並不是說藝穗節不能進行親友自己人捧自己場的聯歡、或是社團、社區、發表，只要有一顆愛舞台、愛藝術的心，不審核、不設限，人人都可以在藝穗舞台上發光，但前提是，表演請準備好再來，這是尊重表演藝術的基本態度。

延遲演出難免，因為四小時拆裝檯的限制，再加上演出團隊多半沒有足夠演出經驗，我可以忍受藝穗節演出Delay，前提是，表演請準備好再來。
演出過程中，難免忘詞、冷場、百梗齊發皆無法中的，沒關係的，前提是準備好再來，練習請充分。
今晚這場演唱會，台下親友眾多，觀眾看得笑呵呵，非親友的我其實很無法入戲，再著，名為音樂演出，請歌手把歌練好，不然在歌曲的選擇上，請挑選適合自己音域的歌曲，一首首高難度的High歌，其實我聽得頗為演唱者捏一把冷汗。

主視覺吸睛度是有的，節目敘述也能引發觀眾期待，但，請準備好再來。

演出場地：後台Backstage Café

所謂的『羞恥』來自與不可被窺探，故，這齣戲必須有在黑暗中偷窺一切的觀眾，演出才得以完整。這齣戲帶著批判、旁觀的口吻，藉由「觀/演」、「扮演」等後設手法，勾勒出極短篇小說輪廓下瑰麗冷列的九Ｏ後觀點。

戲一開始，舞台上鋪滿這齣戲印著頭像的文宣，一名少年踩著拘謹的步伐走到舞台正中央刻意打出的方塊光區裡，少年使用麥克風小心翼翼的告訴觀眾，從前有一個害羞的少年，講話不敢太大聲，換衣服不敢正面上半身全裸，並彆扭的示範著，這不疾不徐、細膩易碎的步調，刻畫出一位極為纖細敏感的少年日常，對於情慾充滿好奇與壓抑，在少年躲在廁所『一直磨一直磨一直磨』（演員反覆念著台詞，並中性且平實的演繹磨蹭下體的動作），觀眾帶著『旁觀他人的高潮』期待下，異常的耐心觀看接下來的發展，『接著，他就死掉了。』留下錯愕，並從此留下真相的空白，少年到底怎麼死的？無從得知。

這不是單純線性敘述少年之死的戲，舞台上的演員在各種身份間來來去去，創作者以及為自省、自覺的哲學冷眼梳理著關於價值與價格、身份角色、救贖等生存核心議題，少年之死只是一個隱喻，人們總習以為常地倒果為因，藉由責怪罪魁禍首降低自我罪惡感以及羞恥感，自慰、偷拍、Ｄ槽、援交、亂倫、同性戀，在這世間種種被視為『羞恥』，其實根本來自於人類文明的集體焦慮。扮演『美國』『德國』抽象概念的演員（我想到中世紀道德劇的指涉，角色只是抽象概念佈道，而非一個特定的人物），比特幣、卡通裝、舒淇、廣島之戀等流行元素被狠狠的鞭撻一番，消費時代加乘青春荷爾蒙的狂飆，讓這齣戲濫情眩目，卻時時保持節制的病態美。

於是乎，一開始整齊鋪好的海報，到了劇末變成一地凌亂，真相輪廓越來越模糊，機器神的出現，更是嘲諷了劇場，嘲諷了生活（我們多麼渴望每件事都能『完美解決地落幕』，無論是多麼荒誕的結論導向，人們無法接受有些事就是發生的沒來由，無常啊。）
劇終了前，麥克風指向空無一人的沙發椅，椅子上披著繪有基督神的Ｔ恤，演員將一朵白玫瑰放在椅腳邊，正當我覺得不妙，舞台上開始濫情自溺之時，演員冷不防用力一踩，將花踩的稀巴爛！

沒有俗氣的謝幕，這齣戲從安靜開始，也以靜默結束，所有人在場，卻又不在場。
這是一齣俐落冷冽且情感滿溢，張力十足又充滿生命力的劇場小品，期待年輕創作者接下來的創作。

演出場地：牯嶺街小劇場一樓實驗劇場

終於一睹Ａ劇團的演出！正向、溫暖、誠懇，讓人感受到製作滿滿的用心，故給予五顆星！

故事敘述團隊參加藝穗節過程，從報名、找場地、排練、宣傳、甄選、演出、拆台每個階段之間故事與角色沒有關聯，像是一篇一篇的短章，「吉米」成為每個短景中共同的元素，有時是失蹤的製作人、或是模特兒的名字、一個胡謅的劇名、一間酒吧的名字等等，再一次次挑戰、溝通、面對意外、尋求溝通過程中，詢問自己創作舞台的初衷以及拾起勇氣面對未來。編導很聰明地利用分場故事解決演員眾多（這齣戲有十二名演員！）可能會造成的文本角色紊亂問題，每一段探討的情境也貼近表演者的生活情境，並量身打造，故台詞與對白頗自然且具說服性。而每場僅約十二到十五分鐘的段落，剛好是表演者目前能夠負荷的戲劇篇幅，再多可能就會暴露表演者戲劇表現上的弱勢，
這齣戲最讓人感動的地方是演員之間的向心力以及做演出的認真與專注，喜歡開場的觀眾須知，就算不小心唱錯歌詞，演員與演員之間的好默契，散發的正向能量也能化解尷尬，幾位演員生澀的演技卻因為誠懇用心的眼神讓我不忍苛責，一遍唱一邊演戲難度高，更何況是無人聲伴奏的阿卡貝拉啊！「失靈少女」的失控狂想在人聲音樂伴奏下，連喪屍都可愛起來了！可惜的是其中一段融入諧擬「Jimmy Fallon Classroom instruments」（感謝吉米布蘭卡本尊的強大資料庫！）表演質地的選擇較為突兀。

請讓我稱讚飾演小真的演員，她的幾場表現都很誠懇亮眼，除了青春少女的日常自然流暢，「拆台」這場表現為人母對於劇場的依戀、故意製造機會給演員告白，以溫暖的女聲給予同理與溫暖，另一位「莎士比亞大戰契訶夫之冰與火之歌」的男演員一秒演死亡筆記本也頗活靈活現。

Ａ劇團努力有目共睹，在夢想的道路上，耕耘著阿卡貝拉音樂劇，祝福你們，請持續發光發亮！

演出場地：大稻埕戲苑-八樓曲藝場

我了解「國王的新衣」這個故事的奧義了，騙子裁縫以花言巧語替國王製作舉世無雙的華服，並宣稱「只有聰明的人」才看得見，故上上下下的宮人侍從無不讚美這件絕美衣裳，故事終了在街頭一名誠實的孩子，也或者是他不夠有智慧，不了解這般的童言無忌會招來殺身之禍，總之，這個白目的小孩，不夠聰明。

「亞哥出任務」也有一段「看不見的金羊毛」，翻山越嶺克服所有萬難艱辛的傑森終於帶回傳說中的金羊毛，這「只有聰明的人」才看得見的金羊毛把師父、國王叔父騙得一愣一愣的，最後是傑森自己破梗，宣稱，根本沒有金羊毛。
「國王的新衣」騙子愚弄了故事裡的所有聰明人、「亞哥出任務」的傑森不止愚弄了故事裡的人，還愚弄了聰明的觀眾，而我，卻是不聰明的那個，我決定要像國王的新衣裡的白目孩子，說出我真正的感覺。（會惹來殺身之禍我也認了，啊我就說我是屁孩啊）

好吧，有評論認為這齣戲放在「喜劇/歌舞劇類」不應被嚴肅的戲劇標準看待，但，我認為前提必須是創作喜劇的人得經過非常嚴肅精密的思考編排，將近兩個小時的演出（含觀眾進場時，已經在台上暖身聊天與觀眾說笑話的部分）的確塞了滿滿無賴插科打混，噢不，不能說「插科」，因為演出裡主要靠的是一張嘴，並沒有發展出獨特肢體能量語彙，你說演員鬆，但我覺得放鬆不等於鬆散，「亞哥」以語言表嬉笑，過於依賴語言，在笑話與笑話齊發一百分鐘裡，演員顯得疲乏我也看的疲乏。

以演員演繹故事的後設設定讓人覺得有點新鮮，但道具服裝自理，但燈光音樂仍靠後場board台，轉場音樂直達迪士尼史詩風格的節奏斷裂，無法推進這齣戲試圖表達的「貧窮」，其實，看著一開場那位帶著紙箱馬腳的演員在台上春風得意，我期待接下來台上滿場的手作道具，其實做過小道具們的我深知，這些紙湖成的道具一點都不窮（自己做的成本其實最高！買現成的才快！），手作的羊頭接續點燃我的希望，但是塑膠游泳圈便宜形式到讓我失望，我想我們常說的「貧窮」，是否指的是一種風格，指的是傻到不行的圖法煉鋼，單純到不行的可愛方物，亞哥只做了一半，我貪心，我不滿足。

想不正經的重譯希臘正典的企圖，讓我想起仲夏夜之夢裡的裁縫師劇團，想以無賴風格改寫經典，我聯想到太宅治的哈姆雷，但因為被「亞哥出任務」文案下那句「蔣公胯下演出」吸引的觀眾如我，期待看到權力顛轉，因為「魯蛇當英雄」期待看見平凡小人物的勇闖天涯熱血感動，我卻落空了，戲的笑話的確是神來好多筆，而且是那粗大猶如拖把的那種大毛筆，從戲一開始的「沒有老師的學生叫傑森」「羊（洋）人說羊（洋）話」「老師絕對不會是修鐵路的工人，因為老師，老不休（修）！」「老師會是那檯火車，因為老師常常出軌」，接續傑森與國王的對峙，國王因為長短腳跌倒了國王自嘲自己「王彩（踩）樺（滑）」，亞哥號對傑森說穿救生衣「身體就森（很酸）」「不要打壓（鴨）」，以及遇到米蒂雅給傑森的「防曬油」其實是防噴火龍的屎攻擊--「防賽油」，讓人無法喘氣的笑話讓人不得不佩服創作團隊平時練肖薇的累積，也看得出在台上一派自在來自平時默契累積，但，這些笑話，嚴重的厭女情結或是直男觀點，討論醜婆、平胸、把人掰彎作為一種酷刑，實在讓我頻頻捏冷汗，更無法理解當「寶瓶星號的平平夾板」比擬米蒂雅的前胸這個笑話居然招來身邊女性觀眾的笑聲，（好吧，後面那一排直男哈哈哈的拍手大笑我可以理解，我討厭直男！）不知為何設定米蒂雅的父親跟哥哥都是女扮男裝，兩人又是笨到不可理喻，王子拿著「筷子」自稱自己是劊子手，為了不讓傑森看清自己真面目，國王不矇住傑森的頭反而是矇住自己與兒子的頭，導致兩人頻頻相撞，「取金羊毛」其實是「娶金羊毛」傑森面對倒貼米蒂雅最終的婚禮結的不情不願。

角色故事只是幌子，戀肖蔚的白癡到想拿拖鞋（我這天穿雨鞋）打台上的演員才是真，但漫天的笑料要打中人心，或是必須聚焦一個深刻的核心啊，沒有成功擊倒蔣公（霸權），以及讓魯蛇（弱勢）出頭，因為這齣戲充滿歧視與霸權，又沒有用一個更強大的表演形式去包裝，讓我面對陽具崇拜這般的政治不正確主題也能覺得心服口服（因為你的形式超屌）。故，當直男傑森嘲笑舞台上所有笨蛋，其實也間接嘲笑到觀眾，並且冒犯白目嚴肅不聰明如我。我無法同理腳色，而當喜劇人物無法可愛到不可方物，又頻踩我地雷（當傑森地Ｎ次說米蒂雅是醜婆，我真的想揉掉傳單往台上砸啊），我感到很難受。
肯定演員的表演功底，肯定團隊俱備一定的劇場專業水準，只是，這般專業劇場出身的創作呀，能不能多一點慈悲以及同理心，當你笑著噴淚、挖苦著拍手叫好的同時，有人卻被你中傷了。
於是，原本想給的四顆心，碎了半顆，對，我就是玻璃心，ㄌㄩㄝ ㄌㄩㄝ ㄌㄩㄝ～～～。

P.s這篇不是黑特文，是我真心感想，我也沒有匿名，我叫程阿介。

演出場地：中正紀念堂 演藝廳

2013年陳家聲工作室以「陳家聲個人演唱會」初次參加臺北藝穗節，以大眾化的語言、自嘲式的幽默，融創作者對生活議題的觀察，挖苦現代生活的酸甜苦辣，這幾年將演出據點放在創作者的故鄉桃園，融進了創作者對家、自我意識、認同的體察以及關懷，以這種創作歷程看「阿北」，嬉鬧笑謔不斷中，更多了些溫度，來自對單純人性的推崇，故這齣戲就不會單被歸為同志劇場，因為戲中並不只聚焦主角阿北的男同志認同，而是對於「值得被愛」以及「值得追求」的愛情施與受，將故事背景放在中學，但並不是寫實的校園，裡面的國文老師比現實生活中的(至少是我認識的)老師天真浪漫，對於戀愛有著滿溢或是壓抑的憧憬，時不時如同漫畫偶像劇般熱血直白的對話「有你就很甜」「我已經參與你的生活了」卻因為全劇基調「顏質低的少女心男同志喜劇」，觀眾不再小鹿亂撞，而是黑熊衝撞！莫名其妙出現的貓咪歌隊，在戀愛沖昏理智的前提下，一切變得合情且合理(只是有一名舞者並不是同時擔任戲中演員，卻擔任舞群，不知這樣的安排為何？)

將近兩個小時的笑鬧，觀眾笑到燒聲(我是如此)，最後隔著一扇門的告白，雖和解的過於理所當然，以及單單以語言達成皆大歡喜以及節奏顯得冗長，有點可惜，但我想那是因為前面兩個小時都演出過於高潮迭起，建議若能安排善於歌唱的兩個人合唱愛的接納與寬恕，或許會更漂亮！
總之，感謝阿北，讓Monday不再Blue，而是心花朵朵開的有如開場歌那般彩虹滿滿！

演出場地：Woolloomooloo西門店WOW

跨領域表演難作，原因在於創作者在各自擅長的領域需要達成藝術上的平衡，以及要有夠強大的創作理念涵蓋以及串連，否則容易陷入各自表述，或是喃喃自語式語焉不詳.

不去探討將演出定在週日晚上九點半的時間是否合宜，全場只有七名觀眾，演職人員比觀眾多的尷尬比不過作品本身給我的尷尬，節目單裡的表演者有負責肢體、歌唱、崑曲三位表演者，以及一名現場混音師，但是肢體表演者戲份(出場次)極少也沒有獨特的張力表現，歌唱者以及崑曲表演者反而比較多的時間負責演戲，其中一段討論直播的短劇，節奏頗輕快可愛又充滿荒謬的喜感，但崑曲只唱了一段牡丹亭，並且大部分時間只是坐著場，沒有進一步的劇場元素融入這段表演.
表演終了時，三位表演者融入五顏六色有如各式調酒陷入昏沉半醉狀態，我感到一頭霧水，猶如雨夜中起了霧的玻璃，試圖抹去霧氣理解，卻苦無方式讀懂.

演出場地：後台Backstage Café

透過玻璃窗看著對面的四四南村，表演尚未開始，觀者已掉入關於記憶的小小漩渦裡....場地選擇讓人欣喜愉悅。

創義廚房牆上的鏡子、冰箱、吧台桌，成為演出的一部分，編舞者從容使用場上現有的空間與物件，舞者自在地與現場觀眾接觸、互動，這個表演作品自始自終帶著女孩自信愉悅，就算下著大雨，作品正面能量也讓窗外雨景變得浪漫可人。

這個年輕、清新、明快、俏皮的舞蹈作品，猶如素描短篇或是小品文，將關於城市的鄉愁、生活的記憶以令人愉悅的動作語彙以及節奏編排著，舞作中穿插著大風吹遊戲，巧妙運用水鳥、螢火蟲、蛋餅、高樓大廈等關鍵字，討論著關於成長、城市蛻變、離鄉背井的一絲絲酸楚，對，只有一絲絲，因為青春啊！

特別值得一提的是香港創作歌手如詩般的音樂，歌詞適時揉進作品裡，有時是呼應舞蹈內容，有時是引子或是影子，如影隨形，貫串舞蹈。

最後一個畫面則令我影響深刻：舞者走出門外，走入雨中，觀眾自發性的跟隨至窗邊追隨舞者動態，卻遍尋不了女孩們，幾分鐘過去了，一群人對著門口眺望著、低語著、擔心著，當淋成落湯雞的舞者再次回到室內，全身濕搭搭臉上卻笑嘻嘻，觀眾感受到創作者的童心與淘氣，相互心有靈犀的笑著，成為作品美麗的一個插曲--原來，追尋、等待、盼望可以這般充滿趣味與詩意！

演出場地：Verona 創義廚房

場地選的好！是個勇氣十足的作品！

在觀看的過程中，不斷思考著，如果不是這棟老舊公寓大樓、如果沒有那座天橋、如果不是萬華區、如果沒有下著淒風苦雨、如果沒有時不時剛好路過的鄰人，這齣戲會如何令人不耐？

故事很簡單，一個老男人作偽證，害怕被警察抓，於是拒絕走出房門，社工在鐵門外等待了四十分鐘(真的盧了四十分鐘！)飾演社工的演員從天橋一端狼狽出現，路上呼嘯而過的車聲時而掩蓋住演員的聲音，更感到社會小人物的悲慘，這樣幾乎零距離的演出，觀眾的身份曖昧地穿梭戲裡戲外，偶爾變成附近圍觀的鄰居，偶爾變成記者或是其他社工，社工最後將待陳先生簽名的文件投進鐵門裡，其實我很期待社工沒有完全投進去，而是投入一半，當社工離去時，鐵門另一頭有沒有人接收，留下想像空間，寫實之餘，尚需要留白的，當社工離去後，陳太太突然輕而易舉開啟了鐵門，原來門根本鎖嗎？屋內陳設據工作人員表示，是原本建築物內部樣貌，作為一個文史陳列室，內部空間的確十足令人玩味，但接下來一樣進入冗長的四十分鐘，陳太太開始碎念丈夫的不是，要求丈夫開房門，並把剛剛社工留下的餅乾分給觀眾(這部分互動個人覺得蠻可愛的)，陳先生最後依舊沒出現，陳太太兀自起身拉下鐵門，戲就這樣「唰——」一聲聲，落幕，留下我的錯愕，戲劇時間同等於寫實時間，考驗觀眾的專注！

感謝大樓社區的鄰居，帶著各自的疑惑或是不耐經過，其中一位中年婦女腋下夾著戶口名簿，手上提著拜拜用的各式用品，構成這齣戲特別的風景！

幸好這齣戲選在這裡、這個社區、也幸好我看的時間是下著雨的夜，但是，陳先生的缺席，或是陳太太與羅社工無交集的冗長獨白，讓這齣戲變得寫實有餘，深層不足啊！

演出場地：臺北水窗口 (華江整宅)

舞劇，藉由肢體舞蹈呈現完整故事，舞蹈劇場，以舞蹈為創作基本，搭以現代劇場元素呈現創作者概念的劇場藝術，這個舞蹈表演有完整的敘述性，但卻欠缺舞蹈，故在觀看的過程中，頗為困惑，不知這個團隊為何報名舞蹈節目？

「Fairy Tales」有個完整的故事框架：一個自戀的美麗女子愛上自己在湖邊的倒影，長相醜陋的工匠為了追求少女，將自己的臉鑲上一面鏡子，他終於吸引到少女的注意，但隨著年華老去，少女終無法接受衰敗面容，崩潰、死去，創作者利用簡單的素材，例如紙、布塊、塗鴉，勾勒出童話故事想像力的世界，而為了呼應童話故事的共時性，特別在開頭跟結尾加入現代人自戀式的陷入手機、平板的數位3c焦慮與依賴，低頭滑著手機以及自拍，的確有點像故事裡的湖邊少女，但是資訊依賴與童話故事中的愛慾畸戀，關聯性是什麼？除了攬鏡(手機)自照(拍)，我看不出寓言式的引伸，而當舞劇必須靠著滿滿的語言，填補劇情「工匠深深的愛上女孩，他打造了一面精美的鏡子，送給女孩」「女孩卻只看著鏡中的自己…工匠將自己的臉割下，崁入一面鏡子」「女孩卻發現自己逐漸老去」這些關鍵性的情緒、最具張力的段落，卻以旁白式語言敘述，創作者應更相信肢體語彙，而非使用直白語言敘述，削弱作品的想像性，值得稱讚的段落是女孩發現自己老去，扮演女孩的舞者豐富的肢體表現力，時而拉低重心呈現野心勃勃，時而歇斯底里地摀住嘴巴，神色張狂，對比扮演歌隊的黑衣舞者，搭配合宜的燈光、音效，是整段表演的亮點！

演出場地：莎妹劇團「自己的排練場」

最初的主視覺，覺得這是一齣帶著脫口秀、綜藝秀成分的喜鬧劇，再從藝穗官網文案「偶像劇一哥在直播節目中，遭到外國女殺手鎗擊。屍體立即被同伙帶離現場，行蹤成謎。究竟這起兇殺案的背後，有什麼原因？」以為這是一齣偵探劇，
於是我帶著滿滿的期待，期待看到以喜劇風格為外衣觸及人性深層面的偵探劇。

想著因為是藝穗節的演出，所以諾大鏡框舞台，沒有任何布景，僅有幾張折疊桌椅燈光音效雖說簡陋，倒也能接受，但九十分鐘下來，我看得一頭霧水，劇情發展至四十分鐘，我仍看不到主軸，戲的一塊是一個喜歡表演的高中生長大後成了電視演員（但很明顯的看不出他是「一哥」），與劇中的女主角對戲的時候不斷分心，掉入過去某種回憶（但又不明究竟是什麼往事），在電視劇拍攝中斷後，舞台場景時空一轉，突然來到巴黎機場，我不清楚舞台上的人究竟是法國人、台灣人、混血民族？因為使用的語言以及對話的哏，都是中文，接著突然發生恐怖攻擊，一對夫妻天人永隔，在天堂無間道之際，女殺手莫名接獲丈夫的請托，請他照顧妻子，接著女殺手醒來，發現自己的眼角膜受傷，妻子自作主張將丈夫的眼角膜捐給女殺手，因為她似乎發現自己與女殺手是失散多年的姐妹（此時劇情以超乎常理展開且越來越失去主軸），並且在醫院再度遭恐怖份子包圍時，女殺手帶著妻子逃離…….（戲至此以演了近一個小時，我早已按耐不住性子頻頻看錶，所以偶像劇一哥的直播現場呢？兇殺案呢？我難道看了一齣新的戲嗎？台灣的故事與巴黎故事有何關聯呢？）

女殺手撲朔迷離的身世尚未解決，場景突然又跳回電視劇男演員高中時常流連的麵店，電視劇男演員與學妹成為情侶，但學妹卻覺得學長心中似乎有秘密，在麵店老闆的女兒意外回國，原來倖存的妻子就是麵店老闆的女兒、也是男主角高中時暗戀卻遲遲沒有告白的學姊，學妹按耐不住心中的妒火，於是買通女殺手，在一次直播現場，槍殺男演員。男演員面對女殺手的舉起的搶，說了一句「我準備好了」一聲槍響，幕落。我才赫然想起這齣戲的文案，的確是直播現場的女殺手兇殺案啊，的確是偶像劇演員之死啊，但怎麼會這樣？文案完全誤導觀眾先，以及，到底這齣戲想說的是什麼？面對愛情不夠勇敢？殺手不該與委託人發展真實情感？人物關係、角色動機紊亂且薄弱，卡通化的表演做作無法打入觀眾內心、聲嘶力竭的告白不夠真誠、贖罪式的面對死亡更是毫無說服力，要向民視般八點檔致敬，也無諧擬度，劇本、表演、設計、執行技術一切都失了準。

不過，戲倒是很準時結束，只是九十分鐘裡，我的問號沒有停過。

演出場地：中正紀念堂 演藝廳

真摯、直白、擲地有聲、感人動容！五顆心癡心絕對不心虛！

我不會說這是一齣「戲中戲」，雖說裡面真有一個劇團在排練《三姐妹》，戲中戲僅是這齣戲一個小小的引子，最高明的後設手法不是來自戲中戲，而是這齣戲最開頭----女演員的開場白，直白地講到香港的地理位置，這齣戲首演的劇場、照今晚的牯嶺街小劇場，最巧妙的是投影片來到孕育香港藝術人的香港演藝學院，女演員告訴觀眾她的藝術家同學除了領有「香港特別行政區」身份証，還紛紛擁有不同國籍，香港是個大劇場！這一段GPS定位，聰明且流暢地毫不掩飾地叩問自我身份認同，我從何處來？我往哪裡去？

自信真誠帶著自嘲，短短的三五分鐘，演員陳瑞如自在從容極具舞台觀眾緣地將觀眾帶入《三姐妹》的橋段，風格化的肢體，乾淨的走位將人物關係表明地清楚鮮明，一場戲裡瑪莎延遲沒出場，燈光一轉，我們才知道這是一段劇團的排練，在尋找聯絡失蹤演員的下落時，一段段猶如短篇小說般的演員個人段落徐徐展開，這齣戲的正戲，此刻正式展開！演員們各自有額外的工作，工作內容反映香港命運的不同面相，這些香港經驗有內疚（從事房地產的Sue眼看著財團無情地魚肉鄉民）、選擇迷信（風水大師開講）、對於舊日英國殖民的緬懷（香港style對照貝克漢）、選擇以「禪」李「虛無」態度看待香港命運，關於香港的歷史都在一名男演員逐一將寫著年份的紙張碎進碎紙機時，變得破碎、斷裂、變形、真相不可考。

這個容易陷入過度悲憤、自溺、說教的題材，卻因為導演合宜的剪裁、拼貼，演員立體真摯的演出，設計概念清楚流暢鮮明，成就了首演夜滿場的淚水與感動。

令筆者印象深刻的是導演在此次的台灣版本選擇不一樣的結尾，三姐妹持續地前進奔跑著，就算她們不知道自己到底前進還是後退，他們依舊努力工作、工作、工作！

「作戲為何物？都在探討生命。」從演後座談導演、設計與演員們真誠的分享，偶留下真誠的眼淚，或與觀眾心照不宣的「我懂你發生什麼事」的相挺（現場真的有一名觀眾撐起黃傘，演員立馬爆淚），對於香港未來何處去？《香港三姐妹》沒有給我們答案，這齣作品確實體現史坦尼告訴我們的「舞台上是生活，不是表演」！

演出場地：牯嶺街小劇場一樓實驗劇場

如果說一齣原本該九十分鐘演完的戲，拖到一百二十分鐘，叫做歹戲拖棚，
那麼一齣本該九十分鐘好好鋪陳的戲，卻在六十分鐘時戛然而止，那會讓人一頭霧水。

今晚的英雄擋道，其實空間使用頗讓人愉悅，多面的舞台剛好呈現出這齣戲活潑、不按牌理出牌的喜劇特質，一開場的畫面，兩位演員的亮相以及互動，讓我頗為期待，搭配從觀眾進場時就鋪陳好的音樂（不得不稱讚這齣戲的音效配樂，選擇的素材以及timing都十足為戲加分），頗有喜劇喧鬧熱血的節奏，救人的場景雖說很無厘頭，倒也能承襲此劇卡通風格。

但我一直被拗口不自然的語言帶出戲，並不是指劇本對白不能有『解鈴尚需繫鈴人』此類的成語，而是兩位明明穿著充滿艋舺風的黑道大哥跟小弟，一開口卻是字正腔圓的『你有看見那個“女孩”嗎？』諸如此類用語，為何不選擇生猛的台語，或是貼近人物階層會用的詞語呢？搶銀樓的場景舞台上人物頻頻說著社會口號諸如『會考考不好、文憑有何用』，意欲貼近日常，卻讓人無法獲得共鳴，三個姐妹在討論救人的場景，用語也非一般人生活語言，感覺舞台上所有的人來自一個文謅謅的世界，說著不好消化的語言，明明該是庶民風格唱直白的喜劇啊。

劇本，我想是這整齣戲最主要的問題，五個主要角色之間的關係不如角色的造型般鮮明，小弟為何選擇傻傻地跟隨很弱的老大，老大為何在搶銀樓的要緊關頭，決定要犧牲自己背黑鍋，在劇本裡不斷提到老大年輕時遭遇的某可怕「西區事件」（恕我記性不佳，忘記劇中的說法，且容我以這四字作為代表），這個事件的細節是什麼？對老大產生的影響？三個姐妹之間的互動關係也頗讓我尷尬，從各懷鬼胎、明哲自保到願意齊力去看守所救人的轉折不明，最後小弟一段熱血的自白演員演的投入，卻讓這齣戲在寫實與卡通喜劇天平兩端卡的不上不下，喜劇絕對可以說道理，且藏在節奏以及丟接裡，喜劇絕對可以一秒逼哭觀眾，且建立在完整的角色邏輯以及劇情的張力裡，很可惜，這齣戲，我看出編劇的企圖，需待磨練。

關於演員表現，由於表演空間是多面舞台，觀眾席呈現兩個U字型，表演區過於零碎，聲音傳達需注意音量以及咬字清晰度。飾演小弟的演員表演收放以及誠懇十足，頗具說服性，大姐則是擁有很好的舞台外型，期待更具自信的表現。

演出場地：Woolloomooloo西門店WOW

以舞台劇形式演出舞台劇演員的鬥爭，演出地點選在富有歷史感的仁安醫院，這讓筆者頗為期待。製作團隊很用心的製作一整組的酷卡，鉅細靡遺逐一介紹角色、創作歷程，走上二樓時，欣賞到這個空間裡精緻的樓梯扶手、門扉、窗棱、廊柱，但坐進觀眾席時，才發現導演將觀眾安排在面對一樓出口，這樣設計其實會減少一個表演調度出入口，而面對非典型的演出空間，導演若擁有足夠調度的出入口，絕對可以增加演出的新鮮豐富感，尤其是這樣一個特別的古蹟建築！

但整齣戲九十分鐘下來，完全可惜了演出場地，令人覺得沈悶的原因並非劇本，事實上，若單從「聽戲」來理解這齣戲，這是一齣十分典型的古典推理劇：一群人（並且是有利益衝突的人們）走進一個絕世獨立的山莊（這齣戲的設定是山中民宿），接著人一個個被殺或是消失，但劇本裡bug重重，沒有好好解釋兇手到底如何殺了人，怎麼解釋無不在場證明，以及如何在極短的一分鐘之內將所有屍體「被消失」，接著在沒有任何蛛絲馬跡，也毫無證據前提之下，一個新進的團員神助攻般揪出兇手，而兇手也像名偵探柯南電視版極端篇那樣，立刻承認所有罪行！？

邏輯並非無懈可擊是否可成就一齣偵探劇？筆者認為偵探劇的成功靠的不是邏輯，而是氛圍，在人人有嫌疑，各各懷鬼胎中，觀眾參與剝洋蔥的趣味，只要能夠自成一格、自圓其說，我完全可以接受所有劇情的不合理，例如為何民宿主人跟其中一個劇團演員一模一樣，這其實不需解釋，就是一人分飾兩角呀！戲中硬是製造疑點，誤導觀眾以為這會是爆點，而戲中穿插看戲大隊給星星的笑話也頗生硬（一個氣勢可達國家劇院等級的劇團，怎麼會在意小女子區區看戲大隊一人啊），但筆者提到劇本並非演出主要問題，這齣戲最致命的地方是調度。

『謎莊』除了結尾的暗場之外，全劇無任何燈光變化，若是企圖藉由無暗場做出一氣呵成的節奏感，此舉是失敗的，因為無暗場不等於無燈光調度變化，尤其是一景到底的演出，更需要燈光作為戲劇氛圍的烘托，而不是單靠音效以及過於直白的罐頭配樂，再來更令人費解的是，演員似乎都被場上的cube定住般，沒有任何的走位變化，而且還固定每人有固定的區位，大家上場，坐下，對話，交代劇情，下場，接著下一場，進場，坐定，繼續對話，完全沒利用到樓梯、柱子、牆角、窗戶邊，真是太可惜了，也很折磨觀眾，幾乎零走位！（除了其中一場，女演員持棒球棒襲擊兇手，不小心碰到桌上的杯子，杯子應聲碎地，成了衝突感十足有鮮明的一場戲）

關鍵的事件人不在場：劇團導演、引發兇手殺機的天才女演員，全靠其他演員口述，也造成觀眾看戲吃力，其實不是不能口述，而是語言的使用要靈活，並且搭配有層次的空間調度，讓觀眾得以吸收消化一大段的前情提要，很遺憾的是，過於平板的表演，讓這齣本該衝突感十足的戲，變得難以吞嚥。

一群懷抱戲劇熱情以及夢想的團隊再度參加藝穗節，初次嘗試偵探劇，儘管演出不盡理想，這份愛舞台的執著依舊讓人覺得值得鼓勵，但熱情不能只是空想，「作者已死」概念實有更精確的應用，期待下一次更成熟的作品。

演出場地：臺北市社區營造中心-仁安醫院

這齣戲以朗讀義大利著名兒童文學《愛的教育》作為開頭與結尾，呈現台灣教育現今的窘狀以及荒謬，《愛的教育》是一篇篇短篇故事連續集，這齣戲也以分場的方式呈現一則則教育現場戲劇，上半場多是插科打諢，在「如果我是林志玲」篇裡《愛的真諦》歌曲變成一種諷刺，「教育愛」變成口號，崩潰的教師面對打地鼠的課堂，只能不斷自欺欺人，「官場現形記」篇則是呈現行政亂象，「怪獸電力公司」篇以徐懷鈺的《怪獸》一曲則是唱出怪獸家長的無理，上半場節奏尚緊湊，幾位演員的喜劇節奏也掌握的極佳（林志玲令人印象深刻），令人期待下半場一面倒的教師角色，是否大平反，或是在一連串權力爭奪戰中，可以探討何謂自我價值以及善。

可惜的是，下半場的「老師說」遊戲暖場之後，「格雷的五十道陰影」這明顯來自「課堂驚魂」的段落，依舊單一呈現一方權力的傾斜，連續幾場非黑即白的書寫價值觀令整齣戲變得淺薄，並且削弱戲劇張力，覺得乏善可陳，課堂驚魂裡蘊含的性別、語言、理性的衝突、自我的認同等等多方重要子題，並未被進一步觸碰，創作者是否也誤解了性虐待（SM）的真正意涵，看似不平等的攻受之間，其實ＳＭ精髓是建立在你情我願的「調教」之上，端章取義的挪用令筆者感到遺憾，女學生與老師之間的互動，也因為演員肢體不夠自在靈活，丟街的落拍，看得有些尷尬，在生硬有餘、生猛不足ＳＭ戲之後，硬是插入一段綜藝節目職業街頭大訪問，演員接的有點突兀，身為觀眾的我也看得一頭霧水。

再回過頭去看上半場的設定，更覺得角色設定過於綜藝、刻板，於是校長主任總是喝花酒做spa、行政教師則是背地黑特主管到死、怪獸家長孝子孝女愚昧不可至極、代理老師老師溫順猶如小綿羊、流浪教師則是永遠被遺棄的孤兒在天涯一方，醜陋面變得單一後，結局再提到「愛的故事」便覺得偽善且造作，尤其尾段過於冗長的設定，教師之死到旁白者現身說法的一大段獨白，都顯得尾大不掉了，謝幕前的大和解更是將一切問題昇華的輕鬆無負擔，互信互愛是如此容易到令人覺得不可思議，演員彼此在場上擁抱，把玩道具，愉快嬉戲諸如跳繩、拔河，以這樣的調度企圖一次解決所有權力衝突的問題，只會像是粉飾太平或是兒戲，若是在流浪女教師動人的三毛獨白中徐徐靜靜地落幕，或許上能留下較為美好的想像空間，「我的流浪是為了尋找居所，還是講自己委身於流浪之中」這一段獨白演員表現的誠懇且真摯，值得嘉許。

演出場地：臺北市立松山高級商業家事職業學校- 學生活動中心1F

跨界音樂會向來吃力又容易不討好，銅樂坊極具創新以及用於嘗試，在藝穗節端出這場兒童音樂劇場「小勇歷險記」劇情敘述小勇的爸爸媽媽原本要帶小勇去喝喜酒，小勇百般不願，原因是他害怕面對人群，在小勇攤開他最愛的一本故事書時，他進入了夢的國度，夢到父母被惡魔抓走了，為了救出父母，他與自己心愛的阿布玩偶，展開與魔王的對決！

作為一場寓教於樂的音樂劇場演出，這場表演達到了某程度的成功，購買特定演出套票的小朋友觀眾，可以隨著表演者練習簡單的吹奏技巧(美中不足的是我看到這場演出因為行政疏失，部分小朋友拿不到樂器藉由較高價位的套票搭配贈品，並且可以與劇情互動，在經費有限之下，的確是個不錯的行銷方式，可惜行政疏失壞了原本的立意，雖然演出前廣播向觀眾致歉，但難掩小朋友臉上失望的神情，那麼戲如果夠引人入勝，或是針對沒有樂器的小朋友也能身歷獲得觀看的愉悅，那就能彌補一開始觀看的遺憾，可惜的是，演出者明顯缺乏戲劇訓練，導致過多的對白贅字(啊、喔、真的嗎)，或是因為緊張而出現頻頻忘詞或吃螺絲，以及做為演員，在劇情需要而演奏時忘了原本戲劇情境，一秒變回專業演奏家，演奏劇情簡單聚焦在「容易害怕退縮的孩子藉由拯救父母，突破自我」，但台詞過度強調怕黑，加乘劇場燈光偏黑以及烘托魔王可怕的聲響效果，許多小朋友觀眾還來不及專注安心地進入戲劇情境，就已被嚇哭了！建議文本若能在友情(阿布)與親情上有更深的著墨，就能擺脫過於淺薄以及鬆散。

演出兒童劇一向是困難的，因為兒童觀眾直接又直白，當演出節奏不夠緊湊，演員狀態不夠專注，技術timing不夠精確，劇情不夠深刻，精彩度會大大扣分！

銅樂坊六名演出人員各司其職，努力豐富演出，面對偶爾失控的兒童觀眾，也盡力地臨場即興演出，祝福這群年輕的表演者持續精進，若文本、表演能力能提升，就能帶來更多更精采的銅管演出。

演出場地：信誼好好生活廣場知新劇場