編舞的題目明確，場地伴隨著演出當日的大雨，呈現出清新乾淨的年輕氣息，即使舞者在表現異鄉的痛苦時，卻不能完整讓人感受到那受到城市壓迫的靈魂，或許終歸是太過青春，在觀者眼中那些掙扎與苦痛顯得像是回首過往時已經可以漠然淡去，當時再大的不適與苦澀如今終也成回憶。

在舞者肢體中，感受到年輕、軟弱、害怕同時又強壯、勇敢與無畏，五名舞者之間的互動帶給人一絲如女校好友間的堅定情誼。女孩在咽語中表達對故鄉的思念與困頓的日常生活，也在女孩的包圍下顯得微不足道，年輕生命力散發的溫暖在水泥高強的城市中熠熠生輝。

演出在一些細節，像是投影的使用是否能夠完全表達「城市景觀」的概念；或是移動式演出的必要性都必須打上問號，在非心志狀態的呈現上顯現的較為不到位，是可以重新考量的空間。

演出場地：Verona 創義廚房

評論七言絕句對製作團隊來說，我想是很不公平的一件事情：我不喜歡這個演出，但我認為這是個好的演出。大部分呈現都完整且準確，演員之間如同雙口相聲一般一來一往製造的梗點，節奏感精妙；演員類型化的演出也十分清晰，整齣劇沒有是非不分的黑白空間，像是觀眾擺明了要告訴你「這個」；而觀眾也確實的接收到了「這個」。

另外，場地的使用可能有更有效率的方式，來呈現場景的轉換，而不需要勞動觀眾左來右往的打斷戲劇的節奏，即便飾演警察的兩位演員稱職的扮演小隊輔的角色。開頭觀眾入席時小女孩猛吃便當的橋段看得出神，看久了卻覺得有點浮誇，吃個飯嘛！不用吃成這樣吧？頭尾女孩與父親的橋段，父親的情緒轉換非常的大，起頭頹然憤怒的父親，片尾卻是一個與女兒聊天的老爹，讓人困惑中間的轉折是甚麼。情節推移過程中角色節奏明快的呈現讓人看得過癮，卻不免覺得有些扁平化。

整場戲劇中，我無從自演員枝微末節的肢體中解讀到甚麼其他，他確實是一個荒誕劇；也或許確實需要演員這麼狂放的演出來推動劇情，但在喜劇之外我卻感受不到弦外之音。在突如其來的生命最後七日，難道我們能接收到的只有荒誕的過程與一宗又一宗的意外嗎？或許這樣的期待是狂妄的，並不尊重文本，但我想這樣的題材能夠有更細膩深入的空間。

演出場地：空場Polymer

幾個簡單的道具布景、投影，一些空瓶，開場時三位演員一個裝模作樣的表情與肢體，來回走動與爭奪之間，既是簡述了演員之間關係的張力，與等待的焦慮；又像是甚麼也沒說，三人、一個提袋，究竟這齣戲是要說甚麼？

刻意的隱藏了主線，在前段引導觀眾往別的劇情設定在想像，激辯與焦慮中，透出一絲等待果陀的無力感與放棄，直到第四名角色的加入才真相大白。前面的衝突累積而成的情緒開始釋放，雖然仍是小規模的衝突，但是因為有了主要目的，衝突開始出現了明確的目標，而不再次前段漫無目的地等待。

有趣的是，劇中三名角色各自代表的立場，在衝突之中，各自有其缺陷，但在最終卻都為自己找到了一個出口(藉口)。他們的行為有轉變嗎？或許在戲劇看不到的後面，他們絲毫沒有。

這樣一齣透過大量對話與表演來推展情節的劇，非常吃演員表演的能力，放得太多、太滿、太少，都可能讓演出變得不好看，在這點演員的表現讓人激賞，在大量的台詞與部分過於誇張的段落安排中，絲毫不讓人感受到不適，情緒的傳遞適得其所，跟隨演員在情緒強弱之間體會到彼此的空虛與困難，以及壓抑的不滿。

演出場地：大稻埕戲苑-八樓曲藝場

杏仁豆腐心本身劇本就非常的不錯，是一個非常清新的優秀小品獨幕劇，要把他演糟是不容易的，相對的要怎麼讓他更出色就是一個難題。

在這次的版本中，進場時就讓人激賞舞台的設計：紙箱等物件的座落排列有層次、不干擾，手提音響、小電視和微波爐，以及閣樓的窗戶，散發著陳舊的木造味，開場前昏黃燈光下的舞台襯著音樂散發出幼時母親或奶奶在廚房烹煮雜菜湯的味道。

無奈畢竟沒有天天在過年，在這場演出時開場的音響就出了嚴重的失誤，以至於無法聽清楚事件設定的背景。但是卻也陰錯陽差讓觀眾在演員一來一往中逐漸建構了情侶之間的往事與家族成員的組成。

在這次演出中，演員的表現情緒算是精確且流暢，但是稍嫌放的過多，且面相太多單一，小葉子的劇中很大比例都是處於非常高亢的狀態，雖然偶有到位的情緒轉換，但是聲調還是換不過。達郎表現的木訥體貼算是到位，但是對於一段七年的感情；一個著墨小細節的貼心前男友，或許情緒的轉換還是稍嫌少了一點。在某些情況下，一些可以更有情緒轉換（尤其是"好冷噢對阿好冷噢"的段子，可以階段性的改變兩位主角之間關係的情緒卻沒有使用），台上不免顯得有些不自然而尷尬。以獨幕劇來說，燈光的轉換稍嫌太少，在開窗、回憶、接電話等等情緒轉換之處仍用同組燈光讓人覺得稍嫌單調。

雖然有這些小缺失，但是整體的氣氛我認為掌握的非常棒，就如前段所述，那樣木造廚房的雜菜湯味，滿溢了整場演出，一面讓人對於那些愛上軟爛悲劇的自己、情侶間欲言又止、說不出口的爭執和鯁在喉中「聰明話」；對父母又恨又疼惜的心情，感受到強烈的認同感。甚至時不時的在心中上演：「妳就對他多貼心一點，會死啊！」那樣吶喊的少女小劇場。稀少但是到味的音樂選擇勾起了濃濃的90年代清新日劇回憶，劇末陽春的聖誕燈飾窩心的讓人覺得美不勝收，在回憶的酸楚中帶笑離場。

演出場地：The LAB Space 實演場

入場前期待很高的，預期能夠在睿智的嬉鬧笑料之中，一一提點M型社會現象的諷刺，但是很遺憾的是大部分段子都是點到為止、輕輕帶過，甚至有直到劇末仍然想不出和主題關聯性的段落。演出的氣氛沒有社會議題這個規模；比較像是貧窮世代的自嘲。

演出笑料大抵都是可以接受的範圍，即便提到了踩線內容，也都在可接受的範圍，唯獨開始時喬瑟夫在「色盲」的段落意欲引導觀眾認同自己的說法，卻顯得失敗時，又必須硬著頭皮讓段子繼續下去，顯得非常尷尬。或許本地觀眾真的不太擅長和表演者有所互動(這在後段的互動遊戲中也有相同的問題)；也或許色盲的橋段真的把觀眾的共同體驗預設的太美好(牽強)了，或許在這種需要觀眾互動才能繼續下去的橋段，團隊應該好好考慮備案的處理方式。

另外整場演出中，部分與性別意識有關的笑料(馬眼、做愛、器官)，可能也有必要重新考量，當然對於性別器官的避諱不談是台灣社會的現況；將這種矛盾拿來當笑點也無可厚非，但是在段落中的表現方式更加強了這種避諱不談的矛盾，我認為未必是一個理想的搞笑方式。

最後，演出開始前團隊邀請(要求)觀眾坐到舞台前席地而坐，我覺得這是不專業的空間安排，因為擁擠而要求觀眾坐到前台，代表的意義不就是超收觀眾了嗎？

演出場地：新芳春茶行-1樓

雖然結合了電子效果器材，但是呈現出來旋律性顯得太過強烈，讓電子訊號的強度減弱，實驗性比較缺乏，讓人感覺音樂部分團隊大多的心力用在樂曲上了，電子音效的表現有相當多的可能被犧牲掉。

選曲的方向非常豐富多變，感受到電子爵士、8Bit電子、ACG文化，不同風格都有展現，但是樂曲之間主題的轉換串接卻沒有投入相對的心思；常常出現的空白與樂手在台上等待的時間顯得尷尬。曲目數量太多、風格太過多變，暴露整體統籌的缺失。投影內容的製作算是十分用心，但是影像並沒有隨著音樂的節拍考慮，裝置的使用稍嫌小家子氣，小劇場的空間應該可以有更多強烈印象的表現。

整場演出下來，多少給人一種「我覺得這個非常棒，我想要表現這個」的感受，缺少了讓人能夠完全投入的主線，想要表現的主題不夠深化，各項亮點都像是蜻蜓點水的帶過，使得45分鐘的演出時間變的相當漫長。

演出場地：牯嶺街小劇場一樓實驗劇場

本劇以數個不同段落，說明在日人心中，對於「台灣旅遊」四字的刻板印象；透過誇張、綜藝的演出方式，點出「對一個族群與地區強烈、片面的刻板印象，以及商業考量的廣告曝光，最終造就了一個族群對另一族群不完整甚至錯誤的觀念」的主旨。

但是過程中，流水帳朗讀、演員不停與投影幕互動(觀看朗讀的台詞、模仿投影幕的動作)，交雜著三國語言(中、英、日)，背景音響操作的音質不佳且音量過大，在這一切可能是刻意打亂以致無法成功傳遞訊息的操作下，冗長、繁雜又欠缺意義的訊息讓觀眾疲乏，終於放棄投入口白。

後段終於要透過三者旅遊後的回憶，正經的敘述旅程，卻被刻意重複發音的念稿方式給打斷，語言的功能不停被切斷，在喧鬧不已的過程中，文本有意識地把話語變成音樂性，最終文字失去意義，只留下片段式的關鍵字，在白噪音似的空白之中，強迫觀眾把零碎的念頭發酵為一場思考，最終透過演員請觀眾「選擇地點」(記憶的地點)的互動、黏土塑形(思念的形象)的回收，把旅行的意義交還觀眾自行想像：關於旅遊的記憶卻是透過人際情感與生活建立的。

演出概念在議題選擇上非常不錯且貼近在地，但是在表現方式上卻欠缺縝密計畫：包括舞台裝置的設計意義不明、互動道具的節奏沒有連貫，只出現單點缺乏解釋、演員能量的比重失衡、太過依靠投影表演本身卻十分缺乏...，等等都算是瑕疵。未必適合大部分的觀眾觀賞。

演出場地：Woolloomooloo Xhibit

相當感官式的表演，文本的存在變得不具意義，光靠作品無言語的表現就讓人體驗到豐富飽滿的精神。

電子噪音和表演者的節奏掌握的非常精準，聲響變換時先後轉換了身體流動和神經電擊似的不同的身體律動，身體的線條表現出肉體於節肢不同的差異，手部細微的表現又跳脫出這兩項感官，兩名表演者主客互位的平衡都讓人十分欣賞，呈現雙人一來一往的互動，像是共生、權力轉換與引導，光是表演者本身的演出就非常飽滿精彩。

電子裝置以三菱鏡投影出的彩光讓場地融合了生硬、夢幻的冷調；投影的設備創造了相當生態、浮游似的印象，籠罩著整個場地，刺耳的噪音和表演者的低吟聲在現代中表現了宗教性，服裝與面具的穿與褪之間，一連讓人聯想到生物性、宗教性與人性。

四面相對稱的場地設計與中央線條構成裝置在迴轉時成為一個完美的圓，替演出作了無暇的起頭與收尾。唯獨過程中乾冰的使用讓人覺得有點干擾；不論是視覺或是聲音。

演出場地：濕地Venue- B1