看演出前，我對於佛朗明哥舞並沒有太多的瞭解，在觀賞完舞作之後亦然，會登記觀賞這個演出，完全是衝著能聽到鍾玉鳳的琵琶演奏而來，但佛朗明哥真是一種不可思議的舞蹈，當舞者的踱步與佛朗明哥吉他的樂聲，搭上擊掌手節奏與歌聲，總是能一秒將觀眾捲入漩渦之中，因此每當舞者隨著樂聲甩動衣襬時，或頓挫身體時，我總是很願意把我的心神全副交給表演者，即使我無法像鄰座熟悉佛朗明哥舞的觀眾一般，在適當的時候，給出和著節奏的喊聲。

這齣舞作的名稱取作《島民》，在演出前望文生義，即讓人浮想聯翩，尤其是在這個越來越多人試圖理解這塊島嶼的歷史，以及去向的現在，一旦提到島，似乎就必會與自身有所連結。在演出中，可以發現這的確是一個名實相符的作品，它由主要創作者李律彈著月琴唱《思想起》開頭，接著李律說起演出所在地——納豆劇場的名稱由來，並且帶入一首佛朗明哥關於移居的歌曲《El Emigrante》，之後演出的組成大抵如此，總是一段李律的自述，配合上一段佛朗明哥的舞蹈。

這些自述的故事讓國家的、血緣的和語言的邊界，在此顯現，例如一名學習佛朗明哥並以此謀生的台灣人，如何面對美國海關的提問；或是我如何面對一種我聽來熟悉卻又無法說出口的語言，這些故事與舞蹈呈現融為一體，尤其是那段李律蒙上雙眼的獨舞，透過這樣的姿態，以及那盞握在她手中的立燈，彷彿探問著自身的斷裂，也追問著觀眾心裡的黑暗。

比較可惜的是，主述者的聲音，透過音響傳出時，聲音變得較為扁平，高音甚至有些刺耳，這一方面與聲響設備有關，一方面也與表演者的麥克風使用方式有關，這影響了故事渲染人心的力道，也令說與舞間有時會裂成兩塊，且我有時甚至覺得，在這個作品裡，無有言詞的身體動作，比起語言能說出的，常更加神秘且懾人魂魄。

演出場地：納豆劇場

生平中現場觀賞漫才+短劇的初體驗，就獻給了過敏原人+搞笑救星+林東緒的演出，真的是個相當美好的開始。原先擔心對於演出形式的不熟悉，以及因為對於要看人專門表演搞笑的尷尬，會讓我在觀眾席化為一座冰山，但是《職男人生3之達成激笑》使我觀演前的顧慮一掃而空，自然而然地引出我發自內心的笑聲。

雖然在開演前的廣播，及演出結束後，表演者們都不斷的向觀眾喊話，說他們在後臺非常緊張，但我在場上看到的，卻是穩健推進搞笑能量的段子連發。比較可惜的是第一段，由搞笑救星擔綱的部分，由於主題是圍繞在婚禮上，但婚禮上能裝傻、吐槽的梗，多半是圍繞在不合時宜的語言或行為，也就較難超脫出觀眾的意料之外，進而營造出驚喜感，且耿賢在這段的肢體較為僵硬，吐槽時的拍點也常會早了零點幾秒，如果可以再鬆一些，相信能更全面點燃笑點的火力，但經過第一段後，表演者也就越漸入佳境。

週末的午後，能夠觀賞到這樣的演出，再壞的心情都被稍微解開了一些，也令人期待下次有機會再欣賞這類型的創作。

演出場地：西門紅樓二樓劇場

這場演出，把劇場裡最常用來假鬼假怪的三大招式全用上了，環繞環境的聲響，演員們肢體上的接觸互動，再適時地灑上些與觀眾的互動，令人感到既炫目又有些不安，這三者的組合可以就這樣無止無盡的發展下去，但這與內容的關係是什麼呢？形式並不僅只於幫助內容的被演繹、被演說，它實則應該就長在內容裡頭，它們是不可二分的整體，但在《牙洞/牙牙學痛》中，形式只是形式，內容與觀眾觀演時的連結仍尚未發展。

在藝穗節的宣傳頁面上，提到「女孩」，提到「與父相戀」，而這些文字所造成的驚駭程度，在演出現場並未出現，即使導演使盡的調度表演者的身體交纏，或是發出聲響，但只能停留在隔靴搔癢的層面，因為那只是在演，身體與思想間所面臨到的真實危機尚未被召喚出來。比較確切令人有感受的，是將某種世間認定之不潔的剃除，與拔牙的意象連結在一塊，整齣戲只有這裡讓演員的行為與內容產生了呼應，並且導引出能量。

在演出中，編劇挪用了許多不同的文本，如禮記、荀子或莎樂美，可以感受得到其對倫理關係的探索與質問，但我疑惑的是，東西方文化間對於倫理的思維，是奠基在同樣的看待「個體」與看待「社群」的觀點上嗎？否則這些文本是在什麼樣的基礎上被相提並論呢？當然，這也可以看做是編劇只是拿取這些象徵符號來拼貼或刻意誤讀，那麼導演呢？導演關於文本的詮釋是什麼？究竟是要講倫理關係的形成呢？亦或是要講倫理關係僵化後的人性衝突，在這場演出中，皆未有太多的發展，比較多的著墨反而是在描繪亂倫事件上，但事件終究只停留在事件的層面，未能開展出更多的同感或討論空間。

演出場地：思劇場

米日一里葉晋發的場地被一分為二，一側是客廳，另一側是餐室，對外的兩扇門，則用做通往廚房及臥室的入口，樓梯則被當作是通往街上的出入口，雖然樓梯動線令人有些困惑，但原著劇本演出時所提及的場地，在單一的環境中皆被成功營造出來，不曉得這是演出團隊選擇這個場地的先見之明，亦或是後來的發展，但這樣的舞台設計相當別具巧思。

演出中，四名演員的台詞雖然有著濃濃的翻譯腔，但因為整體演出很從一而終，並未有試圖在地化的痕跡，反而讓人明確知道我們與這個美國經典劇本間的距離。而既然觀眾與文本間有著一道鴻溝，而創作者又未嘗試填補，那麼能幫助觀眾跨越的，唯有以演員們的情感渲染為依歸。

在《碎了一角的，…》裡，黃煒翔同時身兼湯姆及類似說書人的角色，他的表現相當穩健且細膩，獨白時的聲音充滿情感，也能捕捉住意在言外的事物。飾演蘿拉的陳思潔，開頭時雖較為生嫩，但隨著蘿拉的故事逐漸披露，她纖細的特質反而與蘿拉合為一體，令她與駿的互動，以及最後吹熄蠟燭的身影，將整個空間帶入一股感傷的氛圍中。

最後得提的是本戲的燈光設計，他接合了靜態攝影時常用的器材，為本戲的各個橋段營造出恰如其分的燈光，尤其是從窗外，透過玻璃間接打入室內的朦朧光線，如同是這個家庭裡，各人晦暗不明命運的一個註腳。

演出場地：米日一里葉晋發

在2小時拆裝台的挑戰下，《古林肯比》成功地利用偶戲及物件，在短時間內，帶領觀眾進入遍布浮冰的冰雪世界。在戲中出現的魚群、小女孩、北極熊、奶奶和工廠老闆等戲偶，皆極具巧思，也相當符合劇情需求，使北極熊能表現出溫柔與兇悍的特質，也讓奶奶的數次擁抱更具暖度。

舞台上，放置著三個大型的收納箱，既可當作是浮冰，將蓋子翻起時，亦能做為演出發生時的舞台，這樣只要有想像力，無物不可被轉化的特質，正是偶戲演出時的驚喜所在。而最令人驚喜的橋段，莫過於如何在幾近空台的場上，演繹出一場暴風雪，透過三位操偶師的合作，以及生活物件的運用得宜，觀眾的眼前真的出現一場狂風與大雪的合奏。

在整場沒有一句台詞的演出裡，戲偶們皆是透過肢體動作與配樂來表達當下的情緒，但也正因如此，更考驗著編導鋪展劇情的功力，以及操偶師是否能細膩的將人物間的情感傳遞給觀眾。在《古林肯比》中，常令我感受到各個角色間的關係是模糊的，比如開場時的北極熊古林肯比與小女孩，一開始我甚至有些疑惑這一人一熊是初次見面嗎？還是相識已久？後來才比較能肯定是後者。而整齣戲裡，最令人困惑的應屬小女孩與郵差相見的場景，無論是兩人的互動，或是動作的編排，都令人摸不著頭緒，究竟郵差是要送信呢？還是要把信丟掉；小女孩原先好像是想把信丟入信箱中，卻被阻止，最後小女孩把所有的信埋在雪中，郵差也加入一起埋信，著實不太能夠理解，此段劇情的用意，直到郵差開著飛機帶領小女孩離開極地尋熊，整齣戲的劇情才又連回原先的軌道上。

小女孩尋熊之旅的最後一站，來到了一間工廠，在工廠機械化的生產線中，熊的野性以及劇情前段的冰雪場景，有了極為鮮明的對照。只是當小女孩帶著熊回到極地，之前不願與熊如此近距離生活的村民再度現身，而這個衝突只透過小女孩與奶奶的幾個動作，即被化解，讓整個演出所醞釀出來的巨大張力，在此瞬間消融。這也還是回到人物關係的問題上，熊、小女孩與村民間的關係到底是什麼？唯有透過關係的進展、故事的延伸，才有可能導向編導所意欲前往的結尾。

演出場地：URS127玩藝工場(2小時場地)

從宣傳中得知是有趣的獨立電影改編，再加上是北藝大的畢業生們組成的劇團，令我在看戲前充滿了期待，沒想到卻是迎來了如坐針氈，看得我滿臉尷尬的100分鐘。

也許是我有先入為主的觀念吧，但台上八名演員的發聲位置、咬字和說話節奏都極為相似，這造成觀眾在聽覺上的疲勞，尤其這是一齣如此依賴聲音表現來說服觀眾的戲劇。而這樣相似的表演方法，也讓劇中提到這些人各是學有專精的生物學家、人類學家、心理學家、系統神學家等人的設定無法施展，更多時候，演員只是在裝腔作勢地演出一名年長且閱歷豐富的專業人士，這遑論要觀眾進入他們所辯證的相信或信仰。

在導演手法方面，原先電影中，的確也是聚焦於男主角家的客廳中，但電影的鏡頭語言，使得即使場景固定不變，仍能以不同的鏡位，產生推動劇情張力，或是轉變觀點的效果。在本戲中，角色們多半就固定在自己的位置上，然後用著千篇一律的聲調開始你一言我一語的丟接台詞，連角色間的台詞丟接節奏亦相當穩定，使催眠的波動陣陣襲來。

最後是關於本戲在地化改編的部分，老實說，不是很能夠理解在濃濃翻譯腔台詞的籠罩下，那些試圖將文本嫁接到臺灣的嘗試，意欲何在？何不就大方坦承，這個奠基於基督教文化背景脈絡下的劇本，在臺灣搬演時，就是會遇到這並非我們文化脈絡，所以在觀點與共鳴上，始終會有隔了一層的感受。這個感受來自於文化間的差異，也影響了我們思考問題的方式，所謂的在地化，我想是應該更勇敢的去面對這些障礙，而不是欲蓋彌彰試著修補，搬演西方文本時的種種縫隙。

演出場地：納豆劇場