人都在炫富炫小孩，但其實人人都心知肚明，對方講的全都是謊言；最後到了「真心話」，一對偷情男女在床上溫存，女方給了男方回應不了的愛。

五段劇情呈現，加上六段個人獨白，然後在各個段落當中分別以水、汽球及玫瑰花等隱喻謊言的存在、力道及虛華不實，營造出一個到處都充斥著謊言、到處都讓觀眾看到某部份最不堪的自己，誠如李宗盛在《給自己的歌》裡提到的，這齣戲的每一句的台詞，都可以是狠狠的一巴掌。

不過在沉重的氛圍及刀刀見骨的台詞之外，由於編導的立場相當明確，也造成視角有時會較為單一，比如母女對話中的母親(我更希望能看到真實小女孩握著母女的手，對她們說「其實妳們都很愛很愛對方，不是嗎？」)，每一段男女對話中的男性，以及那些沒了場面話就不知如何對話的大人，就算理應受到譴責也好、嘲笑也好，但每個人之所以會做出選擇，一定都有自己的原因。就像劇中所提到的，說謊不只是傷害別人，也會傷害到自己，而劇中那些同樣受了傷的「加害者」，似乎還是在編導的道德立場下噤了聲。「加害者」因為破壞了社會的主流道德價值體系，所以他們的聲音往往會被認為沒有太多傾聽的價值。但其實人人心中都有黑暗面，我們都看到了說謊所造成的後果，但當面臨到要不要說謊的時候，卻似乎又不是既定的規訓與懲罰就可以幫我們作決定的。

另外，演員吳曉妮既扮演遭到背叛的人妻，也扮演在偷情關係中渴望真實愛情的小三，如此的反差與矛盾可以說是這整齣戲畫龍點睛之處。卻似乎因為她的個人經驗及所扮演的角色承擔了劇中最痛的部份，所以到後結尾的時候，情感濃度便較偏向這位演員的部份，再加上其他演員的情緒爆發點都很相近，會讓我質疑是否有將各段個人經驗再分頭作結的必要，或許處理得再精鍊一些會更好。

演出場地：納豆劇場

戲，從觀眾入場就開始了。

座位上放著簡易畫板，老師不斷招呼著學生(即觀眾)入座，一邊親切詢問大家有沒有帶畫筆或是橡皮擦，一邊鼓勵放膽去畫，剎時間真有回到以前繪圖課的感覺。

一邊的人體模特兒也沒閒著，不時拉拉筋暖暖身，偶爾趁大家不注意的時候回一下手機訊息。那種笑容的甜度，一看就知道對方是對她還說很重要的人。

不用刻意做些什麼，就已成功建立部份角色細節。

接著是計時十分鐘的人體繪畫，然後藉由課後閒聊開始主線劇情，談身體、談藝術與情慾，談愛情中的道德與付出。

自然而不做作的開頭，接著在每一次繪畫之中或之後的閒談當中讓觀眾更認識角色多一些，也讓角色熟悉彼此多一些，中間穿插著女魃傳說、模特兒的入行初衷，以及老師的性侵回憶等讓角色獨白段落。隨著劇情推進，觀眾了解到原來模特兒跟一名有夫之婦在一起，老師看待模特兒的眼神也開始有了變化，並開始有一些奇怪的要求，然後到最後真相揭露，原來老師的男朋友就是模特兒同性愛人的老公，兩人在攤牌之後，模特兒決定離開，老師則提醒著她莫忘初衷。起承轉合間可說是一篇行雲流水，讓人讀之忘倦的好文章。

兩名女子在八卦閒談間建立情誼，卻為了保護自己心中最脆弱的那一塊而相互傷害，赤裸的人體繪畫，也讓觀眾看到了角色赤裸的人性。

美中稍嫌不足的是，由於終究是把主軸擺在角色間的私密對話上，所以一開始的繪畫課只是建立一個課堂氛圍，對於畫室空間的公共性及私密性並沒有更進一步的處理，只見到了第二堂課之後，學生就不知為何都沒來畫室了(儘管觀眾席上還是有許多人一聽到計時器的聲音就開始乖乖作畫)。如果真的想把觀眾納為戲劇呈現的一部份，或許可以再想一下觀眾/學生角色的「退場機制」。另外，女魃傳說的奇幻色彩其實跟整齣戲的寫實氛圍有點衝突，感覺只是因為其中的女性形象與劇中角色相呼應而加了進來(也或許真的是靈感來源之一)。相較之下，畫室裡面特別點出來的幾幅畫作，反而比女魃傳說更能觸動人心，也讓這齣戲更加完整。最後，關於攝影及繪畫這兩種不同的凝視及情慾的投射，其實可以再多深入探討一點，包括最後為何老師選擇的是以攝影而非繪畫來留下自己的身影影。

演出場地：Woolloomooloo Xhibit

日記，作為一種最為私密的書寫形式，放到劇場當中總是會讓人有許多想像。

對觀眾來說，這似乎是一種窺探，而對於編導及演員來說，這可能是一種一開始會讓人感到不自在的坦誠。但我覺得當日記書寫被放到劇場當中之後，更重要的是「分享」。

可惜的是，我在這齣戲中感受不到「分享」這兩個字。

表演空間從觀眾席前方的四方門洞開始往內推進，可分為前、中、後三個隔間區塊，演出大部份安排在中及後兩個區塊，演員為了讓聲音放出來，往往無法兼顧角色的情緒表達，整場演出除了電話段落之外，語調跟節奏都讓我感到很疏離，彷彿說的是別人的事，而非自己的事。

於是常人「日記」成了常人「夢境」，演員肢體及敘事策略都顯然往一種非寫實的氛圍靠攏(儘管還是出現了較為寫實的親情段落)，詩意的台詞一句一句都在空中飄盪著，台詞中所講述的死亡及種種人際關係中的斷裂，即便聽得出精雕細琢的質感，卻終究無法鑽進我的心。

最後透過投影看著火車窗外的風景，只讓我感到冗長及不耐。原本也許在前面看完這麼多篇「日記」之後，會心有所感，在窗外風景飛逝時也會跟著想到前面的角色故事，甚或是映照著自己心中同樣有所感觸的人生片段，但這一切卻像是一場不明所以的夢，只讓我想快點醒來。

個人覺得文字功力是不錯，但如果為了舞台美感或是場地空間，而犧牲了讓演員能更完整表達角色情緒的機會，那麼我寧願看到更多的肢體及更真切的情感，而不是聽著一句又一句，透過閱讀可能心還更能被觸動的台詞。

演出場地：Woolloomooloo Xhibit

一開場，舞台上的喇叭播放著一名男子報案的聲音：「我的老婆死了」。

接著身著福爾摩斯裝扮的女子及其女助手進到命案現場，開始就所有跡證進行調查。但調查的過程越看越令人感到疑惑─為什麼動過證物之後不用再放回原位？由誰授權？為什麼可以不用戴手套？為什麼會助手會一味相信死者平野早苗在日記本內記載的內容？又為什麼偵探要一直阻止助手觀看日記或想起自己的回憶...？

種種疑點在兩人脫下外衣，露出一模一樣的套裝打扮之後，劇情才開始明朗。兩人先是分別扮演早苗及其學生時代愛上的女同學，隨後早苗向現實低頭，步入婚姻，卻反而遭到丈夫好友田中先生性侵。最後兩人從分飾多角變成共飾早苗一角，一句一句揭露命案當天究竟發生了什麼事。

就整體劇情編排來說，開頭三分之一的推理段落讓人相當出戲，除了助理對於日記的堅持之外，看不到偵探的明確動機，似乎對於角色的定位不明。若這一切都只是早苗腦中的幻影，偵探只是代表理性而助手代表著感性，那麼開頭的推理戲碼又該如何跟早苗自身的狀態作連結？

中間三分之一的戲則切入太快，才剛開始熟悉偵探及助手兩個角色，外衣一脫，就直接進入早苗的禁忌戀曲。但這究竟是早苗真實的回憶，抑或是偵探及助手藉由日記推敲出來的故事？就場上的呈現似乎是前者，但因為前三分之一出現的角色沒有處理乾淨，讓我在看中間這一段的時候會一直受到干擾。

最後三分之一是處理得較完整的一段，兩人合演早苗，從面對田中先生的不安，到遭到性侵之後的痛苦不堪，然後決定求死以獲得解脫，其節奏、氛圍以及情緒的鋪陳都恰到好處，也算是成功地讓早苗這個角色以最絕望的姿態活在觀眾面前。

開頭及結尾都以喇叭播放「現實世界」的聲音（丈夫報案及警方的調查報告），將舞台空間完整保留給早苗。這樣的想法的確不錯，卻在處理早苗的內心世界時，沒能作好段落間的銜接，讓理性至上的推理戲碼影響了情感豐沛的昔日戀曲，結果兩邊都無法達到該有的效果。

演出場地：濕地Venue- 3樓展演空間

人生是一條長長的單行道，無論路旁的風景是豐富多彩抑或是枯燥乏味，無論會遇到知心好友還是會在背後捅你一刀的偽君子或真小人，我們都只能一直往前走。

第一段舞蹈以都市人的繁忙步調為發想，將斑馬線及手拉公車或捷運上的吊環的動作編入舞蹈動作中，再搭配實景收音的交通嘈雜聲，場上的男女舞者猶如在台北街頭常見的上班人潮，相當貼近這個都市的脈動。

第二段切入到愛情主題，由日常生活中的奔忙進入到夜生活的燈紅酒綠，舞蹈中加入了舉杯飲酒及用手背抹嘴的動作，似醉非醉，似醒非醒，男女間的纏綿及愛情裡的相互角力，都透過舞蹈精彩呈現。

不過，在切換到第三段之前，突然插入了一段簡介影片，講述第三段舞蹈中所傳達的「愛不分性別」的理念。個人覺得這段影片其實並不需要，反而破壞了整體演出氛圍及節奏。劇場是個對話的空間，但請以作品本身與觀眾對話。講述創作理念的影片可以放在粉絲頁當作前導或是演出之後的回顧，而不是直接在演出過程中放出來，這樣一來即便我認同其創作理念，還是有種強迫推銷的感覺。

所幸接下來的第三段及第四段都比前面兩段還要來的好。第三段從校園的青澀戀曲到因為社會規訓而被迫與異性成婚的痛苦，再到最後終於可以順從自己的慾望與所愛之人盡情纏綿，敘事完整流暢且不流於煽情。

第四段似以底片正片及負片的概念，以膚色衣著的素樸色調與色彩明亮的衣著作為對比，道出自身對於人生的體悟：不管在這條單行道上有多少次的掙扎、多少次受傷與挫敗，終究都會過去，然後在身旁親友及愛人的支持與鼓勵下，繼續往前邁進。

45分鐘的舞蹈演出，卻能呈現出人生裡的悲歡離合，雖然因為對於愛情及現實的體悟還不夠深，在舉手投足間少了那麼一點歷練過後的滄桑質感，仍不失為一個好看的劇場作品。

演出場地：77 OMG 文創中心- 3F Studio

《愛滋味》首演於2015年，由創作社製作演出，編劇詹傑除了多次獲得文學獎項，後來也與植劇場合作編寫了多齣電視劇，其中包括今年讓許多人感動落淚的《花甲男孩轉大人》。

兩年前的《愛滋味》，那細膩且深刻的一字一句直鑽入我的心中，也因此當我看到今年藝穗節有團隊想挑戰這個劇本，在開放選戲之前就下定決心要來看這齣戲。

可惜的是，超齡演出終究還是難倒了其中三位演員，唯有飾演小瑜的黃郁芩因為與角色年齡較為相近，表現也最為亮眼。飾演輔導老師的施宏儒其實演得很穩，情緒該爆的時候也有爆出來，但在台詞處理上還是停留在丟本卻不忘本的階段，意即只記得哪邊要接哪句話，哪句話該吼出來或是講出來就好，而不是真的將對方的台詞聽進去，以角色發聲。另外，看得出來他對於這位中年同男的生命歷程欠缺更多的想像，在講述回憶時，腦中並無具體畫面，情緒流於表面，最後與阿凱的真情告白也無法觸動人心。曾紹弘及洪鈺婷，一個太收，一個太放，同樣看得出來對於角色沒有更進一步的思考，即便是跟已經進入角色的黃郁芩對戲，也讓我覺得是在各說各話，激盪不出火花。

藝穗節可以是個讓新團隊練功的地方，但如果連基本功都紮得不夠穩，還是得面對難堪的心等及直白的負評，畢竟來看戲的人不會只有無條件支持到底的親友團。

演出場地：藝・風巷

這場演出的畫面很美，節奏跟氛圍都恰到好處，唯劇情編排及演員肢體與台詞的配合宜進一步思考。

演出可分為兩個段落，各自就父女及孿生子女為主角，呈現出親情裡的衝突及和解。在父女段落中，父親跟女兒一起玩紙飛機，並且用手抓著女兒的腳，一步一步往前走，直到女兒用力掙脫，直到女兒不再父女間的連結只剩下一封又一封的信。諸如這般親情中的衝突也好，斷裂也好，雖是老生常談，但也是每個人在成長過程中都經歷過的生命片段，只要情感夠真夠濃，也不失為一個好的作品。可惜在修補關係的時候缺少了一個強而有力的轉折點。女兒是回來了，卻感受不到跟之前親情斷裂時同樣的力道。另外，男演員在詮釋父親一角時的語氣及肢體也欠缺說服力。

孿生子女的段落，由同樣一對男女演出，但就詮釋上不一定是異性子女，若以男女分別代表陽剛及陰柔的個性，也可以同是男性或同是女性。就台詞的部份，仍鎖定在兄弟姐妹間的爭寵心結，但其實若能跳脫框架，或許還可以延伸到雖無血緣關係，但對彼此的了解卻比誰都還要深的靈魂伴侶。

整體而言，我愛一開始的羽化新生，也愛最後兩人在雲端嬉戲，但主要的兩個段落都可以再完整一些，再讓觀眾有更多聯想一些。願意與觀眾分享自身的生命經驗，是個很好的開始，但既然都進到了劇場裡，而且有這麼美好的舞台空間，呈現手法若能一樣美好，會是讓人難以忘懷的好作品。

演出場地：濕地Venue- 3樓展演空間

這齣戲可約略分為七名女子的生命故事，但也可視為同一群人甚或同一個人的自白書。

場地運用相當徹底，從入場的接待區延伸到最裡面的書櫃區，連隔著一道玻璃門的庭院都用上了。動線安排則讓觀眾從庭院開始，一路跟著演員進到室內，再到接待區作結，合理得當。

可惜的是，舞者在肢體及台詞掌控上的表現參差不齊。情感真摯者有之，但更多時候是感到尷尬無比。

開場的獨舞試圖呈現出中性女子在尋求性別認同的過程中四處碰壁，在言語霸淩、壓迫及他人的凝視下奮力掙扎。但由於在玻璃門跟庭院邊牆之外，舞者並無其他可以藉力使力之處，於是掙扎到了半途便漸漸成了不知為何而舞的茫然，視線沒有焦點，舞蹈肢體在不斷重複的動作中也顯得沒有重點。接下來另一名藍衣女子以舞蹈道出愛上同性時得面臨家人質疑(或外界異樣眼光)的難堪處境，就處理得比開場獨舞還要來的精緻且感人許多。

之後進入到有台詞的部份，演員不是缺乏自信、視線不斷飄移，就是在獨角戲的段落中放不開，聲音跟肢體都不到位。尤其身著粉紅上衣的女子，不管是竭力吶喊或是帶些神經質的碎唸，都是只得其形而不見其神，雖看得出她有努力在揣摩角色本身的心境，卻不知該如何表達，只有後段在跟另一名舞者互動的時候顯得自在一些。

最後以其中一名演員在觀眾席中獨白作結，台詞中所提到的人際疏離及自我認同等困境跟前面所呈現的內容相呼應，但因為七人七色，演員及舞者各自的表達功力也好、所呈現出的段落內容及戲劇張力也好，都有著不同的質感，欠缺一個更強而有力的主軸或主題貫穿全場，於是前面的段落無法發展出更能觸動人心的畫面或情節，最後即便演員真情流露，在觀眾席內潸然淚下，卻無法與前面的段落共同營造出該有的氛圍。

演出場地：藝・風巷

全劇分為10個段落，分別以10種即興遊戲進行發展。由於有主持人控場，每個段落都可以在創意枯竭之前及時收尾，也盡可能讓觀眾保有看戲時的新鮮感。這是相當聰明的做法，但還是避不了即興劇原本就會有的風險。

在每一段遊戲開始前，主持人都會說明遊戲規則並點名進行該段落發展的演員，也會視情況邀請觀眾上台參與演出。整體而言與觀眾之間的互動算是中規中矩，演員的即興功力也有一定水平。不過在邀請情侶上台，並由演員重現兩人相識到相戀的段落發展過程中，因為情侶給的線索實在太少，而且就該段的遊戲規則，情侶二人都有權打斷即興，直到符合當時情景（實際上就是讓情侶雙方都滿意）為止，於是即興頻頻受阻，即便主持人切換了不同情境還是不見好轉，最後是在其中一名演員以「巧克力傳情」獲得情侶雙方歡心，有驚無險地給了個甜蜜結尾。另外在「Freeze」段落中，一開始的太陽神真的很有創意，但後面卻一直回到伏地挺身，沒有更令人驚豔的動作聯想。

要演即興劇，的確得不斷地練功、不斷地燒腦再燒腦。直接與觀眾進行互動是最能讓功力大增的方法，而就這次呈現的狀況來說，演員都是作足了一定程度的準備才上台。可惜的是，儘管觀眾都很捧場、都笑得很開心，過程中還是免不了尷尬，各段落的表現水準也參差不齊。雖然即興劇跟一般的戲劇演出不同，每天都是新的一次嚐試，而且深受當下的氛圍及觀眾反應所影響，好壞落差有時會比一般演出來得大，但我覺得既然都選擇以即興劇參加藝穗節，這就是得承擔的風險。希望演員間的默契可以再好一些，希望丟接球的積極度能夠在即興過程中一直維持下去，也希望不管最後得到幾顆心，該劇組依舊可以一直努力玩下去。

演出場地：信誼好好生活廣場知新劇場

這是一齣相當精緻的小戲。篇幅不長，卻處理到家庭失能、兒少性侵、性別認同等社會現象及議題，主角則設定為因家暴及性侵而人格分裂的少年，石川悠介。

一開場，悠介跟一男一女在一個素白的房間內對話。隨著劇情推展，觀眾逐漸了解到這一男一女都是悠介分裂出來的人格，然後透過演員的角色切換，分別與悠介的母親及導師作連結。其中我覺得男子人格的部份比女子人格的部份還要來得完整。

就人格本身來說，男子是悠介的陽剛面，也可說是一個「理想的男性」，一個不會輕易低頭、會憤而反擊家暴的「男子漢」。而戲中的導師對悠介愛護有加，是個有老婆有家庭的標準異男，一部份也吻合了悠介心中男性該有的形象。宙斯與老夫妻的故事，出自奧維德的《變形記》，將「偽裝/化妝」連結到好的那一面，也讓悠介從此將導師視為能給他全世界的那位萬能宙斯。但導師沒說的是，宙斯之所以會扮裝下凡、「微服出巡」，有一部份是為了能夠接近他所慾望的對象，然後找機會一逞獸慾。以多重視角呈現課後的性侵情節，讓觀眾看到導師的獸性、悠介的痛苦，以及內心那位女子的愉悅及渴求，不但順利反轉了導師形象，也體現了悠介心中的矛盾。

女子人格則是慾望掛帥，近似於佛洛伊德所謂的「本我（id）」。為了追求美貌，所以毫無節制地買化妝品到家俱擺飾只能走「極簡風」；為了對導師的愛，即便對方老是已讀不回還是死纏到底，甚至到了最後還殺死對方。可惜的是母親的部份只呈現出親子間的權位關係，母親的過去以及在商場上的弱勢沒能再發展完整一些，進而與在兒子面前的強勢形成對比，讓角色更立體。

男女演員分別飾截然不同的人格，然後對抗對方所扮演的導師與母親，這樣的安排頗為有趣，但這兩個人格之間的衝突，以及與悠介之間的三方角力，都可以再細膩ㄧ些或暴力一些，讓象徵悠太心靈的潔白房間更髒更混亂，讓悠介更崩潰。此外，因為悠介所感受到的凝視僅來自於母親與導師，其性別認同以及自我型塑的過程難免簡化了些。自然，重點敘事並無不可，但這樣一來，曇花一現的師母則顯得尷尬，既無法成為凝視悠介的另一道目光，對於劇情推展也沒有什麼實質貢獻。

其實裸劇團在兩年前推出的藝穗創團首作《借宿》，就曾將劇中角色都取了個日本名，目前看來似乎是編劇的某種創作慣性。這可以是種個人特色，會選擇跟台灣的情感連結（不管是正面或負面）較深的日本，而非其他亞洲國家或歐美強權，想必也有某種意義存在。只不過，這樣的命名特色如果能更進一步與劇中的議題或角色背景作連結，而不僅是一種莫名的疏離氛圍，這齣戲對我而言會更完美。

演出場地：URS127玩藝工場

要將兩部小說共八本書的內容濃縮成一個半小時左右的戲，絕非易事。什麼可刪，什麼該留，刪去的情節要怎麼不影響前因後果，留下的情節又能有怎樣的重點及亮點，或是有任何更進一步的發想，著實考驗著編導功力。

一開場的天罡北斗陣氣勢非凡，將全真七子的名號全報了出來，帶出貫穿《射鵰英雄傳》(後簡稱《射鵰》)及《神鵰俠侶》(後簡稱《神鵰》)的全真教，以及王重陽與林朝英之間的情愛糾葛，點出了這齣戲裡最重要的「愛情」主題。

隨後劇情回到了《射鵰》第四回的蒙古大漠(天罡北斗陣其實是到第二十五回才首次登場)，黑風雙煞跟江南七怪相遇。這邊簡單帶過了陳玄風之死，待郭靖最好的五師父張阿生則隻字未提。接下來則基本上是按照著小說的章回順序一路往下講到《神鵰》中楊過遵守十六年之約卻不見小龍女，縱身躍入絕情谷為止。

「愛情」主題算是處理得較為完整，讓同一組演員飾演郭靖與黃蓉、楊過與小龍女，然後在楊、龍二人一前一後躍下絕情谷之後，似乎再一輪迴來到了現代，兩人之間牽緊了紅線，相視而笑。但因為篇幅實在有限，原先在小說中的配角不是直接被砍掉，就是更加邊緣化，比如《射鵰》中的華箏公主跟歐陽克、《神鵰》裡的陸無雙、程英、完顏萍、公孫止及公孫綠萼，唯尹志平跟李莫愁有較得以發揮的空間。

由於《神鵰》本來就是灑盡狗血的情愛作品(當初金庸也靠這部小說度過了《明報》創刊的艱辛歲月)所以「愛情」主題的亮點多半在講述《神鵰》的段落出現。儘管《射鵰》段落中也出現了第三版中黃藥師與梅超風的師徒情誼，以及海島石窟中洪七公自知命不久矣，傳授黃蓉打狗棒法的情節，但郭靖與江南七怪之間的師徒情誼也彌足珍貴，他在華箏與黃蓉、道義與愛情之間的思考也能突顯出與楊過不同的愛情觀。

歐陽鋒與歐陽克之間的父子親情銜接了《射鵰》及《神鵰》，卻沒能進一步鋪陳楊過及歐陽峰、洪七公之間的情感，兩大武學高手與華山之巔相擁而逝，只能點到為止。

此外，從《射鵰》延續至《神鵰》，最後還給了主線劇情重要線索的周伯通-瑛姑-一燈大師三角戀，只剩下黃蓉所說的「四張機」，然後將瑛姑所居的黑龍潭的迷陣解法放到桃花島上，而最後因為讓楊過直接殉情，重要線索自然也順勢砍掉了，也讓我覺得相當可惜。

要談小說中的「情」，卻將劇情割裂得支離破碎；要呈現小說中的武俠風範，卻只見高漲的情緒及隱約有個樣子的拳招套式。這齣戲過於貪心也過於耗損演員體力，也由於無法讓角色走進觀眾心裡，最後的遊走段落也失去了應有的力道。

演出場地：寶藏巖藝術村- 邊境廣場

以阿卡貝拉創作及經典文本改編打出名號的A劇團，不管是之前的《愛麗絲夢遊仙境》(愛麗絲奇遇記/有問題嗎，愛麗絲？)、《綠野仙蹤》(阿茲大地)、《彼得潘》(彼得潘遊戲)還是最近的《西遊記》(尋找三藏)，都能將百年之前的文本作品轉化為現代人的生活寫照，把許許多多耳熟能詳的角色變成觀眾身邊隨處可見的小人物，進而引起共鳴。

不過A劇團也是有過更貼近生活而不執著於特定文本的實驗作品，卻往往會面臨著即興演出與阿卡貝拉之間的衝突，想挑戰自己，卻難有突破。

這一次的作品是為藝穗節量身打造，從一開始的報名，到場勘、編寫劇本/曲目、排練、藝穗宣傳、試裝台、正式演出、心心評論，到最後的拆台謝幕，將長達好幾個月的藝穗團隊生活濃縮在近兩個小時的戲裡面。

一樣是不走文本改編的實驗作品，文本架構則是就藝穗團隊會經歷過的各個階段，發展出各自獨立成段的情境劇，然後以「藝穗節」跟「Jimmy」為貫穿全劇的兩個關鍵字。

相較於中文劇名，我覺得英文劇名《Where's Jimmy》更貼近這齣戲，因為每一段的Jimmy都是不同的角色，各個段落發想人得決定Jimmy要出現在哪個位置，而觀眾也期待著每一段的Jimmy會以怎樣的面貌出現。

可惜的是，Jimmy雖然出現了，但Jimmy也就這樣消失了，一如劇中諸多角色，沒有可供完整發展的空間。儘管演員每個人的角色功課都作得不錯，身兼多角卻不覺混亂，但要真說有哪個角色走進了我的心裡⋯

或許台上形形色色的眾生相，各自能夠跟觀眾席內的某個人或某ㄧ群人取得共鳴，但因為每個角色的故事都不完整，都只能活在片段的當下，然後在燈暗換場之後功未成而身已退，表面上是熱熱鬧鬧的一齣戲，散戲之後卻只覺得一陣空虛。

這是一齣Jimmy曾經在我眼前卻又消失不見的戲。戲看到最後才恍然，或許重點不是Jimmy難不難搞，或是Jimmy到底在哪裡，而是Jimmy究竟要帶著觀眾到哪裡去。

演出場地：大稻埕戲苑-八樓曲藝場

這齣戲的投影真的令我讚嘆不已，但在投影的技術層面之外，仍有許多尚待克服或進一步思考的問題。

首先是現場的播音效果。不確定是場地喇叭的問題還是音量平衡沒調好的問題，一開場的男子說話聲音就讓我聽得有點吃力，之後的笑笑貓段落是有好一點，但之後的毛毛蟲及最後的紅心皇后都叫人聽著難受，似乎只要影像中的角色能量稍滿一些，播音效果就會大打折扣。

再來是影像與舞台表演銜接的部份。從一開場就看得出來這齣戲的重點在於投影，但畢竟這齣戲還是結合了真人演出，該如何調整影像與真人之間的能量平衡、該如何透過適當的銜接及互動達到相輔相成的戲劇效果，就成了這齣戲成敗的關鍵之一。比如劇中的Alice在喝了藥水之後縮進瓶中，急欲掙脫，於是設法讓瓶子跌落、破裂，藉此脫逃。真人與投影間的互動堪稱完整，甚至還看到瓶子本身也真的投影出受困瓶中的小Alice，卻在摔瓶逃脫的那一剎那，少了一個讓舞台上的瓶子真的掉了下去的機關設計。又好比說劇中的裸露畫面選擇以動畫帶過，也許是礙於演員本身的尺度，也許影像設計有自己的想法，卻無可避免地造成斷裂，不管是下墜時的Alice還是床上的Alice，都顯得有些不明所以，也沒能跟真人Alice有進一步的連結。看似避免了某一部份的尷尬，卻造成了另一種尷尬。

最後是文本改編的部份。將兔子先生變成性侵Alice的罪魁禍首，並在結尾解開了開頭提到的大火之謎，這條劇情線算是處理得相當完整。但除此之外，依循著原來的文本脈絡遇見了笑笑貓、毛毛蟲及紅皇后，卻沒能讓角色在新的文本當中發展出新的意義，尤其這齣戲將wonderland定位成只存在主角腦中的神秘世界，那麼每一個角色之所以會出現，理應跟主角本身的人生經歷有所關連，就如同那位造成Alice心理陰影的兔子先生。

就影像本身的敘事結構及調性，其實已經有專業水準，演員的表現也還不錯，卻在技術層面及文本編排出現了許多問題，沒能引領觀眾真正走進Alice的瘋狂世界。

演出場地：牯嶺街小劇場一樓實驗劇場

《杏仁豆腐心》，為日本姬路出身的韓國劇作家鄭義信於2000年發表的作品。內容講述一對同居多年卻面臨分手的男女，決定搬離女方的老家，然後在平安夜對彼此坦白過去未曾明講的事，最後陪伴彼此度過這一夜，迎向各自的嶄新未來。

2013年，林于竝教授主編的《日本80後劇作家選》收錄了此篇劇作，之後先是在台大戲劇戲導演課程中作呈現，然後有了在劇場正式演出的機會，至今四年間，有劇團的售票製作，也一度成為課堂文本，去年亦有藝穗團隊進行演出。

就技術層面而言，像這樣只有兩名演員及單一場景的戲，門檻不高，但劇組願意跟著舞台指示紮紮實實地呈現出一個紊亂不堪的室內景，足見其用心與尊重文本的態度，值得嘉許。

表演層面則著實挑戰著演員承受劇中父母離異、與多年伴侶分手和喪子傷痛等負面情感的能力。就我這次所看到的呈現，還是稍嫌保守了些，我只知道角色心中一定很痛，卻感受不到究竟有多痛。雖然演員都已盡量消化台詞，盡可能達到自然流暢，卻沒能更往心裡挖。

雖說對劇場新手來說，挖得太深或是跟有著悲慘經歷的角色太過貼近，很容易受傷，但既然選了這樣一個情感濃烈的文本，一定得清楚會有這樣的風險存在，也得學會誠實去面對自身能力的不足，越級打怪畢竟不是人人都做得到的事。

這不會是一齣滿分的戲，但在舞台細節上的用心、謹慎處理文本的態度，以及導演和演員願意挑戰自我的勇氣，已稱得上是藝穗團隊中的典範了。

演出場地：The LAB Space 實演場

這是一齣表現雖不盡理想，但最後結尾卻熱血到讓人覺得瑕不掩瑜的一齣戲。

演員分成兩男及三女。兩男分別為老大與小弟，在台詞丟接之間展現十足默契，即便小弟不小心忘了詞，老大仍是氣定神閒地以角色身份幫他穩住情緒。三女的表現則弱了些，尤其飾演大姐的演員，肢體放不開，語氣也不到位，就外型來說是個甜美可愛的大姐頭，卻缺少能夠鎮住全場的氣勢。

劇情從一場荒謬的珠寶店搶劫戲碼開始，原本認為大勢已定的老大跟小弟，卻沒想到半路殺出一個神秘女子，而原本被挾持的店員及莫名出現在店裡的學生妹，竟然也都是匪幫成員。看見年輕一代也踏進江湖的老大，竟突然間大徹大悟，決定自己扛下所有罪責，讓小弟有機會當英雄，然後要匪徒三姐妹就此改邪歸正。

劇情當中有許多出乎意料的反轉，看似突兀，但還是能藉由台詞鋪陳盡可能讓反轉合理化。其中也點出了現代社會的男女職工分配、世代交替、公道正義等議題，不過重點還是放在對於英雄身份的思考，其他議題只是點到為止，並未進一步深探。場地運用也相當徹底，除了隔出珠寶店/看守所天台、看守所牢房、三姐妹住家等三大區塊外，觀眾席中央的走道既可以是一般的道路，也能用來巧妙帶過樓上樓下垂降往返的過程。

結尾，終究是讓一開始就想好好當一次英雄的小弟，熱血澎湃地展現出英雄姿態，既讓觀眾看見這個角色的成長，也完成了角色在劇中的心願。能在一個小時左右的戲當中將角色及角色之間的關係處理好，讓劇情充滿驚喜又不致於過份牽強，懂得見好就收，若演員的表現能更一致，若三姐妹之前的情誼能夠跟老大與小弟那樣真情流露，想必會是齣不可多得的好作品。

演出場地：Woolloomooloo西門店WOW

在三位演員當中，飾演貓貓的演員表現最為亮眼。

從一開始的服從乖巧、帶點調皮可愛，到發情時對於綑綁、對於關係的渴求，再到因繩縛而逐步到達高潮的神情，再到最後為了主人復仇的狠勁，每一段的情緒能量掌控都相當到位，繩縛技巧也不錯。

相對於貓貓的熱情奔放，主人的角色調性似乎是要以內斂高冷來做出對比，但演員表現出來的卻較多是一種無能為力的感覺。若能把主人跟貓貓的互動作出多一些層次，或是跟主人獨自看病歷的段落作出一些情緒能量上的落差，這個角色會更具說服力。

蜘蛛女王是一大敗筆，演員總是太專注於進行繩縛，卻沒能在過程中讓角色的個性更鮮明，不知道她是在自得自滿呢？是在尋找靈感呢？還是其實也有作繭自縛的時候？後段跟貓貓的互動過程，好不容易有展現女王風範的機會，語氣跟肢體卻不見該有的份量，亮點反而是後來貓貓反將一軍的時候。

繩縛藝術的確有其力與美，但在作品的呈現過程中，該如何讓每一道束縛都能表達出情緒，或是讓演員能藉此累積能量，並讓那一剎那的美感留在觀眾心中，值得再進一步思考。

演出場地：濕地Venue- B1

這是一齣有那麼一些想法卻看不到多少做法的戲。

從有關愛情的訪談開始，然後藉由不同的故事帶觀眾走過愛情當中的分分合合，再以訪談影片作結，整體結構的起承轉合其實已有基本概念。

可惜的是，文本內容沒能針對每段故事的主題充份發揮，幾乎是以閒聊的方式帶過，只看到在台詞之前的銜接(以同一句台詞為不同對話的頭及尾接力進行對話)及情境置換(同一段台詞因為情境不同而有不同結果)，有運用到一般劇場課程常見的遊戲技法，卻不見有更精鍊或是更深刻的文句呈現。

此外，因為角色建構不夠完整，觀眾看不到失去戀情的痛苦，也看不到角色間的化學反應，只看到當下因為台詞怎麼說而有怎樣的表面情感，無法深入內心。尤其看到場中穿著最保守的女生跟閨蜜說自己的穿著有多開放，以及劇中一對又一對不知為何而分開及為何在一起的男男女女，更讓我覺得問題或許不全然是文本深度不足，而是演員缺乏充份角色自覺。

投影運用的唯一亮點在於劇中談話性節目的開場及結尾動畫，卻也讓我感到不解，與其花時間去把對於劇情推動起不了太大作用的動畫做好，為何不多去思考該如何把實景投影與表演內容作更緊密的結合，而不是既起不了營造空間氛圍的效果，然後又讓接下來的表演段落打回原形，只顯得尷尬、無謂。另外，一開場沒多久的Line訊息以及之後播放的角色回憶，原本都是可以讓角色有更多發揮的地方，但前者不見訊息內容，無助於揭露角色面具底下有多不堪，後者則僅止於觀看，無助於增加角色的情感濃度。

劇中有句台詞說得很好：「說了再多，都還是不等於愛」。同樣的，若只能在獨白段落中講一堆愛情中的美好與苦澀，卻毫無表現，無法真正走入角色內心，讓觀眾跟著走過愛情裡的每段回憶，那麼這也不算是個可以端得上台面的好作品。

演出場地：Woolloomooloo Xhibit

這是一齣開場跟結尾都讓人覺得莫名其妙的戲。

開場的醉酒戲碼，聲音不過有點醉，肢體也還清醒著，演得很賣力卻表達不了不勝酒力的昏醉感，讓我先對演員各自的角色功課打了個問號。

緊接著的真心話遊戲，其實可以用來建立角色，讓觀眾對於各個角色有基本的認識，卻看到演員對於圈外/圈內、群體/個人之間的角色轉換欠缺進一步的思考，淪為劇本當中帶出懸疑的功能性橋段，丟出了一個問題之後便草草了事，也讓我對這整齣戲的文本打了另一個問號。

可惜的是，這兩個問號直到結尾都依舊存在著。除了飾演芳嘉跟茉莉的演員因為有足夠的台詞厚度而在後半劇情表現亮眼之外，其他三位演員都在莫名的激動與冷漠之間度過尷尬的75分鐘，自顧自地專注在自己的角色情緒中，卻沒能真心把對戲演員的台詞聽進去，進而激發出該有的反應及戲劇張力。文本當中其實有ㄧ些值得發展更完整的點，比如Kelly的男友突然來訪，而且正好要去劇中的關鍵地點找東西，Kellyㄧ邊趕去擋住男友，一邊要芳婷去把男友的東西找出來，但這樣的急迫感卻在接下來芳婷與Regina攤牌的段落消失於無形，東西找到了不用趕緊拿去給Kelly交差，Kelly的男友也不知為何就這樣回去了。又比如最後的反轉結尾是不錯，卻沒能在前面的ㄧ個多小時多ㄧ些鋪陳，反而顯得突兀，也不懂得見好就收，讓句點落在ㄧ個莫名的時間點，更別提那個打得再大還是讓演員無視、走來走去就是不想待在裡面的光圈了。

這齣戲原本可以是一篇精彩的短篇懸疑推理小說，卻因為角色功課不足及文本紮實度不夠，成了讓人啞然失笑的草率作品。

演出場地：納豆劇場