就在看完演出的第二天，台灣時間9月10日上午傳來了新媒體藝術家黃心健老師拿下第74屆威尼斯影展首屆VR最佳體驗大獎的好消息！其實台灣的新媒體發展已有足以媲美國外的技術和創意，但科技與藝術的結合多運用在視覺藝術或是演唱會上，雖然常常看到所謂的「新媒體劇場」但在表演藝術上的運用卻多淪為只是「投影」，也因此在一開始看到「仙飄飄新媒體劇團」的《有了VR！誰要點秋香》即深感興趣，擅長創新傳統戲曲的導演加上有深厚多媒體技術經驗的創作者與其團隊，會玩出什麼驚喜？又多了幾分期待！

女主角以玩VR電玩遊戲通過遊戲角色定位後選擇要玩的關卡進入，也就開始了演出的情境，這樣的設定在一開場讓我覺得非常新鮮，折子戲《游上林》描述已經知道孟麗君男扮女裝的皇帝千方百計的試探與示好，恩威並施的想要一親芳澤，可能是因為一直等著再出現有趣的新媒體創意嘗試但一直落空，在40分鐘除了投影完全與新媒體無關的傳統歌仔戲演出過程中…，我忍不住有些焦躁，(而且看完也不知道跟秋香有什麼關係？)但是觀察場內其他觀眾們倒是都看的津津有味，中正紀念堂演藝廳不少的座位數坐了幾近八成，是親友團？或是歌仔戲鐵粉？他們會在意花了幾百元的票價但沒看到新媒體戲劇嗎？還是運用大量的影像投影呈現畫質不錯的場景對一般觀眾來說就已獲得滿足？一向看重市場的我忍不住自問是否是我自己在這部分編織了過多的想像與標準？

身兼創作者的女主角在謝幕時說自己一個月內瘦了七公斤，顯見此次製作的壓力龐大！也許這是一個初步的開始，我非常希望在結束此次演出後，這樣一個有專業技術的業餘劇團能夠繼續探索繼續創作，也樂見其他想做新媒體嘗試的劇場導演能夠與他們合作，透過藝穗節的平台功能讓更多虛擬的可能性真實發生！

(因為票房和觀眾反應我多給了一顆心，有機會也很想聽聽觀眾怎麼說？)

演出場地：中正紀念堂 演藝廳

因為知道演出團隊為戲劇科系的學生，所以已經在心裡預設應該會欣賞到一齣有基本盤分數的演出，果然，從前台進場、暖場音樂、演前提醒直到演出的舞台、道具、燈光、服裝、音樂、甚至謝幕及票根換咖啡等等，都在計劃與控制中進行著，雖然流暢中依然可以看出年輕人的羞澀與緊張不安，但我喜歡空氣中這種青春的味道。

大概也是戲劇科系的包袱吧！整齣戲也很制式的依循在正規演出該有的框架裡，舞台分為左右兩個場景，描述一個出了書的妓女在咖啡店的觀察探訪以及回到房間與男人和自我的對話，劇中不斷透過餐點來形容人的價值觀和想法，譬如妓女以切著「起司蛋糕」也好像是一刀刀切著自己來自嘆只要不切太開都沒關係、男演員形容「酥皮濃湯」金黃香脆的酥皮讓我們只注意外表然後被裡面燙傷以及與劇名相同的「經典皇家早午餐」，看起來完美的蛋捲皮裡面卻有著他最不能接受的青椒…等，40分鐘的演出裡充滿了這樣「深富哲理」且「對於人生有深刻體悟」的對白，但因為編劇沒有清楚的情節及敘事交代，反而讓人覺得這些台詞都很刻意，像是年輕人在為賦新辭強說愁，並無法連結故事而因為妓女真正的心路歷程被打動。

雖然就製作來說每個部分都用了心，但看完卻覺得整齣戲有些死氣沉沉，我希望年輕人可以再瘋狂一點、再天馬行空一點！也許「經典皇家早午餐」一定有它的食譜與SOP才謂為「經典」，但既然報名了藝穗節，年輕團隊不妨允許自己顛覆一下，讓我們嘗一口不同於學製作品的嗆辣吧！

最後要提的是，因為冷氣聲音大為了不干擾演出而關冷氣改成送風，在「空場」這密閉空間以及當日的氣溫也讓我因為身體的黏膩與燥熱而無法靜心享受，(不知道是不是年輕觀眾比較不怕熱？)但不舒服的看戲環境其實也是對觀眾的一種干擾甚至會有健康上的疑慮，未來團隊也該好好思考這部分該如何取捨或調整。

演出場地：空場Polymer

演出前遊走在大稻埕碼頭邊，廣場上成群的民眾們正熱鬧著上演著土風舞練習、卡拉OK演唱、自行車自在穿梭…，數百人多是老人與孩子，目測平均年齡超過50歲，我突然覺得自己很不像在2017年的台北，這區域呈現的下班後的日常，有趣的呼應著今晚演出的主題。

碼頭邊安靜的停靠著演出的遊艇，相較於那些正沉醉於唱歌跳舞的人們，上船看戲的觀眾顯得稀落也不為人關注，20多個人或許是因為受限於船隻可以容納的人數，但還是令人忍不住感嘆藝文人口的小眾，即使矗立著台北藝穗節的旗子在廣場，我很好奇有沒有人多看一眼……

上船後船艙的前半部為投影和舞台區，觀眾坐在後半部，安全且制式的空間規劃。隨著船隻緩慢的駛離，開場的投影影像呈現著澳門早期的城市與百姓樣貌，耳邊仍依稀聽的到乘風傳來的廣唱上台語歌旋律及喧鬧聲，配上剛好的農曆14號的圓月，我好像真的跟著鯨魚進到了不同的時空，但這些是需要自己發揮想像力的。接下來的獨角演員擺弄著肢體及獨白講述著自己對於父親的印象及童年記憶，以及最後打開船艙底部的出口躲下去，蜷身在狹小的洞口繼續聽著耳機音樂表情一派漠然，編導是否想要傳達獨白裡重複的那句話：「2000年賭場開放，關我什麼事」？

此場節目的文宣文字顯然是比較觸動人的，「這是一場多媒體影像X 實驗劇場 的演出。小城像是白天辛勤工作的小丑嬉皮笑臉，晚上下班卸妝後，嘆息連連。鯨魚想起小城過去的自由和純樸，決定帶著小城游到台北，只是讓她好好靜下來... 」，既然已經帶大家上船並把船駛離了，就藝穗精神來說，我期待導演應該可以更放膽的嘗試，不管在投影方式的運用或是氛圍營造上，畢竟主題與環境的巧妙搭配已經挑起了觀眾的好奇與興致…隨著30分鐘的演出結束後，船隻又回到岸邊，我也帶著心情的落差與遺憾走出船艙。

此演出團隊來自澳門，千里迢迢主動前來參與台北藝穗節，熱情與衝勁值得肯定，聽說此為2.0進化版，之前的演出在澳門是讓觀眾「躺」著看，不同演出形式的嘗試聽來有趣，也許這次也可以打破我們在船艙"排排坐"的看戲方式，或是讓影像不是制式的在布幕上，讓我們更強烈的感受小城的改變，也增添鯨魚特地游來台北的風景吧！

演出場地：大稻埕遊艇

「從事攝影記者工作的男主角莫梭，忙碌穿梭於拿著相機到處拍照、然後在一堆底片中挑選出符合客戶需求的，日復一日……偶然一天他在自己拍的照片中看見一似曾相識的紅衣女子，展開自己與影像的混亂衝突與對話….」

吸引我去看此場演出的原因是看到文宣上寫著「這是一群電影出身的創作者，試圖將電影影像帶入劇場」，很想看看不同領域的專業工作者運用他們的專業進入劇場撞擊後會產生什麼有趣的事？

整體來說這是一齣製作完整的作品，從舞台布景道具、燈光、影像、服裝、音樂及文宣品都有一定的設計與用心，但可惜的是劇場和電影很大的不同是表演者就活生生的在觀眾面前，當演員的口條和表演都不清楚時，除了感受到「困在影像裡的影像工作者，心陶醉在虛幻裡」之外，並無法理解要說的故事是什麼？(尤其男女主角說話時常常聽不太懂...這是舞台演出的大忌...把話說清楚真的是很重要的演員基本功課啊...)

演出結束後因為詳細看了節目單上的文字介紹而對此場演出有恍然大悟之感，在一步步遠離真的很遠的「微遠虎山」路上時，心裡期待起未來這群電影創作者能與劇場有更多交集與合作，相信「紅色電影院」將會產生更精彩的映演！

演出場地：微遠虎山

一進門，空間裡分為「前台服務區」、「展覽區」、「DIY互動區」、「觀眾區」、「表演區」、「牆面投影區」，團隊以便利貼、小卡片、圖畫紙、音樂、主持人說明讓愛充斥著全場(觀眾也可自由寫下或畫下自己覺得的愛)，活潑的置入「愛是什麼」讓人彷彿參加一場愛的派對般很快的可以感受藝穗新星的青春活力。

想問「愛是什麼」，選擇以浪漫樂派作曲家柴可夫斯基(情史也耐人尋味)切入來連結音樂和故事，這構想對我來說是相當有趣的，從主視覺上多樣的文字描述：愛、新異、劇團、音樂展覽劇場，也可感受年輕團隊想要嘗試跨界與多元的創作企圖，但太多元素加在一起要運用得當更需要技巧與經驗，每個部分沒有強烈的風格及到位，於是看完後只覺得聽到了大概有100次「愛」這個字，卻沒有被這個通俗且易有共鳴的主題觸動，非常可惜。

八個人的樂團編制佔據了表演區的主要視線範圍，演奏著柴可夫斯基的《悲愴》，如果是音樂會只有單純的演奏，觀眾其實很容易隨著曲調旋律進入，但是當又加入表演者的念白與肢體律動以及偶爾穿插的主持人互動時，其實音樂與表演一直是互相干擾且失焦的，再加上現場全程都是燈光大亮下，我常常看不見重點只能試圖從投影字幕上呈現的四個樂章—人因愛而生、愛的自我尋找、社會的價值以及人因愛而亡去想像表演者(及編導)要傳達的意念，建議或許可以運用不同區的燈光關或開來讓觀眾聚焦，至少可以減少因為想表達的面向太多而混亂的矛盾與窘況。

值得一提的是，此演出作品雖然較顯生嫩但在製作行銷宣傳配合上卻相當豐富，除了前述展區充滿了愛的字條卡片外，演出結束後還贈送「愛」字明信片並且提供寄送服務，以愛為名，也算抓住了一般觀眾的胃口吧！

演出場地：藝・風巷