一個溫馨美好的小品，運用偶戲、皮影和物件講述了小女孩與北極熊之間的故事。在全白的場景中，運用簡單的收納箱、布、棉花和幾件小道具，為觀眾創造了一個充滿浮冰的冰雪世界。北極熊的生存區域受到村民極大的反抗與驅離，小女孩在奶奶的支持下展開了一趟尋熊之旅，旅途中遇上郵差、機械化的工廠，終於找到了古林肯比（北極熊的名字），然而村民的反對依舊存在，小女孩和古林肯比最終只能選擇離開。

團隊使用皮影搭配燈光創造了在點點星光下航行於大海，可愛的鯨魚還會不時現身，是非常美麗的段落。而老奶奶在操偶技術與手部表情的結合下，幾次深情的擁抱令人動容。幾個可以再思考的地方為，一、角色之間關係的脈絡，例如：郵差出現的目的以及為何不讓女孩寄信；女孩與北極熊的關係為何，尤其是為何與村民有那麼大的衝突；二、空間層次的豐富性，尤其暴風雪一段若加上音效或音樂會更逼真；三、表演空間的安排，雖然觀眾皆席地而坐，但受限戲偶本身大小，於地面行走時後排觀眾幾乎看不清楚。

演出場地：URS127玩藝工場(2小時場地)

光是願意搬演Eugene Ionesco 的《禿頭女高音》就值得再多加一顆星星，這是個經典且具有難度的劇本，創作團隊選擇幾乎照本演出，整體節奏掌握成熟，演員在角色掌握上亦可說服觀眾，可以想見花費了大量的心思、時間於排練。在人物服裝、場景陳設與小道具上亦可看出團隊的用心與認真，希望給觀眾營造出典型的英國式情境。

《禿頭女高音》裡藉由重覆堆疊的台詞和動作，不合常理的劇情，來表達語言的失能，溝通的無效以及生活內涵的空洞，如史密斯夫婦不斷重覆生活上的事情，馬汀夫婦永遠覺得雙方多麼地巧合，消防隊長永遠期待大火等等。雖受限於場地演員的進出集中於左側走道，但導演適時利用燈區轉換；馬路的喇叭聲雖偶爾呼嘯而過，但在一本正經的表演中更加突顯荒謬的意味。

演出場地：阿嬤家- 2F

開場，是透明簾幕內一起捷運跳軌自殺事件，隨後拉開簾幕，三位女性（記者、櫃姊和研究生）現身，故事開始，這手法讓人很容易就能猜到故事走向。過程中幾段書寫渴求存在感、渴求愛的獨白，確實打動人；對於城市生活的法則，對於工作熱忱的消磨，也能書寫到位，刻劃細緻。

三位演員之間沒有對話，更多的是在大量的大段落獨白中，彼此交錯穿插直至最後的交集，揭曉謎底。然而，其獨白的語言更像是書寫的散文而非口說，帶著距離感的敘述，讓人始終保持疏離。雖然擅長描繪細小的情緒，但對激發議題的能量總是輕輕帶過，加上演員略顯吃力的表現，讓整部作品始終蒼白、凝滯，沒有起伏，沒有流動，沒有衝突。不過，導演將開場置於舞台的「FEMALE」，隨著不同段落的獨白拼成「MALE」、「FLAM」、「FLEE」、「FEEL」是標題也是暗喻的手法，讓人喜歡。

演出場地：信誼好好生活廣場知新劇場

這是一個關於遺憾與和解的故事，一個如常的早晨，一座公園，兩位老人的久別重逢；也是一個溫馨的小品，一景到底，四個角色，一張可隨時帶走的公園椅，結構輕快。

「明天，你／妳是否會到公園？」、「明天，天氣會好的。」要多少的時間沉澱方能有這樣看似風清雲淡的一句話。小翠和堂哥兩位老人在爭吵鬥嘴中，意外發現彼此是各自多年前的戀人，雖然過於巧合，但這巧合令人喜歡。青春歲月裡的愛戀，在時勢與父母阻撓下沒能好好說再見的分別，那在各自嫁娶多年卻依然清晰印在心中的身影，是說不出口的心事。久別重逢的波瀾，在彼此善意的謊言裡釋懷（互不承認身份），最終化為再相見的期待。

兩位飾演老人的演員無論在角色內心的掌握，或外在身形的塑造皆很成熟，飾演孫子、孫女的演員亦具說服力，可惜受限劇本沒有更多發揮的空間。在剝皮寮的歷史感氛圍下，這座公園更顯得滄海桑田，映照兩位老人的心境，令人感懷，因此，明天我會到公園。

演出場地：剝皮寮戶外舞台

作品結構分成七段：第一秒序曲，第二秒擔憂，第三秒恐懼，第四秒墜落，第五秒力量，第六秒告別，第七秒終曲，並以影像分隔。每一段落的表現形式皆不太相同，其中三和五還使用了類似電玩遊戲機的音樂與手法。兩位身著全白衣裙的女演員（台北x上海），在每一段落以大量的獨白抛出女性對生活中的各種大大小小的煩惱、困擾，和對生命不同階段轉變的孤獨與壓抑。其中，「告別」一段，溫柔的力量使人感動，在瑣瑣碎碎幾乎令人煩燥的叮嚀背後，隱藏著愛的力量，對離開的不捨，直至終曲的「人是否活過，死去是否被遺忘」。

或許生活就是這樣，不論是那裡人那國人，而生命就是這樣一年又一年的過去。只是，影像和段落的關聯性太弱，反而讓人覺得切斷了演員表演的連貫性。在文本敘述上，某些時候過於細瑣的情緒獨白份量太多，導致尚未丟出個什麼，就要結束了。最後，期待團隊繼續發展完善。

演出場地：大稻埕戲苑-八樓曲藝場(2小時場地)

這是一部寫給大人看的成人童話，以默劇加舞蹈的方式，在極簡的道具下，運用肢體、燈光、音效和音樂創造了一個層次豐富且充滿想像力的獨角戲小品。

表演者和田雄太郎的服裝沒有任何一絲絲機器人的感覺，而是在動作編排中幾個機械性的細節，讓觀眾明瞭「他」是位機器人。平日獨居的機器人，有天撿到了嬰兒並決定收養。在養育小孩的過程中，機械性與流暢性的舞蹈動作互相穿插，搭配精準的音效和音樂成功地創造一個詩意的空間，而表演者手指與臉部表情所表現出的深情細膩，則將劇情的張力一步一步的推升，直到最後送別小孩。

Psyche一詞中的靈魂、心智、精神等含義，美好的展現在機器人身上，透過短短30分鐘，來自日本的團隊（只有三個人）為觀眾演繹了一齣動人的童話故事。

演出場地：思劇場

開演前，昏黃的燈光下紅色的蔓珠沙華靜靜地在木桌上開著，讓人有種這絕不是間普通的茶鋪感覺。帥氣的店長和穿著女僕裝的助理上場準備著，不久第一位像是上班族的客人來了，在一杯茶的時間裡試著找回他所遺忘的，然後，留下一部份的記憶離去。第二位女客人在經歷了多重人格的交戰後，留下了手機，象徵某一部份的自己後離去。最後是一位走過風雨的老人，能夠淡然地看待生命中的遺憾與得到，並且適之安然幸福，在留下回憶後離去。結尾，店長留下記滿他人生命故事的小本子給女僕後，離去。

作品走向溫馨，試圖以輕鬆的方式談論死亡，在淡淡的茶香中，客人分享著自己的生命故事，而每位客人的茶品與故事也有所呼應，是編劇用心的地方。然而，在內容流暢度不足與主軸因過度省略而顯得空虛下，觀眾始終帶著「這茶鋪到底是哪裡？」、「店長和助理的角色到底是什麼？」的疑問到劇終。那些留給觀眾推理的安排，也因資訊過少而令人不明所以。團隊擁有好的題材，也選了相應的場地，期望能讓作品發展的更完整。

演出場地：米日一里葉晋發

故事開始於一間位於台北的酒吧，酒神戴奧尼瑟斯化身的人類「阿斯」是店老闆，阿斯帶著他的血液（葡萄酒），在每個夜晚以酒換取故事。團隊的地點選擇非常加分，一間真正的酒吧，也選了一個不錯的故事題材，音樂和歌曲寫得也不錯，只是，全部組合起來卻不那麼不錯。

值得思考地方為，酒類知識的介紹和角色關係的連結，例如Lisa為何那麼執著於「羅蜜歐」，除了氣味、口感應該還有些其他的故事吧。而阿斯推薦于安試試另一款酒，只因為她是「年輕女孩」的說服力顯得不足。在角色層次與區隔上，則可以做更細緻的處理，例如血液一角的設定不明確，發揮的空間也很局限，而于安、Lisa的心境轉折則快得讓人難以相信。另外，歌曲寫得很好聽，可是演唱的時間點卻像是刻意的。最後，酒神除了掌管葡萄酒也同時代表歡樂與瘋狂，而「阿斯」的設定也太冷靜了吧！

近年藉由飲食帶出小人物背後的動人故事蔚為流行，然在其看似平淡的故事推展中，其實蘊藏著精緻細膩的安排與設計，掌握不成熟就容易真的「平淡無味」了。

演出場地：Pan House

演出開始前，每位觀眾得到一付耳機、接收器和一瓶冰水、毛巾，演員陳弘洋以特殊腔調的英文要求觀眾排成兩列，演出開始後，演員要求大家跟著他繞著華江整宅的環形天橋跑起來。在夏日燥熱尚未褪去的時刻，瞬間覺得自己那些的偷懶在此得到上天的提醒。跑完兩圈後，決定將自己抽離成為旁觀者，靜靜地感受耳機裡傳來的他人日記，以及天橋那隱隱地震動。

這是一個將自己最私密的內心展示給他人的演出，也是一個觀看他人的人生的演出，而從他人的人生中反饋了什麼，則是觀眾私密的禮物了。都說「離開是為了回來」，在遠離熟悉的環境中，在身體極度勞累中，思緒似乎總是最奔騰，那些不曾停止的自我質疑、自我回答來自對生命的期待，雖然會因為一些時刻而下不同的決定，例如演員為了見阿公而從澳洲回來。然而人生不正如此，總在不斷地自問自答中背起行囊繼續往前走下去。

感謝藝穗節，感謝我好揪節，雖然一開始聽到要跑步有些糾節，不過能在華江整宅這樣跑也只能是藝穗節。

演出場地：臺北水窗口 (華江整宅)

在318學運之後，多年來臺灣各式的社會運動風起雲湧，值此時刻也該是提出更多元面向的觀看的時候了，很高興在藝穗節能有年輕的團隊與舞者以此作為創作的核心題材，提出屬於年輕人的看法與觀點。民主的體制，言論的自由，讓人民對於上位者的不滿、階級與世代的對立乃至不同立場的理念，總是容易激起巨大的聲量，新媒體的興起也讓議題的傳播更加快速，相對的思考的時間亦被嚴重壓縮。

整體作品結構完整，看得出從天真浪漫的幻想到面對現實社會的轉變，舞蹈動作的發展與歌曲的選用也很適當。兩點建議：一、文本的敘事結構可以再思考，尤其是台詞銜接進舞蹈的方式和文本可以再多給些資訊。二、動作與文本的聯結可以更強化，建議可從文本中去挖掘動作，讓兩者互相加成。像是「你有病，你不正常」一段，若能將動作與台詞能量一層一層的疊加上去，更能突顯無法對話的雙方總是認為對方是有病的，是不正常的嘲諷。最後，期待團隊持續的創作。

演出場地：思劇場

看得出來這是一個對表演有著極大熱情的年輕團隊，企圖結合真人真事與《青春禁忌遊戲》，透過一齣戲劇的製作過程，揭示在利益的面前人性的醜惡與信任的脆弱。然而可再加以思考的地方為，劇情整體結構的鬆散，演員對角色內心和建立的掌握尚不夠成熟，以及口條不夠清晰，皆讓懸疑推理的開展一直被打斷。而劇情空間建立的合理性與明確性也可以再斟酌，尤其是現實空間轉換至戲中戲的銜接方式，或是舞蹈段落究竟是角色內心的演繹還是劇情的推展，可以更清楚；走位的動線也可以更簡潔，尤其很多地方堅持走到觀眾面前再講台詞，顯得刻意。另外，借用《青春禁忌遊戲》劇中以生日慶祝會揭示林蓁藉真正目的的手法，應是劇情的高潮點，可惜設局過程的鋪陳不夠緊密，讓人性醜惡被揭露的殘酷失去力道，廚房製作沙拉一段其實可以縮減。幾個劇情安排則讓人有些困惑，安排男、女演員擦出火花，以及爭風吃醋的目的為何；林蓁蓁奪取劇團的內心動機為何，劇情並沒有說明。

PS:白色披風的長度頗讓人擔心演員會絆住自己。

演出場地：信誼好好生活廣場知新劇場

想像自己，失去自由被禁錮在一個空間裡，無法和外界、親人有任何聯繫，你／妳的任何書寫、談話和任何一舉一動皆被監控。所發出的聲音只是空盪盪的迴響著，外界是否能得知？又，如何得知？得知後還保有多少當初發聲的初衷呢？

六張板凳，六台舊式的卡式錄音器材，以磁帶連接的方式，以柱子為中心圍構成六角形，喇叭傳遞著劉霞誦讀詩作的沙啞聲音，不斷地重覆錄音、播放、再播放，女聲隨之一次又一次的失真，直到模糊且無法辨識，而漸次疊加的電子聲響則為整體聲響增添層次感，最後，燈暗，在靜默數秒後，燈亮，演出結束。在得到團隊於演後發放的小紙卡，方知剛才錄音機中的聲音是劉霞的〈無題〉，而對照劉霞今昔的境況，一切終於豁然開朗。只是，如果可以在「演出」前就能得知這些資料背景，那麼演出過程中的豐富性必會更多亦更能讓人理解作品的初衷。

演出場地：米日一里葉晋發

進場時著實被嚇了一跳，漆黑的通道上一位畫著白臉紅眼妝的黑衣女子坐在地板，以怪異的姿勢指引觀眾向前。座位區和表演區沒有明顯的區分，觀眾也自然地席地圍坐成一個圓形。空間裡佈滿了紅色尼龍繩結，配上昏暗的紅光，周遭站立著幾位和通道上妝扮相同的黑衣女子，這充滿奇異的氛圍，終在一句「歡迎來到我的心臟」稍事安定，和身旁的觀眾相視一笑。如囈語般的台詞數著幾點幾分幾秒，讓人以為要以心臟的角度談身心的困境，卻在下一刻集體舞動了起來，接著來一段強迫簽約後，倒地，在白紙書寫單字／詞懸掛於繩結上。最後，和觀眾靜默地手搭手，然後，全體表演者默默地離開。

啊，結束了嗎？應該結束了。身為觀眾的我疏離到不知該如何感受眼前的一切。

演出場地：小劇場學校

西門紅樓劇場的紅磚瓦和黑色的舞台，加上清雅的國樂演奏，有點兒茶館聽曲的古味。音樂會由陳威廷的手鼓獨奏開場，陸續加進京胡＋大鼓的《夜深沉》、揚琴獨奏等曲目，而令人驚喜的是，京胡、揚琴意外的適合紅樓劇場的聲響空間。

然而，依據藝穗節官網資訊演出團體應為玉山箏樂團和天鼓擊樂團，不知何故，此場演出只有陳威廷、廖珮妤和幾位演奏人員，箏樂團的部份則是完全消失，可以體諒團隊因故臨時更動演出內容，甚至臨時代打上場。只是，無論台下如何的風風雨雨，上了台依然雲淡風清的專業演奏家，若能口頭告知一下聽眾節目變動的情況和每首樂曲曲名，對於聽眾而言會更為體貼。若是下一場演出的編制和今日相同，建議可以加入這部份，成就一場小而精緻的音樂饗宴。

演出場地：西門紅樓二樓劇場

來自玄奘大學的年輕團隊將自身面對河川汙染、塑膠垃圾、濫墾濫伐等環境議題的感受，以類似「行為劇場」的方式傳遞環境議題的迫切性與真實性。然而其中尚未純熟，可更加以思考的地方為，面對這些已然存在且眾人皆知的環境現象／議題，除了如實地將之搬上舞台，是否還能提出自身的觀點與挖掘對相關議題的批判度，形成屬於自己或作品的劇場語言。例如呈現河川、海洋充滿垃圾時僅是表演者在高唱〈我家門前有小河〉兒歌後，即臥地翻滾其間；以及表達現代人的生活已讓塑膠全面佔據時，只是在塑膠娃娃身上插滿吸管和用刷子刷洗。每一個行為片段由於缺乏自我觀點轉化和內在動機的支持，以致整個作品處於疏離、碎片般的狀態，亦無法促使觀眾對環境議題更有感。但以一個更遠的角度來看，自然環境的持續惡化是對青年人與下一代的預支，而年輕一代對社會持續提出反饋和行動時，亦是社會能保有改變的動能。

演出場地：臺北國際藝術村_頂樓

面對愛人的驟逝，沒有人可以逃離悲傷。

六十分鐘的獨角戲，上演了沉醉悲傷的頹廢，懷念男友的好的回憶，對過往兩人相處點點滴滴的回憶，也有對男友生前可能移情別戀的猜忌，以及最後得知男友的愛後決定堅強迎向未來的光明結尾。然而其尚可思考之處在於，事件的鋪陳及設計。例如希望男友修理電視機就算托夢也好，可在事件之前並無任何安排，為何女主角此時需要開電視；預藏的生日禮物，可劇情裡男友是突然死亡，卻為何能事先做此安排；對男友是否有其它對象的猜疑，也缺少先前的伏筆而顯得突然。在劇情空間轉換的明確性及合理性亦可以加強，例如當女主角抱著男友的衣服回憶並起舞時，從現實中的喃喃自語轉換為翩翩起舞的銜接方式，以及前一秒才在擎天崗看星星，下一秒已在家痛哭的過程。獨角戲除了演員的表演功力，也需要合理緊湊的故事設計，每一個事件的安排皆需動機及目的，當兩者尚未純熟就容易淪為自我耽溺而無法喚起觀眾的共同情感。

演出場地：大可樂 Duck Lab

劇情從一對平凡夫妻（阿海、雅芳）間的日常對話展開，在兩人不斷抛接的過程中逐步理解這個家庭所遭受到的困境，以及他們賴以生存下去的方法。而一隻被捕的老鼠成為兩人生活中的調劑品，也點出兩人面對生活／生存的態度。

在空間運用上，團隊採取「空台」的手法，大幅度的減去道具佈景，從而突顯老茶行本身的空間，並從中創造出一個充滿詩意的空間，使觀眾彷彿就待在阿海和雅芳那家徒四壁且隨時可能面臨法拍的家。對幸福空間的想像，每個人皆有所不同，而家屋做為凝聚所有元素的形式，成為了一種自我「宇宙」的展現，是個人生命情境與空間的連結。團隊完美的結合新芳春茶行特有的空間氛圍，將老屋獨有的氣味，老物件的歷史質感，以及利用不開空調營造的夏日悶熱，統統融合到劇情中，成為演出背景的重要部份，亦重新定義了「家屋」的意義。

演出場地：新芳春茶行- 1F

這是一部沉重的戲，來自劇本的題材內容；也是一部用力的戲，來自年輕演員的表演。劇情主要探討關於控制，以及家庭暴力、虐待造成的童年陰影，如何延續至下一代甚至成為新一輪的重複。史帝文森的劇本以汙穢的語言、性侵、暴力虐待，殘酷的要求觀眾直面問題，而如此高張力的台詞對年輕演員亦是不小的挑戰，雖不到完美但已可說服觀眾。另外，在一個聲音發散的舞台，演員們使用原聲不加麥演出，值得嘉許。

導演運用剪影、穿梭布幕、燈區轉換等手法，呈現劇中早已死去卻如鬼魅般存在眾人記憶中的殘暴比利，以及記憶與現實交錯的時空轉換；也讓開場不久蘇珊打破杯子的伏筆，成為最後結尾新一輪悲劇重複的隱喻，頗為用心。可惜，劇情後半段換景與暗場實在太過頻繁，削弱了整體節奏，讓原先該隨著真相的揭露而挑動的情緒為之黯淡下來。

演出場地：西門紅樓二樓劇場

炎熱的夏日夜晚，踏進地下的表演空間，立即被一片綠意感染，大片大片充滿熱帶氣息的綠葉裝飾在牆角，幾朵鮮艷的花朵在綠葉中探頭，每一張座位皆放置一小束臘梅花束，令人彷彿置身花園。在簡單介紹幾個大溪地用語後，即拉開表演序幕。舞蹈類型包含有熱情歡快的迎賓舞、展現女性柔美氣息以及抒情表達的慢舞、也有呈現較為剛強之氣的戰舞等等，展現大溪地舞蹈多元的面向。雖然大溪地語的歌曲讓筆者難以理解內容，但透過舞者的身體動作，和旁白的解說，還是可以稍稍理解，且每位舞者皆頭戴由鮮花羽毛組成的華麗誇張頭飾和華美的草裙，除在視覺上令人目不暇給外，陣陣的花香亦帶來嗅覺上的愉悅。

整體而言，可以感受團隊分享對大溪地舞蹈的熱情，然而，若以「整體演出」的概念來看，可更加思考的地方為：突顯整體演出的主題性，並將所選擇的舞蹈歌曲、舞蹈類型、烏克麗麗演奏的樂曲皆扣合此主題，並將之串聯的更有設計感（包括出場方式、隊形設計等），如此才不會讓花藝老師教學、烏克麗麗表演明顯就是來串場讓舞者有時間換裝。

演出場地：大可樂 Duck Lab

一齣以時間為出發點的作品，在深具歷史感的剝皮寮空間裡演出，帶著一點夢境的感受。空間裡四個角落皆有一位表演者手持時鐘站立著，彷彿在提醒觀眾刻意地看見時間，刻意地看見在已成規律的日常中隱身的時間。表演中運用許多機械式的、直線的、重複性的動作和走位，呈現被時間規訓的日常身體，並將對此的想法，以囈語般片斷的方式抛出。

整體演出中有幾個很美的片段，卻沒有多些發展是較為可惜的部份：對著枱燈細數過往的獨白，運用枱燈由弱至強的光線轉換，象徵流逝的時間不斷地增加，頗具巧思，只是獨白就這樣結束了，應該還可以發展些什麼。在地面以白紙畫出時鐘並以螺旋的方式標註數字，最後標上「25」這個數字，很有趣，可是，只讓表演者來來回回地踏過鐘面，真的太可惜了。

演出場地：剝皮寮戶外舞台

或許現實社會太過沉悶需要諷刺幽默來調劑釋放，一群年輕人以自娛／愚的方式來呈現所看見，所身處的社會。文本內容取材自政黨政治、新聞現象、戀愛交友等，可以看見青年人所關懷的焦點與面向。

只是，高段的諷刺幽默手法與低級當有趣的嘲笑之間往往只是一線之隔；將政治人物的口號只是去脈絡的搬演，卻不見來自背後的自覺反思時，也只是流於片面的嘲笑而缺乏深意。將現代社會交友與新聞現象中的色情、腥羶放大時，實已非只是嘲笑可言，也是對於尊重女性缺乏敏感度。在走出同溫層的捧腹大笑後，其所諷刺的事件、人物或現象，是否真的傳遞出何以揀選題材的意含，是否真能促使觀眾去思考大笑背後的深意，才是喜劇、脫口秀的真諦，而這來自對人的觀察、尊重與自覺。

演出場地：URS127玩藝工場(2小時場地)

這個作品試圖運用多種媒材來表現核心概念，並大膽地讓女主角只有一句台詞，在最後將結束時。由影片中一位憂愁的女子在百貨公司漫無目的地購物血拼開啟，然後百無聊賴地坐在咖啡館吃東西，最後鏡頭一轉閒坐街頭的女子隨著影像來到現場，進入表演空間。觀眾在各種音效、環境聲響中拼湊出女主角的故事。

整個作品的影像張力其實強過現場的表演，尤其在作品最後，影像中的舞蹈是女主角的心境，亦是整部作品中重要的高潮段落，可惜當跳接回現場時，卻完全沒有承接接住，也無法推升出張力，以致最後女主角希望自己能如恆星般自體發光的表白，令人倍感突兀。

展覽（耿大偉個展），在此作品中有著多重意義，演出的空間同時也是展覽的空間，藉由展覽試圖模糊化表演的空與表演之外的空間，以及觀眾的觀看視角，同時這些現成物裝置也成為整個表演的道具／伏筆。在同一空間裡完成美術／劇場空間的疊合、進出，促成空間的介入與反轉，這部份是有趣的。

只是，包養／包子，究竟是語意上認知的不同？還是價值觀的不同？現代人生活的空洞，為何是通過一位被包養的女子呈現，而在呈現出這些空乏之後呢？

演出場地：藝・風巷- 2F