我自己給心心的標準有一部分是針對空間使用，畢竟在台北藝穗節的規劃理念中開宗明義就寫了「自2008年起，臺北藝穗節在主流藝文表演之外，提供一個屬於另類的、非主流的、具體驗性的平台，以開放自主的理念，廣納演出團隊，將藝術從劇場空間釋放出來，在畫廊、公園、咖啡廳等生活場域，發生各式各樣小型的表演或是裝置藝術行動......」也因此，我對於演出團隊既然選擇了空場這個舊廠房空間，但是又把它包回黑盒子劇場，還自行加了兩組燈桿感到有點不明所以，可惜在看完戲後，這個疑慮以及如此而為的必要性也沒有得到解答。

本戲以「1995牛肉漢堡」、「經典皇家早午餐」，以及妓女應召經驗貫穿，對白內容討論虛實，角色真假之間難以分辨，對我而言較為困擾的是台詞過於理想化而不口語，不像真實人物會說出口的對談，反而像是申論般的演講稿。整體呈現白色且分成兩半的舞台設計頗有設計理念，但是佈景放滿滿的舞台卻限制了走位，整場看下來，導演調度只有咖啡桌邊及床上兩個區位，重複幾個段落下來，易感到疲憊。整齣戲看完，「牛肉漢堡、皇家早午餐、妓女、虛實、兩個上班族」這幾個關鍵字的隱喻及彼此呼應的意義淡薄，有些不知所云。

其它意見：在台北藝穗節這個平台，怎樣的「觀戲經驗」都不奇不怪，不過前台於開場說明因場內冷氣聲音過大而需要關閉冷氣，造成所有觀眾悶熱，甚至有輕微的中暑現象，讓我不免思考是否有其必要。若是場地原本就沒有空調，那悶熱可以理解；若是演出本身十分安靜，冷氣噪音確實會影響氣氛，那也可以理解。不過本戲對白為主、配樂也不少，若是因為演員的音量及口條無法抵抗而關閉空調，讓觀眾因悶熱無法靜下來好好看戲而影響了觀戲品質，那是否有些可惜了？再者，演員的音量及口條是需要自行訓練的，再不繼也有mini mic等方式可以輔助，把三、四十個人關進密閉空間裡又只開三支電風扇，實在有些苛刻，接續幾場，也請演出團隊好好想想配套措施吧。

演出場地：空場Polymer

情節上的不合邏輯，讓我對於這齣戲坐立難安，樣板戲般的表演方式，也讓我難以聽完整句對白，更可惜的空間的處理方式，跳脫不了排練場的思維，過多的換景以及非必要的大道具，並沒有幫助場景轉換。戲劇是充滿魔幻及想像力的，我相信觀眾足以「腦補」劇中欠缺的實體要素，只要創作者營造了足夠的想像空間及氛圍。整體而言像是在看表演課的初次呈現，看得到導表演的企圖心，但戲劇手法的貧乏和單調並無法向觀眾傳達其意念。

追逐夢想的家庭倫理劇是很龐大又容易流於枯燥說教的主題，看到年輕團隊願意嘗試非常感動，但是當文本過於龐大，或發現製作能力尚未純熟時，如何精鍊呈現，做能力所及的事，是創作者很大的課題，也是身為觀眾的我想要看到的誠意。

其它意見：音量的調整是需要注意的部份，由於音響的位置，以及背景音的重複播放，讓很大段落的演出都聽不清楚演員台詞。不論是市區交通的環境音，或是家裡吃飯時間的電視音，重點都在於營造環境，在環境成立之後，主角還是得歸還給場上的演員，音量fade in/out是門大學問，建議再多看一些專業演出，再更仔細地去感受那些劇場裡的細節，會有很大的收穫。

演出場地：莎妹劇團「自己的排練場」

台北藝穗節是個可以讓新興創作者練功試水溫的開放平台，於此，我對每一檔可以順利且完整演出的表演團隊，都有基本的欽佩與贊許。畢竟十年下來，放棄演出或是演出不完整的團隊太多了，而「開放」這件事情是兩面刃，看似無審核自由彈性，但對於演出成果也是殘酷地一翻兩瞪眼。《無聲情人》是完整的戲劇製作，從前台到後台皆無缺失，但就演出內容而言，卻難以令人信服這是個售票演出。

過於碎裂且頻繁換景的故事線，時空設定不清楚，一直杵於台上的歌者，以及角色不明的幾位演員都令觀眾尷尬。頻繁地換衣服並不能解決導演想呈現的時間更迭，鬼魂般地遊走和些許的肢體舞蹈也不能說服她就是那位令人難以忘懷的無聲情人，更別說幾罐啤酒和僵硬的求婚動作就能真的代表男主角的遺憾和決定放下的愛情。

愛情不是吃飯旅行，舞台劇演出也不是只有走位pose，台詞間該填充的情感、動機、情緒，走位中該釐清的邏輯、地位、起伏，還有戲劇動作的節奏、速度，甚至是使用小道具的方式、選擇，還有舞台、燈光、服裝設計等等要素，都值得該團隊再好好練習，然後做一檔值得的售票演出。

演出場地：77 OMG 文創中心- 6F Bistro

對我來說，這是一齣很典型的，演員分享個人生命歷程的獨角戲，而這種類型的獨角戲對我就會有一個很大的提問是：「我們為什麼要來看這齣戲？我們為什麼需要了解你的人生？」有些創作的初衷是由小引大，從個人經驗引發大命題討論；有些只是重現片段，將感觸渲染給觀眾。而這齣戲似乎想要與觀眾分享的是「孤獨」，但我卻無法在45分鐘的演出中感受到這個命題。

納豆劇場空間完整，劇場技術設備齊全，燈光設計在這個空間可以發揮的條件充裕，就戲而言的確處理的很好，cue點、角度、顏色皆有好選擇；基於舞台大小和獨角戲的設定，空台的舞台雖然不驚喜，但也符合演出效益。令我覺得可惜的是，安排輕鬆隨性的開場，因為演員本身的緊張而顯得不夠大方隨意，反而像是心虛而硬是要丟出設計好的台詞；戲中的每個角色轉換的差異太小，六個角色，還是只有一個練紹彤；還有一些我不明白為何要如此設計的戲劇動作（如：穿脫支架），需要更強烈的動機來執行。

孤獨很好、反骨很好、有打破人生規劃的重大經歷也很好，只是這些很好的素材，怎麼藉由表演（既然你選擇了獨角戲，那麼我們就專心在表演上）呈現給觀眾，讓觀眾心有戚戚焉，而不是只是個人演爽的，這可能還需要一段路的思考。

演出場地：納豆劇場

這是一齣劇組誠意十足的戲，導表、舞台、服裝、燈光皆完整及格，但是看完卻有一種「有色無味」的窘境。先說舞台佈置活用空場空間，將原有的廚房、吧台、樑柱融合成閨蜜同居的小公寓，生活物件散落及頗有邏輯的空間走位，可以看得到導演對於經營舞台區位的用心。不過演員對於表演的鑿痕太深，讓整齣戲的互動極不自然，例如：一出場即掐聲捏調的Betty、看得出來要做時空交錯，但眼神失焦顯得有些可笑的前男友，以及身分未明的說書紅衣女子（應該是愛神或是日記精靈之類的角色吧），這些表演上的破綻，以及過慢的戲劇節奏，都讓身為觀眾的我有些不耐。

劇本故事簡單、線條尚為清楚，但是太容易說出口，又馬上得到醒悟的愛情台詞，少了情感迂迴流轉的深刻與動人，當然也少了戀愛特有的掙扎與惱人。《五分情人》到底是要說愛情中是否將就的選擇？還是要說失去感情後的重新開始？又或只是單純地要說一齣閨蜜情感的生活小品？無法收攏的中心意念在簡單的故事下顯得有點像多頭馬車，每件事情都提及表面但沒有持續發酵，因此才無法醞釀出味道吧。

演出場地：空場Polymer

天橋下說相聲以相聲劇的方式，以華江居民聯歡晚會表演節目驗收為主軸，貫穿四個段子，其中展現了竹板快書、口技模仿，還有一段群口相聲，可說是技巧全出，斷無冷場。若你是對於傳統相聲熟悉的觀眾，你應該可以辨認出老段子的樣貌，新改的段子結合時事和現代用語，可惜整體的改編不夠貫徹，語彙新舊交雜，顯得突兀。不過捧逗的默契不錯，有時脫出的互動也可以在兩人的推拉之下說回正題，是段子之外的幽默加分。

比較可惜的是環境的使用。起自民間的相聲藝術，演員往天橋上隨處一站都是戲，但是本次演出的安排讓演員與觀眾的距離太近，對觀眾來說有很重的壓迫感，也不易看到演員身體語言的全貌，實屬可惜。建議可將舞台區設置於屋內，讓觀眾坐於屋外製造假鏡框的效果【看好戲】，亦或是將所有人送進屋內圍著大桌泡茶聊天，營造茶館聽書的親密感，皆為可以思考的解決辦法。

演出場地：臺北水窗口 (華江整宅)

如果你是實證主義的信奉者，你應該會喜歡這齣戲，如果你能夠體會涼宮春日的笑點及宇宙觀，你應該也會喜歡這齣戲，用我的說法那就是：這齣戲有著日本人怪怪邏輯的58度偏差，有些哏很怪，喜歡的人會很喜歡，不喜歡的人可能會覺得很無聊。

來自早稲田大學的創作團隊，是因為鎖定了「台灣」這個主題才找了對台灣相對熟悉的金城裕磨合作，由於創作核心峰松智弘大學修習社會學，因此戲中佈置也充滿社會科學論證的痕跡。對我來說，這齣戲像是一個心智圖般地展開，並非線性故事，關於那些台灣的觀光名勝、好吃美食，甚至是算命大師的介紹其實都不是重點，重點是當台上使用著中、日、英三種語言交錯，試圖告訴觀眾身為觀光客（觀看者）對於台灣（觀察物）的認知及感想時，我們是否可以接收到這些關於「觀看」的訊息？而身為在地者的我們，又怎麼回應這樣的觀看？

你從哪裡來？你捏造了你身體的哪一個部分？你將你身體的部份留在了哪裡？「I land」這五個英文字你該怎麼詮釋？這是我覺得這齣戲最有趣的地方。

其它意見：由於這個團隊在藝穗節有兩個場地演出，我十分好奇在兩個場地之下，創作團隊對於演出環境佈置的差異，或者演出段落是否隨之調動。不過因地制宜而靈活運用的演出，也是藝穗節最活的風景。

演出場地：URS127玩藝工場

長達六十分鐘的演出，略分為上下半場各三十分鐘的獨白，驗票時貼上的紅色小圓點以及官網上註明：「本次演出不特別設置座位，觀眾可隨意站立、走動，演區後方提供椅子，如有需要請自行選取坐下。」讓我期待會是一個沉浸式劇場，或是環境劇場演出，演出本身的確有這樣的企圖，呈現卻萬分尷尬。

走廊上膠帶貼出的表演舞台區（黃線）及觀眾最佳觀賞區（藍線）就已經與官網上的備註相互矛盾（前台人員還特別於開演前說明）。開演後站在門外不斷敲門的羅小姐會向路過的行人點頭致歉，但是面對眼前的觀眾幾近忽視，聳立於演員與觀眾間的第四面牆，讓場域內的演員、觀眾、路人關係變得十分詭譎。而穿著一身黑衣掛著工作證的工作人員在陳太太開門時協助拉起鐵門，並且一擁而上佈置塑膠椅座位，也完全打斷了觀戲的氛圍及情緒。

劇本台詞推進緩慢，若非先詳細閱讀節目資訊甚至上網找了原始新聞，其實並無法拼湊出事件本身，而只能看見上下半場極端近歇斯底里的女子狀態和萬分糾結但內容不斷重複的台詞。而所幸場域本身有先天優勢，觀察周遭環境及屋內陳設，甚至是路過的社區居民及開演前發生的車禍事件，皆能滿足我身為觀眾的好奇心及娛樂性。不過我難免在想：如果不是這個場域，那麼這齣戲會如何？如果是因為這個場域，所以才這樣做了這齣戲，那麼為何不是一個華江故事，而是香港故事？在這樣的場域裡，每個人的權力關係又是什麼樣子呢？

演出場地：臺北水窗口 (華江整宅)

青春無解，破處萬能，放在這齣戲裡的次文本則是「政治無解，喜劇萬能」。

來自中港臺澳四地，操著不同口音普通話的腥羶色男大生，在打鬧間輕易地將難以啟齒的「閨房祕事」說了出來，對照更不能說的政治意識，是個若要細想可以挖掘更多的寓意小品。當然，如果你不這麼想也可以，單純以喜劇來說，本戲的喜劇節奏極好，五個角色的個性塑造鮮明，包含服飾穿著都能辨認其性格，台詞合宜宿舍生活設定不繞口，互撕反應符合校園設定，無論是從表演方面或是調度方面，甚至是舞台環境的設計應用，都是佳作。

但若真的要從雞蛋裡挑骨頭，那麼就是「熅」的火候不夠，喜劇拍丟接的等待時間，以及冒犯觀眾的笑點，甚至是帶入議題的尖銳度，總感覺搔到癢處但不爽，有點悶悶的小遺憾。若是諷喻或象徵的力道能夠更豐厚來充實次文本，那麼這個作品就可以帶給大家不只笑料，亦可深思的成熟度。

我是多麼期待苗栗志豪可以說出「釣魚台是我們的」呀！

演出場地：空場Polymer

讀劇和實際演出，大概隔著一個太平洋的距離，要做獨角戲，大概就是一個太平洋的深度。這段話是看完戲打趣著跟導演說的。

去年甫在夕拾讀劇節讀劇演出的《紙飛機》，劇本從省水開始，漢堡包結束，中間經歷一些紙飛機的橋段。劇本連結的意象婉轉（關鍵字上述都說了），情節衝突平淡，是個適合閱讀的劇本，但若要做為實際演出，真的要下很大的功夫。

例如：劇本的文字細膩，女子的腦中雜念隨著意識流不斷吐出，描述的情感象徵跳耀，線索幽微需要專心搜集思考。但本次導演在處理演員時則顯得大手大腳，可以看到每個段落對於演員動作的設定和經營，但演員似乎沒有消化完畢，聲音表情也顯得程式化且尷尬。

在狹窄房子裡的舞台放著一堵牆則讓空間更為擴張放大，觀眾焦點渙散，更難聚焦在獨角戲上。

其它意見：既然安排了觀眾進場時演員帶戲演出，那麼就更應該準時開演，否則重複的進場片段容易讓演員及觀眾雙雙疲乏，非常可惜。

演出場地：URS127玩藝工場

這個節目叫《訊號的減數分裂》，染色體藉由減數分裂成單套，而音樂和影像似乎也跟著減數分裂變單薄了。

如果可以反轉舞台，讓觀眾可以自由擺動，那我想應該可以再多半顆心。對我來說，這個演出若是歸類在音樂類節目，可說是中規中矩，樂手的個人技巧都有平均之上，效果器的運用或是program的編排也都一定水準，可惜的是樂曲起伏平淡，若作為配樂是悅耳的，但若做為live演出，過為單一的節奏和乖乖坐好的觀眾席讓我不時走神。偏偏Video讓我有點失望，並沒有幫助我欣賞演出，相反地，與音樂搭配不明的影像讓我不斷地在替影像尋找意義跟邏輯，最終還是放棄轉為觀察樂手的狀態比較吸引人。

最後我想講的是live演出的「呼吸」。不論電玩音樂、後搖或是電子噪音，live之所以不同於在家播CD，就是因為live演出可以有較為彈性的呼吸起伏。除了樂曲本身的旋律、節奏、休止，或是樂手的串場talk，對我來說更細膩的是「音量」。不同於CD或mp3音軌只能將音量壓到一定限度，現場有很多方式可以利用音量來帶動氣氛，這點在古典樂特別明確，在樂手們的作曲和演奏水平都有一定基礎的情況下，這也許可以讓演出更為精緻的思考。

演出場地：牯嶺街小劇場一樓實驗劇場

若將裝置藝術定位為「在特定的空間內，由作者設定之多元形態的物件和觀者之間的互動，創造出空間質性的藝術作品」，那麼《三生》的現場演出作品概念完整，元素簡單但不匱乏。若真的要說我個人覺得缺少了點什麼，那麼就是我覺得表演者與觀看者的連結（或說呼應/互動）可以再多一點。

不過我想也許這跟我看到了「意外場」有關。經過該場地原有的斑駁樓梯下樓進到表演空間，觀看者被工作人員帶領到特定位置，這和對號或自由入座的觀看者主動性不一樣，從那個時間點開始，觀看者就已經進入了這個儀式的一部分，之後隨著耳邊電子噪音的起伏，以及表演者細膩的身體顫動與不成話語的發聲，《三生》足以說服我進入「異空間」這個概念。只可惜該場演出發生的小小意外，難免還是看到了表演者脫出的瞬間，所幸臨場反應極佳，後半部的演出漸入佳境。

由投影、玻璃、鏡面、光纖（或風箏線？）製成的固定裝置也將光影絢爛地極美，幾何線條的光線折射在刻意的煙霧下顯得凌厲，搭配上持續不停的高頻噪音，迫使觀看者思考科學中的哲學面。「一生二，二生三，三生萬物」是細胞分裂還是道德經？十分扣題。

演出場地：濕地Venue- B1