走進一間家飾用品店，令人眼睛一亮，離捷運20分鐘路程的怨念，霎時退散。亮白質調，生活物件與自然花草並存，空間雖窄但流動有致，工作人員引導在賣場空間中入座，四處有白色折疊椅，還有一些本身就是賣品的小板凳，心想，待會是在這樣的空間中演出嗎？太令人期待了，但會不會傷到店家商品？阿，原來是一場誤會，

演出時間前五分鐘，工作人員再次引導觀眾走下地下室真正的演出空間，一個白色鏡框式舞台加上一簾紫紅色窗簾作為背景，那是兩個女子的愛情故事，從小一起長大，一個成了被媽媽利用的雛妓，一個因為家庭壓力逃家愛上了畫室老師，而畫室老師也是雛妓的恩客之一，急轉一個沒來由的告白相戀，然後其中一個她離開。

掌握了不錯的題材但劇本卻毫無組織邏輯，寫實卻沒有結構，虛構卻又不夠抽象，眼前的演出蓋不過心裡的畫面還停留在剛才樓上等待跟想像的空間跟時間裡，徒留悵然。

演出場地：Follow Eddie天母風格空間-B1

明亮挑高的老屋空間，現場鋼琴伴奏的男歌手上台，清亮的嗓音有著小情歌般的質感，加上一段獨舞的開場，演員亮相。故事路線聚焦在女主角的視角，穿梭跳躍在三個不同的時間脈絡裡，家庭的美好回憶、父母離異，與姊姊相依、戀上與父親同一演員飾演的上司，無法接受將要結婚離開自己的姊姊。在現實與虛構之中，她與過去的兩個她，同置在舞台上，就像黑天使與白天使，左右相逼，看著那張喜帖，她已經分不清與姊姊的關係，究竟是親情還是愛？

編劇設定不俗，但結構邏輯都尚待加強，導演調度多有可惜之處，演員進出場安排巧妙，但歌手跟樂手卻全場被呆置在舞台上，顯得尷尬，最後幾秒鐘的四手連彈，也令人毫無頭緒，劇情與舞蹈的銜接，現實與虛構的交疊，都在企圖心可見的基礎上，節節落拍，還好空間運用尚佳，但畫面美則美矣，卻不只有單一問題而已。想要將音樂、舞蹈、戲劇融合，是值得嘗試的形式實驗，但當這三片各自迷人的風景，被放在一起的時候，卻無法產生正向的質變，反而互相干擾，這中間的落差究竟發生了什麼？在趕捷運的時間裡，我試著找出原因，化繁為簡的想，是在網路世代下成長的學習路徑裡，嚴重遺失深度建構思辨只能充斥短效視覺經驗的症候群，經濟操作下大量放送通俗電視電影的洗腦，偶像劇的殘影、網路訊息的切片，建構了新型態的思維模式，甚至像病毒一樣蔓延，更新一代的人類可能已經無意識的失去了組織結構的能力，就像電腦程式一樣，直接抓取資料庫，複製剪貼排列組合，一切合乎規格卻鴉然失聲，本作並非特例，這是一整個後數位世代的顯憂。

其它意見：請繼續實驗發展

演出場地：藝・風巷

地下室是挑高有限的水泥空間，全黑之後，觀者進入看不見邊界的宇宙，宇宙的中心，是一座錐形細線裡架著三菱鏡，對稱的兩邊有兩片透鏡，將光投到鏡片上，鏡片折射出彩虹，劃過整個空間。在遊走之間，看見兩個遙遙相望的生物，他們的眼睛有光，卻像是已經退化了眼睛功能的深海魚，只能用聲音辨別彼此的存在，他們靠近彼此，圍繞在宇宙的中心，他們尋找對峙，像是求偶也像戰鬥，沒有語言沒有對話，沒有時間沒有空間，只剩下最原始的本能驅動。

在這個沒有邊界的宇宙裡，不知是否因為舞者的行動使然，眼前出現阿爾塔米拉洞穴壁畫的錯覺，突然身處在光速3500年的縫隙之中，未來與過去都在眼前，有幾秒鐘我以為場中錐形細線裡的三菱鏡才是主角。本文寫在下一週看完《致深邃美麗的》後，儘管形式結構完全不同，卻都直指現象學的核心，回到事物的本質。

演出場地：濕地Venue- B1

愛情的命題可大可小，是人生的必經之路也是創作裡的十之八九，但能談得好的卻是鳳毛麟角。22小時的意思？ 只有2個小時不在一起嗎？還是因為兩個2，以及剩下的還是2？兩個人在一起有多少事情可以發生？ 愛情是不是真的只是兩個人的關係？字面上的數字跟作品的關係是？第一個段落的玩具車設計，有些趣味卻令人不解其意，中段男舞者的女裝與女舞者同款的意義薄弱，試圖反轉男女權力關係的肢體互動也流於刻板。整體作品雖然可以看到創作的企圖心，但編舞概念不足，空間運用過於平淡，段落與段落之間缺乏調度，音樂過於強烈卻沒有個性，雖然有幾些微小的亮點，但卻沒有發光。

在這個作品裡面，既沒有能看到關於行動與空間、物件關係的建構，更缺少深入於表面感情的內在思考，就只是兩個人黏膩在一起的枝枝節節，觀眾就像經過公園長條椅，看著新手戀人公開放閃，只想快步離開。可惜了舞者身體質感及情感表達能力，尚有一定水準，應該潛力可期，只缺一個好的編舞者。

演出場地：牯嶺街小劇場一樓實驗劇場

驗票時。觀眾收到一封手寫的信，裡面寫著：從那天起，我們再也沒有見過面，再也沒有訊息......，以及一些重要的年份日期，一包奘著兩顆綠豆種子的小夾鏈袋。這個作品設了一個HIKI的臉書虛擬帳號，還提供了現場的免費WIFI服務，鼓勵觀眾加入帳號，可以跟HIKI聊天，他說，「請跟著綠豆走，請跟著手機訊息，也許就能找到我」。正式開始前，還有一台耳機，可以讓觀眾先聽聽HIKI的聲音，一開始不是在場內而是戶外，還有現場音樂演奏。

直到目前為止，都十分令人期待，難道藝穗節要出現第一個臉書互動浸潤式劇場了嗎？毫不客氣的在演出中拿出手機看HIKI的動態，跟他聊天，哇，他敲我了，臉書塗鴉的內容比現場更碰觸議題，與虛擬帳號聊天比演出更吸引人探究其中，只是這一切，都在開場後30分鐘莫名結束，塗鴉沒有在再更新，HIKI不再說話，已讀不回，但他卻又莫名其妙的把共同朋友拉進一個共同對話框裡，後來連免費WIFI也斷了。不甘心的把視線拉回現場，三名白衣表演者，無語言的行動，或拉扯掙扎，或與觀眾嬉笑互動，但都只是鬼打牆般的來回，直到模糊失焦。這是兩個作品吧？

唯一可以感受到的是創作者對世界控訴的囈語，但在劇場表現上卻是令人不忍直視的失語狀態，反覆但反覆得不夠徹底，不甘心但也只是不甘心，綿綿的沒有力氣，就像IKEA的廉價枕心裡的白色尼龍棉花，很柔很細很便宜，但睡起來對脖子有害，其實沒有用。一個想要討論繭居議題的作品，很用力得鋪設了很多節點線索，但卻莫名的連不成線碰不到邊，有些有趣的起點但沒有再繼續發展， 碎裂的無以復加，一切的可能在開場之前就戛然而止，甚是失落。

演出場地：URS127玩藝工場

一個高中生的死亡，一群不相干的人在談論他的死亡，他們猜測、爭執、搬演，那個死亡的真相，即使是與他相干的人，他的父母，他的朋友，也仍然不是他，直到最後機器神出來結束這場鬧劇。在碎片般的線索，荒謬可笑又真實的台詞，一切虛構的真實裡，那是關於個體與群體，邊緣與中心的安魂曲。每個年代都有類似的美好與芬芳，從上個世紀末的玫瑰少年到2017年的美女作家，最新登場的北一女新生，最後那一朵被踩碎的白色玫瑰，是默哀，卻又更像是代替他/她，一抹斜眼看向觀眾席，陰冷無色的笑。

作為中二年代（註1）三部曲，林靖雁從《雜生少年》（註2），《無限鎖》到《容我羞恥於美好與芬芳》，十分貫徹維持著基礎的慘綠調性，《雜》的滿谷紙箱、《無》的鷹架、《容》滿地文宣單張，是經費有限的極限裡長出來的異景，獨角戲、共同創作到導演，林靖雁逐漸拉開沈溺自我的距離，但還沒有離開一個90後的傲嬌姿態。


（註1）此語引用自文字工作者黃湯姆的臉書塗鴉短評
（註2）本作為共同創作

演出場地：牯嶺街小劇場一樓實驗劇場

這是姊弟戀方程式裡的某一種排列組合，相差17歲，成功的上班女子與還在尋找人生家庭有困難的社會新人，從愛戀到苦戀，浪漫的情節沒有少，現實的面對也緊接而來，是年少失志面對母性堅強的人性糾纏，價值觀與人生觀，可能是愛情裡唯一的課題，只是這次，沒有贏家。觀眾看的是戲，但演員演出的可能是自己的人生，在一間餐館裡，搬演一個大齡女子的愛情故事，空間的選擇上恰如其分，直接以街景做背景，店門當進出，也是巧思，但道具的選擇，退換場的進出，男演員的手腳無措，都稍有尷尬之處，只有女主角面對回憶的勇氣，滿分。

走出餐館，在女主角太真實的眼淚裡，有些苦笑，但也突然秒懂了藝穗節存在的價值，在這個充滿價值判斷的城市裡，讓每個人都可以在這裡創造一個屬於自己的15分鐘，可以是藝術上的創作、實驗，可以是實現人生未竟的夢、與過去說再見、對未來做練習，應該還有很多的可以，才對。

演出場地：Verona 創義廚房

作品開始的前10分鐘，沒有語言，兩個女子在黑暗的家居空間中走動、手持白色洋裝的女子，甜笑迴旋，是全劇最好的段落，幾乎也是劇情的全部。整個作品的質調，在意外車禍的音效之後，進入寫實空間，直落地心，如入萬丈深淵。

三個同居的女子，因為不同的原因愛上同一個男人，在男人因車禍死亡後，也因為不同的原因走不出來，我愛他，妳也愛他，原來她跟他也有關係，為什麼？為什麼？為什麼？女子們問了一百萬遍為什麼，就是不願意承認因為他是個渣男，無誤。透過男子預錄下來的錄音帶，女1與渣男在平行時空裡繼續相戀，最後在三個女子面向不同方向的彼此呼告中，死去的渣男、不在現場的渣男，始終站在世界的中心。

在劇場裡，關於愛情的主題亙古不變，如果不是跟自己有關的故事，也至少該是與現下社會價值能有所對話，但在2017年的今天，當代青年男女愛情觀究竟是什麼樣的風景，可能不是本劇要表現的題目，就連好好說一個愛情故事，好像都還很困難。渣男可惡，但出場只有三次，台詞極少，身穿白襯衫的男演員，卻是唯一的救贖，聲音厚實、表現沈穩，成為這深淵裡詭異的一抹光。

其它意見：如果要用廁所作為劇情進出場的關鍵空間（女生的臥房），那也是舞台設計需要照顧的地方。

演出場地：空場Polymer

這個團太奸詐了！

「吉米不難搞」這五個字，聽起來像是來自於一個小劇場創作人的名字，又像是一個評論人藝名的諧音，讓小劇場裡的中重度觀眾有些遐想，「你有演出？」「所以是顧問嗎？」「是在講你的故事嗎？」讓兩位偽當事人小有困擾，但不論如何都引起一番討論，搞笑式的，認真好奇的，可以說是成功的針對特定族群設計的宣傳手法。

但原因這麼簡單，是屆臨報名截止期限最後幾分鐘，不管三七二十一，劇名隨便先填上去，先寄出去，達陣再說，連英數轉換都不管，所以出現了「ㄐ ㄇ ㄅ ㄋ ㄍ」的劇名，荒謬得很真實。這樣的開場劇情安排也可能是藝穗團隊報名的真實寫照。接下來的段落裡，「吉米」出現在不同的位子上，導演吉米、製作人吉米、演員吉米......，反正會搞砸會犯事的，都是吉米，把大家臨時摳來臨時成軍參加藝穗節的也是吉米，難搞不難搞的，都是他。

以四平八穩的中文音樂劇水準作底，十段不互相關聯的極短篇串接十年的藝穗人生路，雖然沒有太多意料之外，但也處處可見巧思新意，唯有前後場的串接少了更細緻的安排，只是燈暗燈滅，不免可惜。最後的撤場戲，是一檔製作的結束，也是為了下一次重新開始的歸零，舞台上還真收拾了起來，戲演完了撤場也差不多了，從劇名到劇情推進的小聰明，一氣呵成，令人會心。最後，毫不免俗的要來個大合唱高潮，加上剛剛好的音樂幫襯渲染，不多不少，燈滅之後還要回馬一槍，下次再來說好。

唱的是參與一個城市節慶的點點滴滴，但底拍裡的卻不只有對劇場的愛恨情仇酸甜苦辣，觀眾會因為劇情輕鬆唱詞幽默而開懷笑，但藝穗人/劇場人會笑中帶淚。這是一齣劇團給自己的成長回憶錄，也是劇場人給藝穗十年的情書。

演出場地：大稻埕戲苑-八樓曲藝場

舊約聖經創世紀Genesis :
1:1起初神創造天地。
1:2 地是空虛混沌，淵面黑暗，神的靈運行在水面上。
1:3神說：要有光，就有了光。
1:4 神看光是好的，就把光暗分開了。
1:5神稱光為晝，稱暗為夜，有晚上、有早晨，這是頭一日。
1:6 神說：諸水之間要有蒼穹，將水分為上、下。
1:7 神就造出空氣，將空氣以下的水，空氣以上的水分開了，事就這樣成了。
1:8 神稱蒼穹為天，有晚上、有早晨、是第二日。
1:9神說：天下的水要聚在一處，使乾地露出來，事就這樣成了。
1:10 神稱旱地為地，稱水的聚處為海，神看著覺得很好。
1:11 神說：地要長出青草和結種子的菜蔬，並有結果子的樹木，各從其類，果子 都包著核，事就這樣成了。
1:12 於是地發生了青草，和結種子的菜蔬，各從其類，並結果子的樹木，各從其類，果子都包著核。神看著覺得挺好的。
1:13 有晚上，有早晨，是第三日。
1. void: 空 2.division: 分開 3. Firmament: 蒼穹 4. grass: 青草 5. plant: 植物 6. seed: 種子
1:14 神說：天上要有光體，可以分晝夜，作記號，定節令、日子、年歲
1:15 並要發光在天空，普照在地上，事就這樣成了。
1:16 於是神造了兩個大光，大的管晝，小的管夜，又造眾星。
1:17 神就把這些光擺列在天空，普照在地上，
1:18 管理晝夜，分別明暗，神看著覺得很好。
1:19 有晚上，有早晨，是第四日。
1:20 神說，水要多多滋生有生命的事物，要有雀鳥飛在地面以上，天空之中。
1:21 神就造出大魚，和水中所滋生各樣有生命的動物，各從其類，又造出各樣飛 鳥，各從其類，神看著是好的。
1:22 神就賜福給這一切，說：滋生繁多，充滿海中的水，雀鳥也要多生在地上。
1:23 有晚上，有早晨，是第五日。
1:24 神說，地要生出活物來，各從其類，牲畜，昆蟲，野獸，各從其類，事就這 樣成了。
1:25 於是神造出野獸，各從其類，牲畜，各從其類，地上一切昆蟲，從其類，神看著是好的。
1:26 神說，我們要照著我們的形像，按著我們的樣式造人，使他們管理海裡的魚，空中的鳥，地上的牛，以及地上所爬的一切生物。
1:27 神就照著自己的形像造人，乃是照著他的形像造男造女。
1:28 神就賜福給他們，又對他們說，要生養眾多，遍滿地面，治理這地，也要管理海裡的魚，空中的鳥，和地上各樣行動的生物。
1:29 神說，看哪，我將遍地上一切結種子的菜蔬，和一切樹上所結有核的果子，全賜給你們作食物。
1:30 至於地上的走獸，和空中的飛鳥，並各樣爬在地上有生命的物 ，我將青草賜給他們作食物，事就這樣成了。
1:31 神看著一切所造的都甚好，有晚上，有早晨，是第六日。
2:1 天地萬物都造齊了。

他說，人類終將被取代
我想，應該是回到最原始的狀態

演出場地：牯嶺街小劇場一樓實驗劇場

《紙飛機》2016年4月的讀劇首演，是在台大藝文中心的戶外草地上，這次在藝穗節的獨角戲正式演出，也擬真了一塊綠色的塑膠草皮，舞台後方輕疊起來的牛皮紙箱，成為一堵不結實的牆，時而能透過紙箱空隙，觀望前方。女子略帶偏執的語調，說著環保、省水的生活細節，說著關於紙飛機的一切，以及那個漢堡包，漢堡包最後成為所有事物的代名詞，漢堡包（牛皮紙球）一整箱的倒，踩、踢、丟執，紙飛機一大落的飛。那是一封給父親的情書，卻更像是作者的自言自語，在那片草皮上，輕巧的腳步踩著灰色的印子，甜美的聲音說出澹然的文字，帶出一片霧濛濛的風景，幾個壓抑的、控制的、優雅的歇斯底里，腦中竟浮現美女作家的影子。

劇作家傅凱羚在2016年10月，第一屆《自己的劇本》原創戲劇節裡發表《蔚然》寫的是母女關係，同年但更早完成的《紙飛機》則交代了父親。文字成為人生的載體，書寫是轉譯的過程，閱讀是療癒，搬演則是最後一趟航程。《紙飛機》是這座人生花園裡其中一片飛不出去的風景，還飛不到觀眾席，也還沒有飛出劇場的邊界、作者的手。

演出場地：URS127玩藝工場

一對龍鳳雙胞胎，因為家長不同的期待而長大，過動症的哥哥學鋼琴當治療，因此愛上音樂，長大後卻仍被迫繼承家業，妹妹出國唸書滿懷抱負，卻只被期待嫁得個好人家，一頓晚餐爆發家庭革命，一場爺爺的意外，連結了所有人，完滿了結局。

編劇初始設定或可想像以《人間條件》這樣的家庭悲喜劇作為基礎，每個人物都應該有可以發展的空間，但顯然劇本寫作應該還在半成品階段，全劇焦點只放在哥哥身上，其他人都只是過場，不見個性，劇情無有鋪陳，上一輩的愛恨情節完全空白，這一輩的關係進展嚴重跳接，需要腦補的地方比演出來的劇情多太多，但身為焦點的哥哥卻也只是推進劇情的說書者態。角色建立淪於刻板映像的巢臼，舞台技術缺如，燈光只有全亮全暗，60分鐘的演出，扣掉太多的暗場換景黑衣人，只有單薄的關係結構圖，整體結構已見但血肉未有。導演技巧、空間調度、演員、技術，離所謂劇場作品，都還有一段距離，作為一個中規中矩的寫實習作，只能暫時用「完成」來打勾。不用安慰的心心來感覺良好，僅以一顆心，作為未來的幸運。

其它意見：這裡不是學校，做作品跟能不能畢業沒有關係，沒有一定只能做的事情，沒有一定不能做的事情。演技可以粗糙、作品可以難看，但請大膽一點、請不規矩一點，下次，試試看沒有做過的、有點不安全也沒關係、失敗也沒關係，這才是來參加臺北藝穗節真正的意義，老師鼓勵你們走出學校真正的用心。如果真的只是在這裡做期中作業式的練習，沒有不可以，但其實在學校禮堂裡就行了。

演出場地：莎妹劇團「自己的排練場」

男人到精神科診所掛號，女人不斷的想要改變男人的目的，聊起越南難民，然後請他捐款給柬埔寨，談到樓下櫃檯的未婚女子，問已婚已經有四個小孩的男人要不要考慮看看，突然說到近視的問題，推薦他填寫眼角膜捐贈同意書......，但就是不讓掛號，時不時會回到桌上筆筒應該放什麼位置的偏執狀態，男人則不斷在回應思索女人的問題，以及“我是來掛號的、醫生到底在不在”之間來回，直到崩潰離場，女人則一臉無辜的繼續玩弄後來進場的醫生。

日本劇作家別役實的荒謬性，來自於語言上的反覆與侵略，逐漸被推進，或說被佔領的話語權轉換，本質上，跟日本的漫才傳統（兩人一搭一唱，因為誤會、雙關語、諧音而引發的笑話），可能不無關聯，《掛號》也建立在這個基本脈絡上開展。演員帶著些微口音的中文，對於接收語言並不構成太大影響，但在文化語境的轉譯上，似乎還有些需要突破的地方。就讀劇而言，尚且恰如其分，不多不少，推介日本劇作給台灣觀眾的宣示甚至有種微妙的客場優勢，兩個日本人在台灣創團，用中文搬演日本劇作，又是初登場，這就跟在藝穗節裡看到大學生製作一樣，掌聲鼓勵為先，但如果要長期經營，未來的面對可能才將要開始。

其它意見：本作分別在兩個場地演出，前面四場在仁安醫院舊址，後兩場在西門町Woolloomooloo，在醫院裡演出，應該有其自然興味，在西門町的演出，空間上的使用無法更貼合作品，顯得可惜，不知道前四場在空間上是否有不同的裝置？

演出場地：Woolloomooloo西門店WOW

場上兩張細線纏繞的老式木構藤椅，影子打在白色微有曲度的攝影棚白牆上，燈光暗後再起，只著底褲半裸著的四名舞者，彼此依偎，然後分離纏滾至觀眾席區，留下名叫Da Kanaw的山地青年，長達五分鐘關於你是誰的自白，來台灣11年的義大利男子，用流利的中文說著差不多的自我追尋，兩位如雙胞相生的女舞者，直接用行動作為語言，流轉呼吸在空氣裡。人的存在也是裝置，在其中一人行動時，安靜陪伴，最後的段落，散落在空間裡的四個裝置（舞者），或呼喚或邀請，把四周的觀眾輕輕的往內吸。山地青年把觀眾拉上台一起踩著古老的步伐，女舞者毫無遲疑的走向觀眾，拉起手放在她赤著的左乳房上方靠近心臟的地方，另一個女舞者在觀眾區後方，與被引來的觀眾獨處一室，男舞者則輕柔得把上前的人們抱在他裸著的厚實臂彎裡。

空間裡的權力關係轉換成為作品的微妙轉譯，人群中的少數依偎取暖，互相掩護著不能被社會看見/理解的卑微異纇，幾乎毫無察覺的最後，有衣蔽體的竟被赤裸圍繞。

英文名稱Cuddle，也是擁抱的意思，比之於Hug更加親密，大多是指熟悉的親人、關係較深刻的彼此，長時間用雙臂用力抱緊的狀態，《偎》如同高濃度的Free Hug，用坦誠相見交換社會結界的釋放，為了得到安全，他們先把手放開。

演出場地：HAUS Studio

一個房間兩種表述，有彩虹旗的時候是宅熊房間，轉身變成飯店客房，一個演員兩個角色，T恤短褲是靦腆瘦猴，緊身簍空皮衣是妖嬈女王，怯懦跟自信的語調分別了魯蛇跟型男，如同圈內外的兩個風景，要嘛放肆做自己，要嘛隱藏在人群，全部都放在一條內褲的兩樣心情，你愛我的時候，你不愛我的時候。成長在幻滅之後，電音再次放送，黑光中，人走了過來，劇情回到原點重來一次，同樣的電音，耳中的底拍自動轉換「我知道我已經長大」。空間轉換由角色進行，演員更換裝扮在觀眾的視線之內，故事像是收集了圈內人生的最大公約數，演員表現把典型人物風格發揮到極致，精準到位。

演後到二樓藝穗俱樂部暫歇，與一個圈內人聊起本作，他說希望有一天再也沒有這種作品出現，一語驚醒夢中圈外人，剛才的興奮，原來只是獵奇的生理反應、是無以為名的冒犯，是歧視跟對立的共犯，戒之慎之。

演出場地：牯嶺街小劇場一樓實驗劇場

由三首教堂詩歌聖樂起勢，過渡到世界民謠東歐風，再到英美流行調，從世紀前的聖樂到當代新編曲目，一趟透過音樂的時空旅行感，悠揚穿越，旅行的最後收攏在重新編曲的李歐納・柯恩（Leonard Norman Cohen）《Hallelujah》，是流行編曲，卻也與起首的古典聖樂，前後呼應。音樂非筆者強項，但今晚的聆賞，從曲目的設計、曲目之間的導聆串接及畫龍點睛的旅行皮箱過場、歌手走位等小細節，可以看見整體節目設計的用心，曲目編排如同聲音的編劇，引導聽者進入音符的流轉動線，雖是音樂會卻也有想要營造視覺畫面的企圖，讓人感受到表演者想要透過旋律所傳達的真誠氛圍，在簡單樸實的呈現中，難掩生澀但亦見心思。

其它意見：在藝穗節能夠看到有做紙本節目單的團隊，十分難得，節目單對於演出而言，有相對應的記錄價值，也是重要的存檔資料、結案文件，如果能有更多關於歌手的介紹以及曲目說明，或可增加閱讀跟收藏價值。至於最基本的演出時間地點沒有列上，這是大部分新進團隊很容易忽略的細節，如果真的想要長期運作，這些小事可以開始注意。

演出場地：77 OMG 文創中心- 6F Bistro

隨著倒數的懷錶閉上眼睛，西裝紳士帶著白色大耳朵面具，領著身穿純白蕾絲裙的愛麗絲往夢的深處去，兔子先生翩翩有禮，卻不再是睿智的先知，框外的男聲溫暖厚實，逐漸掌握全局。兩個不存在的男人，讓她時而清醒甜笑，卻又時而不明的痛，每一幕應該甜美的童話染上變調的異紅色，畫面在藥水色的診療室與粉色夢境中來回，終於從夢裡醒來的愛麗絲，眼前的懷錶又晃了起來。

從《小王子》到《Alice in Otherland》 以童話故事為本的多媒體互動劇場，山豬影像已經遊刃有餘，投影技術都有一定的水準，編劇沈穩有致，跳脫童趣的設定，游移在性別權力的道德邊界，破格於成人與童話之間的劇作想像，是值得繼續發展的議題之作。

其它意見：女聲的娃娃童音，稍有甜膩，麥克風聲響過大，音場設計還可以再思考。

演出場地：牯嶺街小劇場一樓實驗劇場

為阿義辦法會，朗讀為阿義寫下的日記，說著為了阿義的種種絮語以及彼此的過去未來。從熱情青春的宣示到消磨打拼的現實，阿義是友情的起點，也是幻滅成長的轉折點，就在這孩子滿五週歲的第1826天裡，他們做下各自的決定。畢業後一起創業的兩男一女，在被同伴當作賭博籌碼而輸掉的比薩店裡，度過最後一天。

正式演出前的30分鐘就是不絕於耳的心經放送，不遮幕的對外玻璃門窗，天光正亮，人物都在背光裡行動，現實場景帶著幾分魔幻感。萬物皆有靈的起始設定，如同人們為手機取名字，小摺、相機、衣包鞋帽，都成為感情的依託，有著巧妙貼合的生活感。在被擬稱阿義的比薩店裡，演出一個跟比薩店有關的戲，還有什麼比此更能有效掌握時間跟空間效率的呢？連門外的街景、呼嘯而過的車輛，都成為渾然天成的環景音效，一切剛好到位，小兵大功之作。

其它意見：明顯氣弱的配角跟幾個劇本的bug，還是讓人偶爾出了戲。

演出場地：Verona 創義廚房

全黑的空間裡，舞台與規距觀眾席之間，有一大塊空地，台上除了打擊手外，還有投影裝置的現場創作，鼓藝精湛、視覺想像力也相當豐富，但不知道少了什麼，讓原本該是可以令人期待的互動視聽JAM，變得平淡無味。表演與影像都退縮到有限的舞台空間裡，觀眾只能呆坐在座位上，舞台前方的席地而坐區，也靜如聽古典音樂的小學生，被關進黑盒子裡的人們，既沒有隨著節奏起舞，也沒有跟著拍打應和，本來有幾個微小的搖晃，也因為尷尬而收手。

音樂創作技巧有餘，整體概念單薄，少了對於空間的轉化與再思考。將街頭打擊表演帶入黑盒空間的企圖，值得鼓勵，但如果必須犧牲自身的優勢，讓理應奔放於街頭的野性與自由，被空間吞噬，那還是在街頭相遇就好了，演出結束後等不及奔逃到新光三越的香榭大道上，想用力呼吸街頭藝術的新鮮空氣，啊，太晚了。

其它意見：以演出者為視覺中心的形式，前後左右都能是觀眾席的空間，街景天光是無死角的全景投影，都是街頭表演有別於其他藝術形式的特出之處。或許可以再繼續思考關於街頭表演與劇場空間的質性轉化可能性，未來仍有可為之處。

演出場地：後台Backstage Café

老闆娘因為生命曾經的遺憾，而用餘生來補償，她鼓勵人們寫信，一種最古老的溝通方式。咖啡館裡的人們在說與不說，誤會與掙扎裡，來來去去。「無法說出來的話，就用寫的吧。」當人們終於拿起紙筆，寫下說不出口的話，交給了平信郵筒，終於換來了盡釋前嫌、理解明白。觀眾這才看懂了貫穿全場，一身紅衣跟綠褲綠眼鏡的姊弟倆，到底爭執著的存在感是什麼。

劇本結構完整，綠褲George跟紅衣Rebecca的非寫實角色設定，巧妙的暗示著萬物有靈，雖然還是不免落入了說教的巢臼，但不至於皆大歡喜的結局仍能留給觀眾可以深思的空間。只是，姊姊（紅色郵筒）的犧牲，顯得有些莫名。編劇輕巧有致，善用空間優勢，是小品佳作。但演員舞台表現尚無法與編導並行，佔據重要篇幅的衝突對話（姐弟吵架、情人辯駁），只有聲量的on跟off，層次不足，身體表現在舞台空間中的動線與關係，缺乏細節，是可惜之處。

其它意見：逃生燈干擾暗場時間太多，若非處理遮光，或可考慮暗場時的演員狀態

演出場地：後台Backstage Café

後方一排的麻繩牆以及錯落天上的四叢穀黃色野草，結構了與土地的連結。麻繩牆後的身影婆娑，前方的男子手持木杖，一開場的吟唱古謠已經令人潸然。燈光轉換，繩牆躦出輕巧的原音童謠，就算不知其意也知童趣，剛剛還在土地上玩矇眼抓人，一轉眼用美式街舞 battle叫囂對陣，再毫無違和的複貼回到腳踏土地的歌與舞。但見舞者身體不斷切換頻道，切換語言，每每在將要臨界之際，被彼此拉回到有歌必有舞的身體中心點。原本以為會是全原語的舞蹈劇場，但後來加入台語、英文、國語的日常短句，用ABC語調點咖啡、用台語罵幹話......，不做劇情想，只是重複循環播放，快轉失速，語言的社會性想像複疊肢體的行動，層層疊織，「一旦忘記自己的名字，就找不到回家的路了。」是政治正確的提問，也是必須傳承的意識。

導演企圖鮮明，加上演出者天生動能加持，以及太高的顏值，是令人驚艷的小品。若有可惜之處則落在場景轉接的動機略嫌薄弱，整體篇幅雖短但後半場還是陷入原地盤旋的困境，後勁不繼，尾力不足，但話說，布拉瑞揚小時候，可能也差不多是這樣，未來值得期待。

其它意見：音樂設計還有發展空間
聲量控制可以再注意

演出場地：信誼好好生活廣場知新劇場

在客廳裡的五名女子，因為一個不在場的男人意外死亡，揭開一連串的猜測與質疑，她們各有心結各懷鬼胎，妹妹想要奪回前男友，所以在食物裡下了藥，因為害怕不敢報警，殊不知真正讓他死亡的是花心女的毒品，愛著花心女的姊姊，想幫妹妹，卻也當了毀屍滅跡的工具人，沒想到準備跟房東的哥哥結婚的正常女，也跟死者有一腿，就在眾人發現屍體失縱後，看似最是局外人的女房東，反轉了結局，故事回到最初，原來她才是始作俑者，也才是真正的受害者。

一個結構輪廓尚可的懸疑劇，原本應該精彩可期，但卻整場瀰漫令人出戲的尷尬。幾個文本邏輯不通之處，拉低了劇本質量，燈光掌握不足、音樂單薄無感，太多沒有必要的轉場走位，使得觀看時間變得漫長。過於日常的語言台詞，已是累贅，演員技術的生澀，又拖滯了節奏。除了可惜，還是可惜。

其它意見：儘管技巧欠佳，但勇氣可嘉，請再接再厲。

演出場地：信誼好好生活廣場知新劇場

「2017 臺北藝穗節」簡章的第九項第二條：本活動以專業藝術創作者為辦理對象，社區團體、成果發表或孩童演出，請勿登記。聽起來完全與藝穗節不審核的宗旨相違背啊！怎麼回事？據說是某年受市議會質詢時，被要求加上去的，沒有人知道為什麼，還好工作人員、創作團隊，也沒有人真的當一回事，就這麼聊備一格著。想當然爾，關鍵從來不在於身份是什麼，而是創作動機為何？結果是什麼？誰說社區團體不會有好作品，成果發表不能是藝術創作，誰都知道小孩才是最強大的藝術家呢，但如果把舞台真的當成成果發表做，就比較尷尬了。好吧，演出內容就只能是成果發表了，但如果觀眾進場的時候，可以「真的」來到夏威夷，有沙灘fu有躺椅選，而不是排排坐還得眼睛斜，如果還有一杯鳳梨冰茶喝，就算台上真的是成果發表，應該就不會被抓包吧？

在整個演出時間裡，我都在想這個問題。

其它意見：除了台上的演出內容，周邊環境及觀眾體驗也可以是思考的空間。

演出場地：77 OMG 文創中心- 6F Bistro

「透過視覺感官來體會」是本作給觀眾唯一的節目須知，七座方形螢幕的投影裝置，四名樂手，曲目無縫轉接完全洗腦，影像交疊挑戰視網膜，與其說是感官刺激，更像是一場無限循環的聲象旅行。有趣的是，直到忍受不了呆坐觀眾席，改坐到地板上時，音樂的聲波從地板的震動傳遞，觀演之間的距離才瞬間被連結起來，意外得證，感覺比視覺的接受能量更直接。

除了保有多媒體音樂演出，作為表演藝術與視覺藝術的跨界基本款格式外，洗腦電音讓手腳不聽使喚，幾度想把觀眾席拆掉，好盡情搖頭晃腦，直接把劇場當the well，多好。不知是否因為樂手的狀態表現使然，黑框眼鏡加上花格襯衫牛仔褲，莫名透露出強大宅能量氛圍，饒富違和的視覺衝突。

演出場地：牯嶺街小劇場一樓實驗劇場

作品發想自美國劇作家瑪莎‧諾曼（Marsha Norman）《晚安母親》，場景轉換成移民家庭裡，文化背景不同、價值觀相異的母女對話，白布白衣，元素單純。觀眾進場時，場上已有兩名舞者匍匐地面交互纏繞，如同相生，以毛線象徵臍帶，以手作針，編了又拆拆了又編，直到終場。

拆解的文字在對話裡輻散，動態在身體表層飄移，將舞蹈元素與戲劇內容交錯編排的企圖，被生澀的身體質量跟近乎空白的內在動機抵消，結構鬆散的文本，導致失焦。從作品思考延伸到編導手法「格格不入」成為唯一的連接詞，當創作的直面對象其實是鏡攝的另一端，無法拉開觀看距離的結果，就只能迷失在個人記憶的投射裡。

其它意見：投影機設定，可能需要事先調校，以免出現錯誤畫面

演出場地：牯嶺街小劇場一樓實驗劇場