原始文本來自法國荒謬劇代表劇作家伊歐涅斯柯的作品《禿頭女高音》，故事開始時一對剛吃完飯的史密斯夫妻正天南地北的談著閒事，太太說著風馬牛不相及的事情，先生僅發出嘖嘖之聲，隨後馬丁夫妻來訪，然而這對夫妻像一對陌生人般彼此似乎不認識，藉由一連串的巧合，才逐步確認彼此夫妻的身分，最終相認，家裡的時鐘總在不對點的時間，似乎印證不詳的響著，然後消防隊長無厘頭地打擾，家中沒有人真的歡迎他但又期待他能夠帶來一點娛樂的興頭，而最搶戲的是瘋癲女傭瑪莉似是鬼魅的出現，表演者控制得宜的荒謬感，讓語言堆積的文本，有畫龍點睛的喘息時刻，最後馬丁夫妻坐在餐桌上，重複著一開始史密斯夫妻的對話。

本劇的文本以挑戰語言的累贅、以及對話的無用為目的，當辯證體系崩解時，我們的雞同鴨講是否有任何意義，對應當今媒體名嘴或網路鄉民現象，似是而非的格言與無人真正在乎的交談，似乎有種déjà vu的趣味，表演本身很吃演員的表現力，要挑戰荒誕的劇情，直到最後語言退化成單字或字母的大爆炸，呈現出不逾不矩的中庸正常，也更凸顯了彼此存在的可笑。

演出場地：阿嬤家- 2F

光是願意搬演Eugene Ionesco 的《禿頭女高音》就值得再多加一顆星星，這是個經典且具有難度的劇本，創作團隊選擇幾乎照本演出，整體節奏掌握成熟，演員在角色掌握上亦可說服觀眾，可以想見花費了大量的心思、時間於排練。在人物服裝、場景陳設與小道具上亦可看出團隊的用心與認真，希望給觀眾營造出典型的英國式情境。

《禿頭女高音》裡藉由重覆堆疊的台詞和動作，不合常理的劇情，來表達語言的失能，溝通的無效以及生活內涵的空洞，如史密斯夫婦不斷重覆生活上的事情，馬汀夫婦永遠覺得雙方多麼地巧合，消防隊長永遠期待大火等等。雖受限於場地演員的進出集中於左側走道，但導演適時利用燈區轉換；馬路的喇叭聲雖偶爾呼嘯而過，但在一本正經的表演中更加突顯荒謬的意味。

演出場地：阿嬤家- 2F

好久沒看到這個劇本被演出了，還以為這劇本此後只能在課堂上呈現。除了有待商榷的英國風，這文本似乎有越認真演越不正確、演得越刻版卻越加荒謬完美的感覺。生硬翻譯的台詞文字，在這場演出中竟有如卡提諾狂新聞常用的google語音般貼近現代社會、現場環境音、木造建築甚至演員跟觀眾的距離，也為這齣戲大大地加分，難不成，這時代是這劇本重出江湖的最好時機？

不過，在看完之後，除了佩服團隊的勇氣外，還是忍不住去思考關於整體演出成敗之外的事。不得不誇的是導演調度相當到位、團隊演出的節奏感掌握得也很好，舞台道具也很有想法……不可思議的地方，反而是觀眾的反應常常落拍，無法像單看文本時精確，但這可能不是團隊的問題，而是這文本有許多地方已不合時宜（就像《犀牛》裡面對於邏輯的辯證）造成的落差。

一般喜劇會先建立起應有的邏輯再加以打破，而這劇本的邏輯建立並不是在文本之中，而是當時的社會環境與流行的話題，所以，從第一幕第一場第一句開始，就是一路打破、打破、打破……因此，少了期待看到禿頭以及期待聽到女高音唱歌的觀眾，可能就無法體會這劇本的深度幽默。換言之，當今社會的荒謬可能已超越了這個劇本，讓我在走出劇場時，打了一個不大不小的英國式的冷顫。

演出場地：阿嬤家- 2F

白淑麗加工出口區這次在藝穗節挑戰Eugene Ionesco的作品『禿頭女高音』，這是一部非常著名的荒謬劇代表，劇中共六個角色史密斯夫婦(重複討論著已經知道事情的夫妻，甚至連自己女兒的名字都能討論)、馬汀夫婦(藉由荒謬巧合的對話中，發現原來自己是夫妻)、女僕(一直在做自己事情的女僕)以及消防隊長(只會講故事娛樂眾人)，藉由最日常生活中的對話，非正常邏輯性的台詞來反諷現實制度與生活的荒謬，就像改編過的劇名一樣『不要叫我禿頭女高音，叫我禿頭女高音』，前後文字的不合邏輯，而文本也跟女高音，甚至跟音樂一點關係也沒有…。

這是一個很有難度的文本，大量反覆及非常規的台詞，使用語言文字的同時也諷刺著語言文字的準確性，能表現到這種程度團隊應該下了很多功夫排練。許多設計巧思也很細膩有想法，像是角色的造型、中央燈泡的照明、反串的女僕還有消防隊長的冷(練)笑話等，值得讚賞跟肯定。但也有下列幾點覺得可以再加強：1、演員的動線：受限於場地，劇情中有很多使用觀眾席左側空間走動，團隊為了保持演出狀態，設計了燈光來區別，但這個白光跟照明方式與主舞台區的黃光照明差異很大，覺得怪異。2、演出中有多講故事的橋段，是否能結合真實的荒謬故事來增加理解的強度。3、會後看到團隊在檢討演出，觀眾現場反應不佳沒有創造出笑聲…。原因就是不好笑：演出中充滿大量快速及非邏輯的台詞，多數的台詞也跟”當下”無法連結，觀眾光要理解內容就已經非常有難度，如何讓觀眾快速理解也是團隊一門很重要的課業。

演出場地：阿嬤家- 2F

我非常欣賞這個團隊認認真真地去作Eugène Ionesco《禿頭女高音》的這件事，帶給觀眾認認真真的英國式生活，非常有藝穗精神。

二十一世紀已過了快二十年的今天，已經沒人相信能單純重演經典。創作者與外國經典對話的通常路徑，不外乎在地化移植、解構再重建、取其元素改編、置入當代語境等等。而此原著文本按其劇場史地位，在台灣演出時大概都要面對為何要搬演的問題。但藝穗節不太一樣，在這裡可以單純想做就做，不需要太大的企圖。更好／糟的是，畢竟我們這一代早已不比荒謬劇誕生時的時空背景，如今，已是更複雜更荒謬更悲哀。荒謬劇的荒謬特質就回答了此刻演出的意義（我們只因荒謬便滿足）。

演員們的演出真的非常好，嚴肅地面對表演才能使得此作的荒謬被呈現出來。且無論是口條以及投入程度皆相當成熟（雖有吃螺絲但瑕不掩瑜），演出節奏掌握精準能令觀眾失控大笑（這真的很難）。開演前劇中人於一樓天井徘徊的設計以及舞台道具相當有巧思（比如即將開演燈泡的三明三暗，我尤其喜歡女僕拿的燭台上面放的三色假蠟燭）。對我而言，充斥翻譯腔的台詞以及略有作態的表演方法通常是地雷，但此作中卻顯得恰如其分。一開始我就驚訝於創作者幾乎貼著原著演出，讓我更想知道荒謬能幾何？幾乎照本演這件事本身就很有意思了。

但搬演經典，不免俗地還是得回過頭來端詳這個1950年的劇本；只能說，還是超ㄎㄧㄤ。不過在劇場裡提問劇場的時代已經不再，一切都被問完了，「我想要說的前人們都說過了」。本劇探索語言退化或失效的意圖都已經是教科書裡的一行定論，而新世紀卻又進化成荒謬的一切都很合理的時代了（當人們甚至能用emoji來溝通，語言的進化／退化超乎想像）。

於是在這個木造建築的場地演出此劇，雖然隔音很差，馬路上不受控的喇叭聲在這個作品裡卻很合理。而在開演前我在演出場地附近瞎晃，發現隔壁居然是消防隊也真是意外地好合理。當舞台上演著荒謬的台詞，觀眾失控地花枝亂顫也好合理。此作的導演與演員是一群剛從中山劇藝系畢業的年輕人，我會期待未來在劇場裡繼續看見他們的作品。這樣的溫情結尾，也十分合理。

演出場地：阿嬤家- 2F